本文的重心在于透过对“原真演奏”问题的阐释、“演奏型态”的建构与分析,进而从音乐演奏的视角,对音乐释义学的方法提出一些思考。本文的论述因此有两大任务:一是厘清“原真演奏”发展的脉络及其在二十世纪下半叶所引发争议的焦点;二是尝试建构“原真演奏”演奏型态并据之以为演奏分析之基础。“原真演奏”是“古乐复兴运动”的核心概念,二十世纪六○年代开始成熟地发展,并在唱片工业的带动之下,把一种演奏古乐的全新思维模式推上了西方音乐世界舞台,同时也对十九世纪以来的传统演奏实践观念产生了巨大的冲击。“原真演奏”对于演奏传统的反思,在理论概念(哲学、美学与历史)、演奏实践以及对于社会的影响上都引发了西方音乐学界极多的讨论及争议,因此理清“原真演奏”发展的脉络与厘清这些争议的焦点,对于“演奏型态”的建构与分析是绝对必要的。“演奏型态”概念提出的目的在于突显传统演奏思维的单一,进而提供另一种思考音乐的方式。其建构的触发点在于“原真演奏”与“主流演奏”在相同曲目不同结果之间的差异,这种差异并非诠释上的差异,而是整个演奏模式:包括看待音乐作品的概念、对声音的品味、演奏实践的手法以及音乐表达的方式都完全不同,这种不同引导着对于整体“演奏型态”模式的建构。本文从作品与演奏的关系、作曲家的意图、演奏实践的手法与音乐表达的方式四个方面作了描述与讨论,以为“演奏型态”建构之基础。而在“演奏型态”的分析上,本文以巴赫《勃兰登堡协奏曲》(Brandenburg Concertos,BWV1046-1051)为例,选取四个各具代表性的录音,对不同版本演奏中的乐器音色、速度、重音、动态、分句、发音、装饰音、颤吟和整体情绪各方面作了总结与比较,从理性分析与感性聆听两方面描述。通过上述“演奏型态”分析的过程与结果的总结,本文尝试对音乐释义学现有的偏向技术分析与音乐学分析的方法提出反思。在习惯于“主流演奏”所带来的声音经验传统中,“原真演奏”极大地扩展了演奏者与聆听者的感性经验,使得作品呈显出更为多元与丰富的意义,本文因此认为音乐的意义有很大一部分是存在作品之外的,即并非作曲家在作品中所置入的,而且这些意义若有似无,随生即灭,说不清,道不明,只能求之于感性的体验,语言描述也只能形之于万一。因此,本文受法国哲学家德勒兹所提出的“生成”(becoming)概念启发,认为音乐意义处于一种动态的过程之中,其敞开必基于演奏与聆听。基于“演奏型态”的聆听作为音乐释义学的一种方法由此展开。