交响乐团是大型的管弦乐队，规模建制较为庞大，一般有七十至一百人之多，且乐队成员数量可以根据演出曲目的不同而调整。交响乐队大体可分为弦乐组、木管组、铜管组和打击乐组。其中弦乐组包括小提琴、中提琴、大提琴以及低音大提琴；木管组包括短笛、长笛、双簧管、单簧管、英国管、大管等；铜管组包括圆号、小号、长号、大号等；打击乐组则有定音鼓、小军鼓、大鼓、三角铁、钹、锣、排钟等。这些为数众多，音色、形制各异的乐器组合在一起需要演奏员的默契配合与完美演奏。交响乐团演奏员的训练方法是每个团员在日常的练习中都应该考虑的问题。本文主要针对交响乐队中小提琴演奏员的日常训练方法做一探讨。
　　小提琴在弦乐器组中体积最小，音域最高，表现力丰富。在演奏技术方面，小提琴在整个交响乐队中也最为灵活，适于演奏任何速度和形式的乐句，也包括带有和弦式进行的乐句。因此，小提琴在乐队中起着主导作用，可以称之为交响乐队的“心脏”。首席小提琴手是执行指挥家音乐表现的首选，带领着整个乐团进行演奏。首席的左侧是副首席，他的作用是协助并扩大首席的力量，是重要的替补人员。另外第一提琴声部长，也要起到承前启后的作用。以此类推，每一个声部的前两排都是主要的演奏员，常常演出独奏的部分。观众在观看音乐会时，经常会看到第一谱台和第二部谱台的演奏员肢体演奏幅度相对较大，这样的作用是为了产生更大的影响力，让周围的演奏员受到感染，从而跟随情绪，共同演奏。
　　在日常的演奏训练中，演奏员需要有的放矢地选择多种训练方法来提高自身以及团体的音乐表现能力。笔者总结的训练方法如下：
　　一、个人技术训练
　　个人训练就是上台表演之前的单独练习。俗话说，台上一分钟，台下十年功。但是练琴不能千篇一律，要掌握方式方法。就如医生给人看病，要对症下药，因人而异。
　　当小提琴演奏员遇到的演奏曲目是一个之前并不熟悉的乐曲，应该如何练习呢？首先，要对乐曲做音乐学方面的分析。通过查阅了解乐曲的作者、演奏风格、历史背景等资料，对乐曲的音乐风格及演奏技巧有一个大概的掌握，避免演奏中出现风格差异等常识性错误。其次在练习中要准确地全面读谱。此处的全面读谱不只是认识音符，还包括谱面标记的速度、力度、节奏、音色等表情记号，然后才能进行接下来的练习。
　　音色指声音的感觉特性，在表现特定情绪、描绘形象方面起着重要的作用。尤其在大型音乐作品中，音色的变化更为频繁、丰富。因此演奏员演奏出的音色应该是经得起推敲的。例如，表现一段非常温暖的音色，需要演奏员左右手怎样的配合；表现一段非常强烈的音色，又要运用什么样的演奏技术等。这些都需要演奏员在日常的训练中做更为细致、专业的推敲，将音色的演绎和演奏技巧紧紧的联系起来，从而获得更好的音色。
　　比如管弦乐《梁祝》的主旋律是一段比较温暖、柔和的旋律。小提琴演奏员在日常练习中，要多注重练习左手，多运用揉弦以达到抒情的效果。但是如果演奏技法换成急促的揉弦，那么表现的将是另外一种音乐效果，会让欣赏者感受到寒冬腊月的寒冷。因此，演奏员在练习时，要特别注重需要表现的音乐效果以及音乐风格，再将技术技巧巧妙地结合在音乐中。也就是说，技术表现手法要以乐曲的音乐表现为基础，不能脱离音乐，只谈技术。
　　再如莫扎特的《A大调小提琴协奏曲》开头的一个乐段，要表现的是相对轻巧的音乐效果，演奏技术的选用就与《梁祝》的处理完全不同。演奏时，右手的运用非常关键，比如连弓的演奏、断开小节的处理，这些演奏技巧的高低完全影响到音色的表现效果。
　　演奏者对音色的追求是永恒的，但不能千篇一律，每一个人所表现的音色特点都是不一样的，甚至每一把琴的声音特点也是不同的。演奏者作为独立的个体，要培养自己的演奏特色。要像了解身体的一部分那样充分了解自己的乐器，充分了解需要演奏的曲目所表达的情感，从而运用不同的演奏技法演奏按弦、颤音等，才能获得更加多样的音色效果。
　　二、乐队技术训练
　　1、乐队整体合作训练
　　相比较个人练习，团队的合作更加复杂多样。因为合作训练不单单是一个人的技巧处理、音色表现，更加注重的是团队合作，侧重于集体对于音乐作品的共同理解，共同塑造。因此培养演奏员的合作意识是非常重要的。乐队配合的默契程度直接决定一首乐曲演奏的成败，是评判乐队水平的重要标准之一。作为一个演奏员如何使自己默契地与其他演奏员配合，融入乐队，演绎作品，成为交响乐队队员演奏成败的关键。
　　一个优秀的职业演奏员，在乐团演奏时，需要眼观六路、耳听八方，要对音乐作品的整体诠释保持高度的敏感性。“看、听、跟”这三种能力的训练极为重要。我国著名指挥家李心草曾经说过：“一个乐手，他的耳朵用百分之三十来听自己的演奏，百分之七十去听其他乐手的演奏。”在演奏的同时，耳朵必须要同时听到周围演奏员的演奏。要判断自己的音准、音色与集体的是否统一。在看谱的同时，同样要观察指挥给出的任何一个动作、速度的变化以及音乐的走向。无论任何情况下，都不能忽略指挥的存在，除此以外，还要注意观察乐团首席，看他是采用何种韵律来带领整个乐团的，然后才能跟随整个乐团统一有序地演绎整首乐曲。所以，优秀的演奏员感官反映要非常敏锐，只有这样才可以达到整个乐团的演奏效果。长期艰苦的训练才能使乐队如同一个人在演奏一样，整齐有序、严丝合缝。
　　那么世界顶级的交响乐团是如何培养演奏员呢？例如维也纳爱乐乐团和柏林爱乐乐团，他们的训练方法是由年长的演奏员带领年龄稍小的学生从十几岁就开始进行培训。这种培训并不是带有演出性质的，而是侧重于对交响乐团基础的了解和技巧的训练。让他们懂得乐团演奏与个人独奏是完全不同的表现形式。经过这样一两年的培训之后进入第二阶段即带有针对性演出计划阶段的训练。同样还是由有经验的演奏员带领学生进行培训。第三阶段是这些学生可以和世界顶级的音乐大师、指挥家在一起合作演出。如祖宾梅塔、小泽征尔、捷杰耶夫等这些享誉世界的指挥家都会来到维也纳，与这些优秀的演奏员进行音乐会合作演出，为演奏员的培养提供实践的过程。这一点对于国内的演奏员培训也具有借鉴意义。
　　2、乐队小组片段训练
　　乐队小组片段练习，是指由乐团首席来为其他演奏员讲解某些乐章片段的演奏方法，与独奏练习完全不同。它是一个小团队器乐组合训练，更加突出的是单独的乐器组音色以及乐器组内部之间协调训练等方面的处理变化练习，在练习中，要运用很多与独奏、重奏完全不同的演奏法，它是专门针对于乐团演奏这一形式而进行的。
　　例如《贝多芬第二交响乐》弦乐部分片段，是由两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴组成的弦乐四重奏。这是一个较为典型的乐章，其中乐器与声部问多样性的配合，尤其值得仔细分析。如第六小节第三拍的重音，在乐团演奏中，重音要从大提琴开始，并不是从第一提琴开始。小提琴的声音穿透力非常快，如若让小提琴的声音先穿透出来，这样会脱离其他乐团成员。第七小节处，有一串相对复杂的节奏型，也要注意特殊的演奏技法。第一提琴和第二提琴的音高，处于一个上下八度的关系。通常低音声部要拉的响一些，高音声部稍微弱一些，这样就需要第二提琴的声音多出来一些，第一提琴弱一些。但是在演奏技法上，两者需要统一，只是转变为由第二提琴引领。接着，出现一个渐强的节奏，演奏也应该从大提琴开始，大提琴演奏多少，其他声部就需要跟多少。如果小提琴声音音量过大，就会造成乐团整体音乐效果的不和谐。其后出现的Si、Do、Re、Mi四个音高，最后的一个Mi演奏两拍。当Mi拉过后，交由木管组演奏。所以在弦乐演奏完毕时，需要一个过渡阶段将声音传到木管组，而不能只拉到谱面标记的一拍半就结束。另外就是在演奏时尽量避免空弦的运用，尤其是在大型的管弦乐演奏中，如果十二把小提琴同时空弦，那么结尾处的音响会产生强大的延续效果，所以要尽量避免。
　　综上所述，交响乐队的演奏员在日常的训练中，可以选择个人训练、整体乐队合作训练、小组片段训练等多种不同的训练方法进行练习。针对在训练中遇到的各种各样的演奏难点，只有选择恰当的训练方法，才能得以解决。同时，交响乐队演奏是一个合作性很强的表演项目，对于演奏员的协作精神、团队意识的培养也是同样不可忽略的。只有掌握了科学的练习方法和良好的团队协作能力，才能为成为一名优秀的交响乐队演奏员打下良好的基础。