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摘 要：19世纪初浪漫主义乐派兴起，逐渐替代了古典乐派成为当时的主流，艺术家创作上开始倾向于崇尚主观感情，展现对自然的热爱和对未来的幻想，同时也带动了钢琴音乐风格的转变。当时欧洲文化思潮发生巨大改变，音乐审美观点也与以往不同，对钢琴作品的创作产生巨大影响，出现了新的表现形式，浪漫主义得以发展起来，形成了独特的风格。本文分析了钢琴发展史的各阶段，从早期的古典主义再到19世纪的浪漫主义经历了一段演变过程，梳理、归纳各时期的风格，探讨西方音乐的特征，对钢琴演奏进行分析，弥补了以往研究的不足之处，探讨这一体裁兴衰的背后原因，并对其进行详细阐述。
关键词：音乐的特征 19世纪 演奏分析
18世纪末到19世纪初，浪漫主义思潮涌起，大量相关作品出现，对社会产生巨大影响，也带动了钢琴作品的转变，浪漫派系作品层出不穷。“浪漫”为“romance”的音译词。中世纪的欧洲文坛中主要为英雄史诗，各种骑士传奇流行，而“romance”即来自于此。随着法国大革命的到来，社会思潮出现了巨大改变，浪漫主义随之兴起，与当时的社会背景密切相关。大革命主张个性解放，要求能够自由抒发情感，倡导“自由、平等、博爱”， 浪漫主义则与之相契合。浪漫主义钢琴曲是这一思潮的产物，符合当时人们的追求，展现出新的作曲风格。这种钢琴曲不受曲式限制，结构上较为自由，给人以热情奔放之感，能够尽情地抒发主观情感，有着强烈的民族倾向，与古典主义音乐风格不同，后者更注重典雅端庄，二者之间形成鲜明对比。
纵观西方音乐史，浪漫主义从19世纪初兴起，发展到20世纪初，经历了近百年时间，涌现出许多优秀的作品，钢琴音乐得到了突飞猛进的发展，和声写作展现出新的风格，创作题材发生变化，情感表达直接强烈，同时也涌现出一大批钢琴家、作曲家，他们中有的被称为浪漫主义先驱，如贝多芬、舒伯特，中期的李斯特、肖邦等也享誉盛名。这是一个璀璨的年代，钢琴大师层出不穷，带来了许多优秀作品，也铸就了一世的成就。本文对此进行研究，分析这一时期浪漫主义题材，探讨此类作品的特征。
一、19世纪浪漫主义的形成
浪漫主义最早在18世纪末出现，但具体形成时间不确定，目前的观点认为浪漫主义时期为19世纪到20世纪初，在这一时期诞生出很多优秀的作曲家，例如肖邦、德奥、贝多芬等创作出很多优秀的作品。他们是浪漫主义的先驱者，一生创作了大量作品，至今仍有着重要影响，然而艺术风格的形成受多种因素影响，时代环境在其中起到重要作用，从政治到经济，从文化到哲学都必不可少。16世纪文艺复兴打破中世纪的黑暗，实现了人类第二次思想解放，欧洲发生了巨大变化，资产阶级兴起，反封建运动如火如荼，为浪漫主义思潮奠定基础。德国古典哲学和美学在其中发挥重要作用，对浪漫主义音乐产生关键性影响，如德奥的浪漫主义交响曲。歌德和希勒也为之做出巨大贡献，他们的诗歌创作和审美追求被后人所继承，在浪漫主义音乐中体现出来，如贝多芬的交响曲。资产阶级革命打破了封建统治的外壳，市民的地位日益增高，他们的需求开始受到重视，世俗化和个性表现成为必然的趋势，如浪漫主义喜歌剧。资产阶级怀揣理想，在与封建主的斗争中获取胜利，启蒙运动随之兴起，但现实并非如其所愿，二者之间形成了巨大落差，对许多作曲家产生影响，幻想成为了钢琴曲创作的主调，如舒伯特。民族独立运动和反压迫运动影响着音乐界，许多钢琴作品开始反映民族意识觉醒，如各国的民族乐派。时代不断变化，环境中各种因素影响着音乐创作，人们的要求日益增多，希望钢琴作品能够表现新的内容，钢琴作曲家的创作必然会与之相契合，不再受传统钢琴音乐创作的束缚，而是在新的道路中探索。
二、19世紀浪漫主义钢琴曲音乐的特点
在19世纪西方钢琴作曲受到浪漫主义的影响，其钢琴作品主要呈现出一下几个特点，首先是移情性，这是一种借物抒情的一种方式，其次是标题性，钢琴作品最为重要的就是其标题，因为标题相当于钢琴曲目的精华所在，在标题上就呈现出浪漫主义的色彩，再次是演奏场所的改变，从以往的严肃的演奏场所逐渐转化成为休闲性演奏，例如沙龙，增强了演奏的娱乐性，再次钢琴作品中呈现出幻想性，这也是受到浪漫主义思想的影响，让在演绎过程中，呈现出英雄主义形象，给予听众未来的希望，最后是哲理性，在钢琴演奏中出带领听众思考人生。
1.移情性
“移情” 是一种情感投射的方式，通过钢琴演奏出其他事物来反映主题情感。钢琴艺术作品中都有隐含一定情感，创作者并未将其直接表达出来，而是投射在不具有思维和情感的事物之上，通过钢琴的演奏，让特别的审美关照显现出来，其中不乏艺术家的创造，赋予这些事物以情感内涵。19世纪西方钢琴作品有着自己的特征，描写自然风光是常见的手法，如像孟德尔颂钢琴演奏的交响曲，就充分应用了移情的方式。自然事物本身不具有情感，艺术家通过创造将情感移植于其上，使其蕴含丰富的感情，这种感情并非自然事物所拥有，而是体现出人的情感，是通过移情方式获得的结果。古典主义则强调自律美学，仅仅把音乐当成流动的形式，不会将其附着于外物之上。浪漫主义音乐则与之不同，对于外界事物的描述是常用的手法，他们将思想情感附着于这些事物之上，此时的音乐不仅仅是一个形式，而是人感情生活的体现，一概古典主义的常态，从而让其给人一种豁然开朗的感觉。
2.标题性
标题性也是浪漫主义钢琴音乐的特征。通过钢琴演奏出标题音乐带动人的情感，促使其关注音乐外的世界。在这里往往会加入标题或相关文字解说，让人们对音乐作品有深入地了解，明确其中所包含的思想内涵，从而形成更多的知识情感体验。在19世纪西方钢琴作品中标题音乐具有特殊的功能，可以利用钢琴演奏这一形式表现思想，也可以以此来明确事件。以柏辽兹的《幻想交响曲》为例，会将文字说明放在每一乐章之前，使人们对其有初步了解，如此才能更好地理解作品。李斯特交响诗也采用了这种方式。标题音乐与传统音乐有所不同，打破了契约音乐的局限，使其表现领域大幅度扩张，不再仅局限于听觉享受，而是能够更明确作曲家的表现意图。如肖邦的钢琴练习曲作品to第12号就采用了上述方式，让人们对作品有更深入地理解，后人冠以“革命” 就充分说明了这一点。文字说明可以提高人们的理解度，更好的欣赏和演奏这部作品。 3.沙龙性
“沙龙”源于“Salotto"，原属于意大利语，后译于法语“Salon"，指美术品装点得屋室，在法语时发生的变化。当时的法国是世界艺术之都，上层人物注重艺术交流，他们有着豪华的会客客厅，经常举办各种聚会，参与者皆为社会名流，在这里进行娱乐，被称之为“Salon"，是贵妇们接待艺术家并消遣的地方。沙龙中经常会有音乐表演，大多以典雅华丽的作品为主，在18世纪西方钢琴作品的演奏都是比较严肃的，然而19世纪西方钢琴演奏一改古典时期的深沉凝重，而是富有很强的娱乐性。柏辽兹、肖邦等者是沙龙中的常客，在此处聚会活动，开展艺术交流，进而互相熟识。
4.幻想性
资产阶级革命是向封建统治者宣战，启蒙运动随之兴起，人们参与其中，认为终于可以打破束缚，过上自己理想的生活，但现实却给他们沉重的一击，革命后的社会变得更加丑恶，这一切在音乐家的钢琴作品中体现出来。如贝多芬的音乐，此时不再充满着英雄主义，原来的理想已经破灭，钢琴作品中充满着失望，彰显出沉闷的气息。现实的不堪促使他们逃避，开始在幻想的世界中寻求自我，使得作品呈现出另一种风格，舒伯特是其中的代表，他的《魔王》成为了时代的代表作。当个人理想遭遇滑铁卢，相反势力不断阻挠期实现，必然会给作曲家以打击，他们会将心中的不满以音乐的形式展现出来，形成戏剧性的画面，如柏辽兹的交响曲。浪漫主义是思想解放的产物，主张情感的表达和个性的张扬，相对于以往创作完全不同，音乐家骨子里有着叛逆性，他们对现实不满，将破碎的理想寄托在幻想当中，在自己营造的音乐世界中生活，不愿意与世俗同流合污。
4.哲理性
浪漫主义音乐是音乐史发展到一定阶段的产物，同时也受着多种因素影响，在浪漫主义文学和哲学的基础上形成，因此许多钢琴音乐家精通哲学，如李斯特等。正因如此，使得这一时期的许多作品富含人生哲理，如李斯特的《前奏曲》就是这样一部作品，其中不乏对生死的反思。瓦格纳的《漂泊的荷兰人》也具有上述特征。纵观这一时期的钢琴作品，许多也表现出哲学的内容，如贝多芬的奏鸣曲有着深邃的哲理性。肖邦的作品中不乏对人生的思考和对祖国命运的担忧。
三、19世纪西方钢琴曲演奏分析
1.双手快速交替进行的八度
在19世纪，在西方钢琴曲演奏过程中，最具体代表性的是双手快速交替进行的八度。在演奏时，需要在弹奏时速度较快，力度很强，因而首先要有正确的弹奏姿势，保持手形，使其处于牢固状态，维持指尖和关节的力量，弹奏时必须坚持有力。在钢琴演奏时，弯曲度适合，过度有可能导致手指肌肉紧张，以保持微伸展的状态为宜，此时弹奏八度较为适合。在钢琴演奏时，手腕处于放松状态，保持在自然位置，手指略张，弹奏时要充分利用第3指。对于5个手指来说，重要性是相同的，但三指位于中央，长度要超过其他手指，因此担任着支撑和平衡手掌的作用，弹奏时首先要将力量集中于此，不可过高撑起掌指关节，而是自然的调整动作，从手腕到指尖处于适宜状态。在钢琴演奏时，注意手腕的稳定性，不可随意晃动，否则力量传递将会受到影响，导致弹奏音色散漫，处于不集中状态。弹奏强有力八度时手腕要保持牢固，手掌到手腕再到小臂维持成一线，弹奏中首先肩部发力，将力量传输出去，经历中间的各个部分到达指尖，这样才能形成扎实宽厚的音色，产生集中有力的效果。如李斯特的《塔兰泰拉》第445小节和第468一474小节，就采用了这种弹奏方式，故而被称作 “李斯特八度”， 作曲家偏爱这种弹奏，将其广泛应用在作品创作当中。第445小节中，首先采用左手单音与右手和弦交替的织体形式进行弹奏，由高向低倾泄而来，然后再以双手交替八度由低向高攀爬而上，使得整个越剧音色饱满，充满雄壮之感，形成热闹的音乐氛围，弹奏一气呵成，如狂风席卷奔涌而来，充满着丰富的情感，奔向下一个高潮。
2.运用钢琴上的每个音区
19世纪西方钢琴演奏时，合理运用钢琴上的每个音曲。19世纪浪漫主义作品的兴起使我们对钢琴所有音区有了理性认识，即每个音区都有其优越性，无轻重好坏之别，只有合理运用就能够创作出美好的音乐效果。于是许多音乐家开始进行了大胆尝试，将以往难以驾驭的低音区运用在创作当中，如《塔兰泰拉舞曲》就是从低音区开始，两只手的乐谱均以低音谱号写作，非但没有产生刺耳突兀之感，反倒给人以无限想象，与“塔兰泰拉”的传说相契合。在音乐中受众们仿佛身临其境，看到了一个个被毒蜘蛛咬伤的人，他们缓缓的从四方而来，不断汇聚，形成了富有诡异色彩的景象，给人以神秘之感。这是一种大胆的尝试，使得乐曲的趣味性随之增加，通过生动的描写促使其深刻的表现出来。
3.演奏风格的把握
在19世纪西方作品基本都是浪漫主义作品，在演奏时，必须做好前期准备，首先要了解音樂风格，深刻理解作品，寻找有效的阐释方法，具体落实在每段思路当中，这样才能对乐器的结构有充分的认识。如何寻找到更具实践性的操作方式是本章的主题，笔者引入演奏风格和创作手法进行分析。
浪漫主义的钢琴作品主张回归本质，它们不强调炫技或浮华，而是处处体现出质朴。浪漫主义作家在创作中更注重简单纯粹的音乐内涵。在钢琴演奏上也主张即兴自然，精巧细致，打动人心，同时又极具温柔，诚恳不夸张，内在而不炫耀，仿佛可以与听者进行心灵沟通，展现各自的真实情感世界。许多演奏家也弹奏过浪漫主义作品，他们来自不同地方，属于不同民族，因此对作品的理解药有所不同，有些人注重声音层次划分，利用指尖的微妙变化达到目的;有的则更关注于肢体布局和旋律演绎。演奏家们将自己的理解融入到作品表现当中，体现出对质朴和自然的追求。这些可为我们提供参考，当弹奏时不应一味模仿，而是要融入自己的理解，结合自身音乐素养，才能够将其很好地展示出来，弹奏出属于自己的最本真音乐。
4.把握钢琴旋律
在19世纪，西方钢琴在演奏中，需要对于钢琴的旋律有着正确的把握，在许多浪漫主义钢琴作品的创作者充分利用了钢琴音乐形态，使曲调如人声歌唱。如莫扎特的作品就是如此，其中不乏古典时期欢快明朗的基调。贝多芬和李斯特也采用了这一手法，促使钢琴演奏进一步发展起来，模仿管弦乐队的气势，形成独特风格。而有些作品则以旋律见长，给人以轻盈抚摸之感，或者融入了民族舞曲的特征，利用踏板形成独特的风格，使受众能够身临其境，被牵引着来到浪漫多情的世界当中，徜徉在一个个音符之内。 人们喜爱浪漫主义作品，认为只有这样的音乐是最美的，在19世纪钢琴演奏中，需要对于作品表达的感情进行理解，能将内心的感受抒发出来，从中体味到欢乐与忧愁。在19世纪西方钢琴作品旋律富有诗意，彰显贵族气质，融入了灵性创作，能够更好地表达情感，形成细腻的体验，所有一切都融入到旋律当中，无法通过语言去诊释，让其在演奏中需要更好把握演奏的旋律。钢琴是整个作品中的灵魂，加上管弦乐队的协作使其更为突出，演奏中必须要深刻理解作品，秉承作品家的意志，这样才能使其内涵充分展示出来。以肖邦的作品为例，其旋律极富特征，因此演奏时要充分理解，将其融入到歌唱家身份当中，把演奏当成讲故事，实现感性与理性的融合。索洛甫磋夫曾评价过肖邦的作品，认为凡是以从容不迫的流畅级进为主，音程比较容易唱的旋律都具有声乐性;有难唱而复杂的音程，大的级进、急速的华彩或者半音的旋律像器乐性的。由此可见声乐性与器乐性有明显不同，前者的旋律更加抒情，伴奏简单，呈现横向流动;后者则注重技術性，纵向编排更宜。作品中将二者结合起来，形成了独特风格。
结语
在19世纪世界各个领域都发生了很大的变化，尤其是是浪漫主义的思想运动的影响下，从而导致西方钢琴作品呈现出浪漫主义色彩。在19世纪西方钢琴正式进入浪漫主义的时代。由于西方钢琴受到西方浪漫主义的影响，其音乐特点也发生很大的改变，通过对于西方钢琴的音乐特点分析，让我们在演奏中把控其主题，并对于钢琴作品演奏分析，希望为后期研究19世纪西方音乐作品提供一定的参考。
参考文献：
[1]曹鑫.试论20世纪西方钢琴音乐创作与流派[J].当代音乐，2020（2）：90-91.
[2]陈家贝.从文化视角解读钢琴音乐的传播——评《钢琴音乐文化的流变与发展》[J].新闻爱好者，2020（1）：115-116.
[3]商蕤.试析20世纪西方钢琴音乐的特征及其演变[J].北方音乐，2019，39（20）：1-2.
[4]周晓珑.中国现代钢琴音乐作品创作技法探究[J].北方音乐，2019，39（19）：252+256.
[5]戚鸣.中国民族民间音乐在高校钢琴教学中的应用[J].当代音乐，2019（9）：67-68.
[6]苏鸣荔.以西方钢琴形式解读山西吕梁民歌[J].黄河之声，2019（10）：7.
[7]林宇心. 1811年以前欧洲音乐即兴创作的历史变迁及其缘由与意义[D].星海音乐学院，2019.
关键词：音乐的特征 19世纪 演奏分析
18世纪末到19世纪初，浪漫主义思潮涌起，大量相关作品出现，对社会产生巨大影响，也带动了钢琴作品的转变，浪漫派系作品层出不穷。“浪漫”为“romance”的音译词。中世纪的欧洲文坛中主要为英雄史诗，各种骑士传奇流行，而“romance”即来自于此。随着法国大革命的到来，社会思潮出现了巨大改变，浪漫主义随之兴起，与当时的社会背景密切相关。大革命主张个性解放，要求能够自由抒发情感，倡导“自由、平等、博爱”， 浪漫主义则与之相契合。浪漫主义钢琴曲是这一思潮的产物，符合当时人们的追求，展现出新的作曲风格。这种钢琴曲不受曲式限制，结构上较为自由，给人以热情奔放之感，能够尽情地抒发主观情感，有着强烈的民族倾向，与古典主义音乐风格不同，后者更注重典雅端庄，二者之间形成鲜明对比。
纵观西方音乐史，浪漫主义从19世纪初兴起，发展到20世纪初，经历了近百年时间，涌现出许多优秀的作品，钢琴音乐得到了突飞猛进的发展，和声写作展现出新的风格，创作题材发生变化，情感表达直接强烈，同时也涌现出一大批钢琴家、作曲家，他们中有的被称为浪漫主义先驱，如贝多芬、舒伯特，中期的李斯特、肖邦等也享誉盛名。这是一个璀璨的年代，钢琴大师层出不穷，带来了许多优秀作品，也铸就了一世的成就。本文对此进行研究，分析这一时期浪漫主义题材，探讨此类作品的特征。
一、19世纪浪漫主义的形成
浪漫主义最早在18世纪末出现，但具体形成时间不确定，目前的观点认为浪漫主义时期为19世纪到20世纪初，在这一时期诞生出很多优秀的作曲家，例如肖邦、德奥、贝多芬等创作出很多优秀的作品。他们是浪漫主义的先驱者，一生创作了大量作品，至今仍有着重要影响，然而艺术风格的形成受多种因素影响，时代环境在其中起到重要作用，从政治到经济，从文化到哲学都必不可少。16世纪文艺复兴打破中世纪的黑暗，实现了人类第二次思想解放，欧洲发生了巨大变化，资产阶级兴起，反封建运动如火如荼，为浪漫主义思潮奠定基础。德国古典哲学和美学在其中发挥重要作用，对浪漫主义音乐产生关键性影响，如德奥的浪漫主义交响曲。歌德和希勒也为之做出巨大贡献，他们的诗歌创作和审美追求被后人所继承，在浪漫主义音乐中体现出来，如贝多芬的交响曲。资产阶级革命打破了封建统治的外壳，市民的地位日益增高，他们的需求开始受到重视，世俗化和个性表现成为必然的趋势，如浪漫主义喜歌剧。资产阶级怀揣理想，在与封建主的斗争中获取胜利，启蒙运动随之兴起，但现实并非如其所愿，二者之间形成了巨大落差，对许多作曲家产生影响，幻想成为了钢琴曲创作的主调，如舒伯特。民族独立运动和反压迫运动影响着音乐界，许多钢琴作品开始反映民族意识觉醒，如各国的民族乐派。时代不断变化，环境中各种因素影响着音乐创作，人们的要求日益增多，希望钢琴作品能够表现新的内容，钢琴作曲家的创作必然会与之相契合，不再受传统钢琴音乐创作的束缚，而是在新的道路中探索。
二、19世紀浪漫主义钢琴曲音乐的特点
在19世纪西方钢琴作曲受到浪漫主义的影响，其钢琴作品主要呈现出一下几个特点，首先是移情性，这是一种借物抒情的一种方式，其次是标题性，钢琴作品最为重要的就是其标题，因为标题相当于钢琴曲目的精华所在，在标题上就呈现出浪漫主义的色彩，再次是演奏场所的改变，从以往的严肃的演奏场所逐渐转化成为休闲性演奏，例如沙龙，增强了演奏的娱乐性，再次钢琴作品中呈现出幻想性，这也是受到浪漫主义思想的影响，让在演绎过程中，呈现出英雄主义形象，给予听众未来的希望，最后是哲理性，在钢琴演奏中出带领听众思考人生。
1.移情性
“移情” 是一种情感投射的方式，通过钢琴演奏出其他事物来反映主题情感。钢琴艺术作品中都有隐含一定情感，创作者并未将其直接表达出来，而是投射在不具有思维和情感的事物之上，通过钢琴的演奏，让特别的审美关照显现出来，其中不乏艺术家的创造，赋予这些事物以情感内涵。19世纪西方钢琴作品有着自己的特征，描写自然风光是常见的手法，如像孟德尔颂钢琴演奏的交响曲，就充分应用了移情的方式。自然事物本身不具有情感，艺术家通过创造将情感移植于其上，使其蕴含丰富的感情，这种感情并非自然事物所拥有，而是体现出人的情感，是通过移情方式获得的结果。古典主义则强调自律美学，仅仅把音乐当成流动的形式，不会将其附着于外物之上。浪漫主义音乐则与之不同，对于外界事物的描述是常用的手法，他们将思想情感附着于这些事物之上，此时的音乐不仅仅是一个形式，而是人感情生活的体现，一概古典主义的常态，从而让其给人一种豁然开朗的感觉。
2.标题性
标题性也是浪漫主义钢琴音乐的特征。通过钢琴演奏出标题音乐带动人的情感，促使其关注音乐外的世界。在这里往往会加入标题或相关文字解说，让人们对音乐作品有深入地了解，明确其中所包含的思想内涵，从而形成更多的知识情感体验。在19世纪西方钢琴作品中标题音乐具有特殊的功能，可以利用钢琴演奏这一形式表现思想，也可以以此来明确事件。以柏辽兹的《幻想交响曲》为例，会将文字说明放在每一乐章之前，使人们对其有初步了解，如此才能更好地理解作品。李斯特交响诗也采用了这种方式。标题音乐与传统音乐有所不同，打破了契约音乐的局限，使其表现领域大幅度扩张，不再仅局限于听觉享受，而是能够更明确作曲家的表现意图。如肖邦的钢琴练习曲作品to第12号就采用了上述方式，让人们对作品有更深入地理解，后人冠以“革命” 就充分说明了这一点。文字说明可以提高人们的理解度，更好的欣赏和演奏这部作品。 3.沙龙性
“沙龙”源于“Salotto"，原属于意大利语，后译于法语“Salon"，指美术品装点得屋室，在法语时发生的变化。当时的法国是世界艺术之都，上层人物注重艺术交流，他们有着豪华的会客客厅，经常举办各种聚会，参与者皆为社会名流，在这里进行娱乐，被称之为“Salon"，是贵妇们接待艺术家并消遣的地方。沙龙中经常会有音乐表演，大多以典雅华丽的作品为主，在18世纪西方钢琴作品的演奏都是比较严肃的，然而19世纪西方钢琴演奏一改古典时期的深沉凝重，而是富有很强的娱乐性。柏辽兹、肖邦等者是沙龙中的常客，在此处聚会活动，开展艺术交流，进而互相熟识。
4.幻想性
资产阶级革命是向封建统治者宣战，启蒙运动随之兴起，人们参与其中，认为终于可以打破束缚，过上自己理想的生活，但现实却给他们沉重的一击，革命后的社会变得更加丑恶，这一切在音乐家的钢琴作品中体现出来。如贝多芬的音乐，此时不再充满着英雄主义，原来的理想已经破灭，钢琴作品中充满着失望，彰显出沉闷的气息。现实的不堪促使他们逃避，开始在幻想的世界中寻求自我，使得作品呈现出另一种风格，舒伯特是其中的代表，他的《魔王》成为了时代的代表作。当个人理想遭遇滑铁卢，相反势力不断阻挠期实现，必然会给作曲家以打击，他们会将心中的不满以音乐的形式展现出来，形成戏剧性的画面，如柏辽兹的交响曲。浪漫主义是思想解放的产物，主张情感的表达和个性的张扬，相对于以往创作完全不同，音乐家骨子里有着叛逆性，他们对现实不满，将破碎的理想寄托在幻想当中，在自己营造的音乐世界中生活，不愿意与世俗同流合污。
4.哲理性
浪漫主义音乐是音乐史发展到一定阶段的产物，同时也受着多种因素影响，在浪漫主义文学和哲学的基础上形成，因此许多钢琴音乐家精通哲学，如李斯特等。正因如此，使得这一时期的许多作品富含人生哲理，如李斯特的《前奏曲》就是这样一部作品，其中不乏对生死的反思。瓦格纳的《漂泊的荷兰人》也具有上述特征。纵观这一时期的钢琴作品，许多也表现出哲学的内容，如贝多芬的奏鸣曲有着深邃的哲理性。肖邦的作品中不乏对人生的思考和对祖国命运的担忧。
三、19世纪西方钢琴曲演奏分析
1.双手快速交替进行的八度
在19世纪，在西方钢琴曲演奏过程中，最具体代表性的是双手快速交替进行的八度。在演奏时，需要在弹奏时速度较快，力度很强，因而首先要有正确的弹奏姿势，保持手形，使其处于牢固状态，维持指尖和关节的力量，弹奏时必须坚持有力。在钢琴演奏时，弯曲度适合，过度有可能导致手指肌肉紧张，以保持微伸展的状态为宜，此时弹奏八度较为适合。在钢琴演奏时，手腕处于放松状态，保持在自然位置，手指略张，弹奏时要充分利用第3指。对于5个手指来说，重要性是相同的，但三指位于中央，长度要超过其他手指，因此担任着支撑和平衡手掌的作用，弹奏时首先要将力量集中于此，不可过高撑起掌指关节，而是自然的调整动作，从手腕到指尖处于适宜状态。在钢琴演奏时，注意手腕的稳定性，不可随意晃动，否则力量传递将会受到影响，导致弹奏音色散漫，处于不集中状态。弹奏强有力八度时手腕要保持牢固，手掌到手腕再到小臂维持成一线，弹奏中首先肩部发力，将力量传输出去，经历中间的各个部分到达指尖，这样才能形成扎实宽厚的音色，产生集中有力的效果。如李斯特的《塔兰泰拉》第445小节和第468一474小节，就采用了这种弹奏方式，故而被称作 “李斯特八度”， 作曲家偏爱这种弹奏，将其广泛应用在作品创作当中。第445小节中，首先采用左手单音与右手和弦交替的织体形式进行弹奏，由高向低倾泄而来，然后再以双手交替八度由低向高攀爬而上，使得整个越剧音色饱满，充满雄壮之感，形成热闹的音乐氛围，弹奏一气呵成，如狂风席卷奔涌而来，充满着丰富的情感，奔向下一个高潮。
2.运用钢琴上的每个音区
19世纪西方钢琴演奏时，合理运用钢琴上的每个音曲。19世纪浪漫主义作品的兴起使我们对钢琴所有音区有了理性认识，即每个音区都有其优越性，无轻重好坏之别，只有合理运用就能够创作出美好的音乐效果。于是许多音乐家开始进行了大胆尝试，将以往难以驾驭的低音区运用在创作当中，如《塔兰泰拉舞曲》就是从低音区开始，两只手的乐谱均以低音谱号写作，非但没有产生刺耳突兀之感，反倒给人以无限想象，与“塔兰泰拉”的传说相契合。在音乐中受众们仿佛身临其境，看到了一个个被毒蜘蛛咬伤的人，他们缓缓的从四方而来，不断汇聚，形成了富有诡异色彩的景象，给人以神秘之感。这是一种大胆的尝试，使得乐曲的趣味性随之增加，通过生动的描写促使其深刻的表现出来。
3.演奏风格的把握
在19世纪西方作品基本都是浪漫主义作品，在演奏时，必须做好前期准备，首先要了解音樂风格，深刻理解作品，寻找有效的阐释方法，具体落实在每段思路当中，这样才能对乐器的结构有充分的认识。如何寻找到更具实践性的操作方式是本章的主题，笔者引入演奏风格和创作手法进行分析。
浪漫主义的钢琴作品主张回归本质，它们不强调炫技或浮华，而是处处体现出质朴。浪漫主义作家在创作中更注重简单纯粹的音乐内涵。在钢琴演奏上也主张即兴自然，精巧细致，打动人心，同时又极具温柔，诚恳不夸张，内在而不炫耀，仿佛可以与听者进行心灵沟通，展现各自的真实情感世界。许多演奏家也弹奏过浪漫主义作品，他们来自不同地方，属于不同民族，因此对作品的理解药有所不同，有些人注重声音层次划分，利用指尖的微妙变化达到目的;有的则更关注于肢体布局和旋律演绎。演奏家们将自己的理解融入到作品表现当中，体现出对质朴和自然的追求。这些可为我们提供参考，当弹奏时不应一味模仿，而是要融入自己的理解，结合自身音乐素养，才能够将其很好地展示出来，弹奏出属于自己的最本真音乐。
4.把握钢琴旋律
在19世纪，西方钢琴在演奏中，需要对于钢琴的旋律有着正确的把握，在许多浪漫主义钢琴作品的创作者充分利用了钢琴音乐形态，使曲调如人声歌唱。如莫扎特的作品就是如此，其中不乏古典时期欢快明朗的基调。贝多芬和李斯特也采用了这一手法，促使钢琴演奏进一步发展起来，模仿管弦乐队的气势，形成独特风格。而有些作品则以旋律见长，给人以轻盈抚摸之感，或者融入了民族舞曲的特征，利用踏板形成独特的风格，使受众能够身临其境，被牵引着来到浪漫多情的世界当中，徜徉在一个个音符之内。 人们喜爱浪漫主义作品，认为只有这样的音乐是最美的，在19世纪钢琴演奏中，需要对于作品表达的感情进行理解，能将内心的感受抒发出来，从中体味到欢乐与忧愁。在19世纪西方钢琴作品旋律富有诗意，彰显贵族气质，融入了灵性创作，能够更好地表达情感，形成细腻的体验，所有一切都融入到旋律当中，无法通过语言去诊释，让其在演奏中需要更好把握演奏的旋律。钢琴是整个作品中的灵魂，加上管弦乐队的协作使其更为突出，演奏中必须要深刻理解作品，秉承作品家的意志，这样才能使其内涵充分展示出来。以肖邦的作品为例，其旋律极富特征，因此演奏时要充分理解，将其融入到歌唱家身份当中，把演奏当成讲故事，实现感性与理性的融合。索洛甫磋夫曾评价过肖邦的作品，认为凡是以从容不迫的流畅级进为主，音程比较容易唱的旋律都具有声乐性;有难唱而复杂的音程，大的级进、急速的华彩或者半音的旋律像器乐性的。由此可见声乐性与器乐性有明显不同，前者的旋律更加抒情，伴奏简单，呈现横向流动;后者则注重技術性，纵向编排更宜。作品中将二者结合起来，形成了独特风格。
结语
在19世纪世界各个领域都发生了很大的变化，尤其是是浪漫主义的思想运动的影响下，从而导致西方钢琴作品呈现出浪漫主义色彩。在19世纪西方钢琴正式进入浪漫主义的时代。由于西方钢琴受到西方浪漫主义的影响，其音乐特点也发生很大的改变，通过对于西方钢琴的音乐特点分析，让我们在演奏中把控其主题，并对于钢琴作品演奏分析，希望为后期研究19世纪西方音乐作品提供一定的参考。
参考文献：
[1]曹鑫.试论20世纪西方钢琴音乐创作与流派[J].当代音乐，2020（2）：90-91.
[2]陈家贝.从文化视角解读钢琴音乐的传播——评《钢琴音乐文化的流变与发展》[J].新闻爱好者，2020（1）：115-116.
[3]商蕤.试析20世纪西方钢琴音乐的特征及其演变[J].北方音乐，2019，39（20）：1-2.
[4]周晓珑.中国现代钢琴音乐作品创作技法探究[J].北方音乐，2019，39（19）：252+256.
[5]戚鸣.中国民族民间音乐在高校钢琴教学中的应用[J].当代音乐，2019（9）：67-68.
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