论文部分内容阅读
距离《浩瀚史》展览开幕还有两天，艺术家尹朝阳站在龙美术馆的展厅里，第一次看到了几幅巨幅水墨作品上墙之后的状态。在工作室里创作时，他大概预估了70%-80%的效果，但最终的成品比他想象中还要更好一些。尹朝阳涉足水墨画这个领域已经很多年，但这是他第一次决定在一个展览里密集地呈现多幅水墨作品：这一方面是因为这次的展厅面积较大，另一方面则是因为在不断的尝试和摸索中，艺术家本人终于在水墨这个材质上达到了自己理想的效果。
同样是依托于龙美术馆开阔的空间，尹朝阳这次展出了数件长度跨越7米的巨幅作品，其中最引人注目的就是本次展览的同名作品《浩瀚史-极昼》。不断突破边界、寻求变化一直是尹朝阳艺术创作的核心，十年前，他告别了自己赖以成名的“人物”系列作品，投身于嵩山之间，与山水为伴。在被自然滋养的十年里，尹朝阳始终保持了一种舒适的、鲜活的状态，并创作了一系列以山石风景为主题的作品，风格从具象渐渐走向抽象。这幅完成于2020年的《浩瀚史-极昼》则是尹朝阳在创作主题上的另一大突破，他尝试将人物群像与奇幻风景在一幅作品中并置，突破了单一题材的限制，“对一个艺术家来说，题材本身就是一个很重要的课题。你找到了自己的主题，你对它的持续扩张和挖掘能力，也是一个重要课题。你画的东西不一样，就需要找到不同的、合适的手法”。
在这幅准备时间长达两年的作品中，我们能看到画中人物与新生的宇宙共处同一空间之中，色彩斑斓的漩涡带来奇幻的动感，似乎要将观看者也卷入画中。在尹朝阳的理解里，不管是《浩瀚史-极昼》还是此次展览中别的作品，都投射了这五年自己创作时的状态和世界关系的变化：时而紧张，时而松弛——“不过我希望自己可以逐渐变得松弛一些”。
明代著名书画家董其昌曾经提出“字须熟后生”，在尹朝阳看来，绘画的核心同样在于“熟后生”。因此，在多年的创作中，他一直不断尝试新的材质、新的手法、新的创作主题，避免自己待在一个稳定的舒适区内。“人不可能是一成不变的，你的感受在变化，你对这个世界的看法在发生变化。这种变化最终决定了你的手法一定会发生变化，我就处在这种变化过程之中。”
值得一提的是，除了具有力量感的巨幅作品，尹朝阳在这次展览中同样带来了很多不同媒介的小尺幅作品：国画、油画、版画和雕塑。对他来说，这次展览最满意的地方也正是在于无论作品尺寸的大小，他都在其中传递出了自己对于绘画中“精准度”的掌控，“有很多时候，一个作品变大了，就会显得空洞;变小了，又会显得拘谨。（但这次展览）不管是非常小的作品还是非常大的作品，它的局部都是一样的”。
Q：这次展览带来了哪些新的作品？
A：這次带来的作品基本都是2015-2020年之间创作的，跨时间长度最大的几幅作品花了四年，因为我在其中做了很多不同的尝试，最终才决定我要赋予它们什么气质。这次的作品会更开放、更有力量、更精准。《浩瀚史-极昼》这幅作品是我过去几年创作的一个延伸，过去的四五年时间，我都在把群像和风景（在我的作品里）结合起来。到这幅的时候，发生了一些变化，比如在手法上变得更加松弛，更加凝练，但是情绪还是一致的。
Q：“情绪的一致”是指？
A：我的作品不是单纯的风景画，而是要把当时这个阶段里的状态投射到里面去。如果一定要描述的话，我觉得是一个“沉郁”的状态，但我觉得绘画本身可以包容更多。
Q：你在创作这些作品的时候遇到了什么困难？
A：我觉得任何阶段都可以说是有困难、有问题的，对艺术家来说，你就是不断地去解决不同阶段的问题。唯一有难度的是，你要随时调整自己的状态，跟你在那个阶段的感受匹配，包括你在技术上的变化，你不可能是完全一成不变的，那样就没意思了。
Q：这一次在技术上有什么提升或者变化吗？
A：更松弛、更生涩一些。中国绘画里有一个说法是“熟后生”，我觉得对整个绘画都是这样，你要始终避免自己处在一个舒适区里，你要不断有新的作品出现。
Q：你现在会去回看自己初期的作品吗？
A：不多，偶尔会看一看。看的时候一方面觉得很陌生，一方面又觉得很亲切，感觉像看到了一个熟悉的陌生人。“熟悉”在于绘画会非常精准地记录你当时的状态，“陌生”在于它已经是过去时了。
Q：为什么会选择嵩山？
A：这和家乡关系不大，选择嵩山主要是因为方便。那里离我比较近，有很多朋友，不管是地理还是气候，我去工作的时候都会更加熟悉。在自然风貌上，嵩山更加中国，更加深厚。你去了之后就会知道，嵩山非常明朗，不是传统国画里云气弥漫的山。
Q：你在创作中也没有选择传统中式的风格。
A：传统中式的风格也没有坏处，但是这取决于你希望从（绘画）里面得到什么。我希望嵩山转换到画面上的时候是我看到的那个样子，而不要跟着别的作品跑。做艺术你要随时调整自己的状态，不能在一条路上走下去，每一天都应该是新的，艺术家的本能是注视这些变化。
Q：今年还会去山里采风吗？
A：会，但是今年因为疫情，出不去了，所以我只能卧游。中国古人出不去的时候，就在墙上挂一幅画，这就是卧游。