【摘要】：中国山水画是写意性的，画家对自然物像的感受和作画中的性灵抒发是占有很大比重，同时在写生过程中对物像的艺术化处理也是灵活的多样，探索山水画的精神性成为很多画家的追求。
　　【关键词】：意象； 符号；写生
　　在当代山水画中，有一类山水创作大多不以真山真水的形式出现，更倾向似于不似或一种意象的山河， 它淡化了形象的写实性，笔墨趋于自由，不同程度的回归程式化，以程式化的方法画树、画石、画云、画水；在构图上会用云、水来分段，构成一幅虚中有实，实中有虚的空灵的山水境界，山水画在笔墨技法上精简到极致，一幅山水作品中，山的形态变化并不大，就画一块或几块山头，并不像一些写实画家非要画出山水的千沟万壑，在处理山石的质感时，画家并没有去刻意表现客观的山石，而是用一种符号的点、线的排列组合，并切以变化并不大的一种笔调来表现山石，这对传统的吸取也变得十分自然，这样笔墨的力度、韵味就得到了更为充分的发挥。
　　探索山水画的精神性成为很多画家的追求，不少人偏重于山水精神空间的熔铸，如灌注汉唐精神的“西北雄风山水”，强化哲学意蕴的“观化山水”。画家作画画是需要感情的，艺术家因感情受到触动，感动而将自己的感受付诸适当的艺术形式，进一步物化为艺术作品，而读者或欣赏纯粹的艺术家的山水作品时，追求的仅仅是表达内在的本质和精神，欣赏者凭借艺术家物化后的艺术作品，进入虚拟的艺术世界，审美感官受到第二自然的自由召唤，激发独特的审美感受，从而唤起感情的共鸣，进入到一种不同于自然的意象山河之中。
　　有一次和老师聊起画家创作的状态时，老师问我是画家在控制笔，还是笔在控制画家，我当时还是犹豫了一下，心想画家处处控制住笔的话，画面必然不灵动，处处受制于人，变成意识形态可控的画，其格调必然不高；但笔控制画家能成立吗？这显然是一个带有哲学性的问题，但我知道，好的绘画作品绝对不是画家有意识的画出来的，甚至是画家自己都控制不住的，而且没有重复性。画家在创作意象山水时，画家知道自己要创作什么，但是他不会意识到怎样去创作它，创作活动是不受他管束的，结果常常出于他的意想不到。天才并不自觉，它在施展才华的时候并不依赖他固有的想法，随机生发，在实践过程中，往往违背的之前预先想好的方法。这并不是因为他在创作中排除了他的意识，而是在创作过程中创作成果超越了他有意识的构思。古代的先贤在创作艺术作品的时候，优秀的作品往往出于无意，真的不是刻意追求的东西，无意也可以说成不经意之间。这种创作中的不经意、无意也可以理解成对作品的无目的性、没有什么功利心、甚至是无意识。古代画家为了追求这种无意识的境界，而有意的想办法来给自己创造条件，比如唐代张旭酗酒，以写狂草，近现代的画家傅抱石作画必饮酒，画面笔墨酣畅淋漓，大有“山雨欲来”之势。人在醉后神志处在不清醒或半清醒的状态，对于科学的思维是不利的，然而对于艺术思维确是有利的，进入无意识的境界可以排除杂念、引发灵感，创作是的可以达到物我两忘的境界。
　　中国绘画的最高境界就是其写意性，写意是画家高度自我、性灵的一种表现，其艺术作品是带有画家情感的，艺术性也极高。心观”告诉我们的是作为一个山水画家应该如何“观”，即如何观照宇宙自然，如何关照社会人生，如何关照笔墨形式语言。这里蕴含着丰富的哲学内容以及中国文化的深厚底蕴。从哲学的高度，从中国文化大精神出发。创造性的把中国哲学的观照方式运用到自己的山水画艺术实践中。
　　艺术创作是要把自己的个性、心灵与大自然的生命融合在一起、情景交融，心灵与宇宙和谐为一，构成一个客观的生命世界。在学习中，对于中国传统绘画中的符号化问题，而面对客观纷杂的自然景物，画家要用毛笔自然有序的组成一幅画面，客观描绘景物并不符合中国的传统的审美特质。中国人的绘画传统审美并不最求形似，而是画人物要传神，山水画也要和自然风景神似。在这样的审美要求过程中，画家能够找出自然山水的符号作画时加以替代，形成一种绘画的方法。在这一方面，古人做的是非常到位的，就山水画而言，古人根据自然地理、山石形态，创造出来各种山石的表现方法，并且加以整理、命名。如表现土坡的披麻皴、表现山崖的大小斧劈皴，表现山石肌理的豆瓣皴、雨点皴等等。同样，在画树的方法上，根据树种的不同，也总结出了树枝的蟹爪式、鹿角式；画树叶有芥子点、胡椒点、没骨等画法，当然还有更多的楼台画法、水云画法。
　　写生是培养个性化的观照方式，绘画不仅是画的问题，重要的是观察方法的转变，就是要用自己的眼睛去看，不要用别人的眼睛去看，也不要用自己以前的眼睛去看。以活泼、爛漫、向上求新的态度，直面人生、直面大自然，以亦子之心满腔热忱地去拥抱之。贾又福先生说：“以心用眼，动观、静观、时时观、面面观。以全部慧心、睿智，全部感觉器官去观照自身，观照与自身同在的山山水水以及万事万物。
　　写生是为了要弄清楚对象的组织规律。 在写生中要善于提取自然物像的符号，古人的所思所想都值得我们去学习、借鉴，作为一个当代的人，我们面临现在的社会生活和自然景观，已和古人大不同，我们也应当有新的发现。艺术符号应该是精简到极致的一种对物像的高度提炼，要充分抓住物像的自然特征，用简练的笔法把它归纳概括出来，这便是一种艺术形象吧！
　　外师造化，中得心源。在写生过程中，我们会遇到一系列的问题了，临摹、古人的山石法、树法、云水法在自然界全不见了，用古人的绘画方法来描绘自然山水，自己都能感觉到是在泥古不化，感觉到没有自己的个性，但话又说回来，，画家在写生过程在不必刻意去最求所谓的个性，个性是画家的背影，画家自己看不见。临摹的作用是吸取前人的经验，学习前人的观察方法，以及我们欣赏、学习古人作品时，能够感受到画家的艺匠经营，感受到画家在作画过程中那种作画状态。我们现实生活中，面对当下，在写生过程中尽量少用或不用前人的创作符号，避免重复。我们在写生之前一定要多观察自然物像，体察其自然山水的特点，比如树石的特点，房屋的特点，在观察方法上从整体到局部，从局部到整体。画中要有我，风格也是画中之我，风格是慢慢的自然形成的，急不来。
　　在具体作画的时候呢，中国画写生不同于西方绘画的客观描绘，中国画首先是根据画面需求，对自然物像可以大量的裁剪，剔除不必要的景物，保持画面的精简，一目了然。树木、房屋是可以夸张变形的，并非需要客观描绘，树木的树枝在画上可以随意生发，房屋也可以画的歪歪斜斜；同时此山非彼山，眼前的山可以在画中搬来搬去，甚至只画我最感动的局部。这样一来，是不是中国画写生就不严谨了呢，如果这样想就错了，中国画是写意性的，画家对自然物像的感受和作画中的性灵抒发是占有很大比重的，同时在写生过程中对物像的艺术化处理也是灵活的多。再加上中国画的绘画工具如宣纸、墨汁、毛笔等特殊工具，就使得中国画不写实。
　　我在写生的过程中尽量怀着发现新大陆的眼光来观察自然，其写生的意义也就变得带有冒险性和探索性。我们要讲究画面的构成关系，比如对画面的黑白处理；虚实变化、疏密关系、开合关系等，因为在写生中脱离了临摹的范本，这些原则性的问题经常处理不好，这些矛盾问题在我作画的时候长期困扰着我，解决不好，也关系到一幅画成败的关键因素。这些因素不要变成教条，它是一幅作品中美的规律。