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摘要：本文主要论述中国传统艺术与当代艺术的关系，文中述说了继承与发展问题，列举了中国绘画不同历史时期、地域具有代表性的画家及理论家的绘画主张，以及当代艺术的现状及其的发展情况。
关键词：传统；理论；继承
属于中国传统的艺术有很多种类，绘画、服饰、陶瓷、剪纸甚至美食。因为我的专业是绘画国画方向，所以接触的国画艺术比较多，就以国画来论述以上问题，国画最开始叫丹青绘画，中国画这个名称，是近现代因为西方画的传入而命名的，这个名字起得很好，就如同中国功夫似的提起来就会让人联想到它的特点。
中国绘画经历了数千年的历史，在此期间，出现了许多画家，具有代表性的如顾恺之、吴道子、阎立本、顾闳中、倪瓒、石涛等等。他们不仅创作出流传千古的作品，而且他们在艺术理论方面也做出了突出的贡献，推进了中国画的发展。顾恺之的“以形写神”“迁想妙得”理论。“以形写神”对古今中外绘画艺术的精当概括，展现了绘画的本质。“迁想妙得”突出了画家的主观创造性，与今天我们说的“艺术源于生活又高于生活”的意思相同。晋朝谢赫在《古画品录》中提出的“六法论”成为中国绘画审美的中极其重要的标准，一直影响至今。
随着西方绘画的传入，中国画也逐渐从技法和思想上有很大的变化，越来越重视造型、光影、对比关系等。近代很多画家吸收西方的绘画方法，作品明显有中西结合和特点，如代表性画家蒋兆和、徐悲鸿、林风眠等。徐悲鸿主张学习西方的素描，说“素描是一切绘画的基础”，在他的作品中，可以看出他有很强的造型能力。刘海粟主张借鉴西方艺术，而不是写实再现，以抒发心灵为目的的表现主义。改革与固守、继承与创新、传统与现代等等这些问题进入人们议论的范畴。他们的画作吸取了一定的西方技法，但是又不失中国传统文化的底蕴。
当代中国画的绘画形式多种多样，很有代表性的画家有吴冠中、唐勇力、田黎明……从他们的绘画作品中我们可以看出他们在国画上探究新的式样，拥有属于自己的艺术语言。在吴冠中发表了“笔墨等于零”的言论后，很多人认为吴冠中反传统，不要传统，其实是没读他的原文，他说：脱离了具体画面旳孤立笔墨，其价值等于零。提出这样的观点是因为太多的中国画家用固定的技法机械的重复，食古不化。其目的是求创新。他坚持提出的传统要发展的观点，不认为这是否定传统。吴冠中十分强调绘画中的感受，根据不同的感受选出自己的画法。从他的作品中，我们看到他所画的这个城市气氛十足，真真切切的反映了现代都市高楼林立、万家灯火的壮观场面，画面中的楼房是用大量的点线面及墨的浓淡干湿挥就而成，在变化中求统一，十分具有节奏感，将中国传统绘画特点与当代艺术观念完美的结合起来，拥有自己的独创性。
中国画可分为水墨和工笔两大类，工笔画不像水墨画那样可以突发而至，瞬间就可以完成，它需要人冷静的头脑、精确的思考、缜密的经营。不过二者均有写意的特性，古代传统的工笔画就具有很强的写意性，如张萱的《虢国夫人游春图》、周昉的《簪花仕女图》、顾闳中的《韩熙载夜宴图》等。《韩熙载夜宴图》采取了传统的构图方式，打破时间概念，把不同时间中进行的活动组织在同一画面上，人物神态逼真，画面虽然采取散点透视方法，但是又显得合情合理，十分饱满。而当代的工笔绘画，在西方绘画的影响下，注重透视，注重造型，力求画面合情合理，具有很大的局限性。唐勇力结合他自己的创作实践提出了“工笔画的写意性”这个观点，不仅丰富了工笔画的绘画语言，摆脱了工笔画一般意义上的“写实”“严谨”“细腻”等外衣的束缚，写意属性又重新回归到工笔画中，传统意味凸显；而且将中国传统写意画中的写意精神与西方表现主义绘画中的表现因素相结合，主客观相融合。他的作品《敦煌之梦》说明了他所提出的观点，画面运用剥落的手法，使人感觉年代之久远，他并没有在人的造型上可以下功夫，稍稍采取变形的手法，与后面的背景更加巧妙的融为一体，画家将敦煌之梦这种气氛营造的十分充足。这种新鲜的绘画方式，让人眼前一亮。
提起水墨画，让人就会想到酣畅淋漓、一挥而就这些词语，水墨画的用时很短，有很大的灵活性，也需要人灵感的喷发，大家应该知道南宋梁楷的《泼墨仙人图》吧，此画以高度概括的简练手法，如墨泼纸，寥寥几笔，描绘出一个醉醺醺的神仙形象来，此画极为生动，堪称神完气足，达到水墨画的极致。当代学院派的教学让我们在水墨人物画上也深受其影响，造型精准、注重透视及光影关系，画出来的作品其实与素描很相像。田黎明的作品为水墨人物画开创了新境界，将生活作为衍生艺术形象的本源，而不仅仅是传统艺术形式的点缀，正是从时代精神的气息中寻找到了人物的灵魂，并以创新的笔墨形式，赋予一个个人物鲜活的生命。他所探索独创的融墨法、连体法、围墨法，系统地延伸和发展了传统没骨法。
在当代，李小山的“中国画穷途末日论”引起很大的反响，他认为当代画坛名家虽然很多，却找不到“正在我们眼前悄悄地展开的艺术革新运动的领导者，这个时代需要的不是那种仅仅能够继承文化传统的艺术家，而是能够作出划时代贡献的艺术家。要拯救当代中国画，就应创造一个良好宽松的氛围，抛弃严格的技术规范和僵化的审美标准，创造出丰富多彩的艺术形式来。
他的这种具有批判专断性的言论，得到许多人的赞许，不过同样也有反对的声音。不管怎样，它从根本上触及了中国画的前途、命运、出路问题，引起人们的思考，只有出现了问题，才能让人们不断的去寻找解决问题的方法，对推动事物的发展很有帮助，我觉得这篇言论十分有意义。
中国艺术传统与当代艺术的关系中，我认为我们不应该抛弃传统来搞艺术，传统有很多值得我们学习的地方，在继承传统的前提下，创作出自己的艺术方式和语言，当然传统有些地方也具有它的局限性、片面性，所以艺术家要有一双辨别事物的慧眼，就比如说现在很多人对技术是衡量艺术水平高低不可或缺的元素之一这种观点不屑一顾，一涉及到技术技艺这些就表明画家处于画匠的地位，是“文之末流”。这种思想其实是受宋、元、明、清文人画思想的影响。所以对中国艺术传统中的文化，我们需带着思考来学习，取其精华去其粗伪，挖掘其中有用的东西为我所用。当代中国绘画艺术的发展，虽然受到全球化的影响非常大，但它也是在吸收借鉴中探索中国画新的式样，不管怎么变，中国画的本质是不会改变的。优秀的文化艺术作品是建立在深厚的文化传统基础上的，而不是建立在全球共同的标准之上的，同时体现出我们文化的时代特征，以及独特的艺术语言，这才算是真正的好的艺术作品。在今天不同的民族、不同的国家、不同的文化中，艺术的形式与功能都不尽相同，都有自己的特性和意义，正是文化的多元性和艺术形式的多样性才是符合人类社会发展和艺术发展的本质和规律。
【参考文献】
[1]李泽厚《美的历程》沈子丞历代论画名著汇编.文物出版社，1982
[2]贾涛《中国画论论纲》.文化艺术出版社，2005
作者简介：秦芳芳，河南大学13级研究生。
关键词：传统；理论；继承
属于中国传统的艺术有很多种类，绘画、服饰、陶瓷、剪纸甚至美食。因为我的专业是绘画国画方向，所以接触的国画艺术比较多，就以国画来论述以上问题，国画最开始叫丹青绘画，中国画这个名称，是近现代因为西方画的传入而命名的，这个名字起得很好，就如同中国功夫似的提起来就会让人联想到它的特点。
中国绘画经历了数千年的历史，在此期间，出现了许多画家，具有代表性的如顾恺之、吴道子、阎立本、顾闳中、倪瓒、石涛等等。他们不仅创作出流传千古的作品，而且他们在艺术理论方面也做出了突出的贡献，推进了中国画的发展。顾恺之的“以形写神”“迁想妙得”理论。“以形写神”对古今中外绘画艺术的精当概括，展现了绘画的本质。“迁想妙得”突出了画家的主观创造性，与今天我们说的“艺术源于生活又高于生活”的意思相同。晋朝谢赫在《古画品录》中提出的“六法论”成为中国绘画审美的中极其重要的标准，一直影响至今。
随着西方绘画的传入，中国画也逐渐从技法和思想上有很大的变化，越来越重视造型、光影、对比关系等。近代很多画家吸收西方的绘画方法，作品明显有中西结合和特点，如代表性画家蒋兆和、徐悲鸿、林风眠等。徐悲鸿主张学习西方的素描，说“素描是一切绘画的基础”，在他的作品中，可以看出他有很强的造型能力。刘海粟主张借鉴西方艺术，而不是写实再现，以抒发心灵为目的的表现主义。改革与固守、继承与创新、传统与现代等等这些问题进入人们议论的范畴。他们的画作吸取了一定的西方技法，但是又不失中国传统文化的底蕴。
当代中国画的绘画形式多种多样，很有代表性的画家有吴冠中、唐勇力、田黎明……从他们的绘画作品中我们可以看出他们在国画上探究新的式样，拥有属于自己的艺术语言。在吴冠中发表了“笔墨等于零”的言论后，很多人认为吴冠中反传统，不要传统，其实是没读他的原文，他说：脱离了具体画面旳孤立笔墨，其价值等于零。提出这样的观点是因为太多的中国画家用固定的技法机械的重复，食古不化。其目的是求创新。他坚持提出的传统要发展的观点，不认为这是否定传统。吴冠中十分强调绘画中的感受，根据不同的感受选出自己的画法。从他的作品中，我们看到他所画的这个城市气氛十足，真真切切的反映了现代都市高楼林立、万家灯火的壮观场面，画面中的楼房是用大量的点线面及墨的浓淡干湿挥就而成，在变化中求统一，十分具有节奏感，将中国传统绘画特点与当代艺术观念完美的结合起来，拥有自己的独创性。
中国画可分为水墨和工笔两大类，工笔画不像水墨画那样可以突发而至，瞬间就可以完成，它需要人冷静的头脑、精确的思考、缜密的经营。不过二者均有写意的特性，古代传统的工笔画就具有很强的写意性，如张萱的《虢国夫人游春图》、周昉的《簪花仕女图》、顾闳中的《韩熙载夜宴图》等。《韩熙载夜宴图》采取了传统的构图方式，打破时间概念，把不同时间中进行的活动组织在同一画面上，人物神态逼真，画面虽然采取散点透视方法，但是又显得合情合理，十分饱满。而当代的工笔绘画，在西方绘画的影响下，注重透视，注重造型，力求画面合情合理，具有很大的局限性。唐勇力结合他自己的创作实践提出了“工笔画的写意性”这个观点，不仅丰富了工笔画的绘画语言，摆脱了工笔画一般意义上的“写实”“严谨”“细腻”等外衣的束缚，写意属性又重新回归到工笔画中，传统意味凸显；而且将中国传统写意画中的写意精神与西方表现主义绘画中的表现因素相结合，主客观相融合。他的作品《敦煌之梦》说明了他所提出的观点，画面运用剥落的手法，使人感觉年代之久远，他并没有在人的造型上可以下功夫，稍稍采取变形的手法，与后面的背景更加巧妙的融为一体，画家将敦煌之梦这种气氛营造的十分充足。这种新鲜的绘画方式，让人眼前一亮。
提起水墨画，让人就会想到酣畅淋漓、一挥而就这些词语，水墨画的用时很短，有很大的灵活性，也需要人灵感的喷发，大家应该知道南宋梁楷的《泼墨仙人图》吧，此画以高度概括的简练手法，如墨泼纸，寥寥几笔，描绘出一个醉醺醺的神仙形象来，此画极为生动，堪称神完气足，达到水墨画的极致。当代学院派的教学让我们在水墨人物画上也深受其影响，造型精准、注重透视及光影关系，画出来的作品其实与素描很相像。田黎明的作品为水墨人物画开创了新境界，将生活作为衍生艺术形象的本源，而不仅仅是传统艺术形式的点缀，正是从时代精神的气息中寻找到了人物的灵魂，并以创新的笔墨形式，赋予一个个人物鲜活的生命。他所探索独创的融墨法、连体法、围墨法，系统地延伸和发展了传统没骨法。
在当代，李小山的“中国画穷途末日论”引起很大的反响，他认为当代画坛名家虽然很多，却找不到“正在我们眼前悄悄地展开的艺术革新运动的领导者，这个时代需要的不是那种仅仅能够继承文化传统的艺术家，而是能够作出划时代贡献的艺术家。要拯救当代中国画，就应创造一个良好宽松的氛围，抛弃严格的技术规范和僵化的审美标准，创造出丰富多彩的艺术形式来。
他的这种具有批判专断性的言论，得到许多人的赞许，不过同样也有反对的声音。不管怎样，它从根本上触及了中国画的前途、命运、出路问题，引起人们的思考，只有出现了问题，才能让人们不断的去寻找解决问题的方法，对推动事物的发展很有帮助，我觉得这篇言论十分有意义。
中国艺术传统与当代艺术的关系中，我认为我们不应该抛弃传统来搞艺术，传统有很多值得我们学习的地方，在继承传统的前提下，创作出自己的艺术方式和语言，当然传统有些地方也具有它的局限性、片面性，所以艺术家要有一双辨别事物的慧眼，就比如说现在很多人对技术是衡量艺术水平高低不可或缺的元素之一这种观点不屑一顾，一涉及到技术技艺这些就表明画家处于画匠的地位，是“文之末流”。这种思想其实是受宋、元、明、清文人画思想的影响。所以对中国艺术传统中的文化，我们需带着思考来学习，取其精华去其粗伪，挖掘其中有用的东西为我所用。当代中国绘画艺术的发展，虽然受到全球化的影响非常大，但它也是在吸收借鉴中探索中国画新的式样，不管怎么变，中国画的本质是不会改变的。优秀的文化艺术作品是建立在深厚的文化传统基础上的，而不是建立在全球共同的标准之上的，同时体现出我们文化的时代特征，以及独特的艺术语言，这才算是真正的好的艺术作品。在今天不同的民族、不同的国家、不同的文化中，艺术的形式与功能都不尽相同，都有自己的特性和意义，正是文化的多元性和艺术形式的多样性才是符合人类社会发展和艺术发展的本质和规律。
【参考文献】
[1]李泽厚《美的历程》沈子丞历代论画名著汇编.文物出版社，1982
[2]贾涛《中国画论论纲》.文化艺术出版社，2005
作者简介：秦芳芳，河南大学13级研究生。