论文部分内容阅读
纵观20世纪西方画坛，不难发现有三类画家：一类专长具象绘画，一类独擅抽象绘画，还有一类兼攻两者。英国画家威廉·斯科特就属于最后一类。终其一生，他在具象绘画和抽象绘画两方面都有建树，被视为他那一代英国画家中的佼佼者。
西方绘画美术作品画面风格威廉·斯科特（以下简称斯科特）于1913年2月15日出生在苏格兰一个叫做林诺克的小镇上。父亲是位油漆工，并常常教自己的儿子进行标牌绘画和设计。在斯科特11岁的时候，全家搬到了恩尼斯格林，并且通过父亲的努力争取，斯科特开始跟着一位在他的学校教授绘画的年轻女老师学习绘画。这位名叫凯瑟琳·布莱德尔的年轻艺术家有着很高的学历，接受过很好的美术教育，在斯科特看来：“我的人生是从认识凯瑟琳小姐开始的。”
1931年，斯科特自己选择了进入伦敦皇家学院学习，在校期间与雕塑家玛丽的相识相恋。1937年斯科特与玛丽结婚，这段时间斯科特的绘画风格也逐渐有了一定的风格走向，绘画主题是以玛丽为主，大多为玛丽的人体，相比较之前的作品，这些作品画面更加整体，色调更加稳重，人物造型更加有了几何偏向，对对象的塑造块面感更加强烈。从这些作品中可以看到斯科特已经找到了自己的观察方法，并且用日渐熟练的手法把这种看待物体的方式表现到画面上。不久战争的爆发也使斯科特的艺术之路有了变化，本想搬到巴斯（英国城市）远离战争和世俗、专心于创作的斯科特在1942年不得不服役参加到了英国皇家工程队，自己的艺术之路也有了一段和战争有关的色彩。在军队中斯科特创作了大量的水彩画和部分油画，以风景为主，也有部分以战争中的人们为主题的小幅创作。这批作品中，水彩画更吸引人的眼球，这些纸上作品带着一股斯科特之前的作品中没有出现过的浪漫色彩，构图造型都很有张力，色彩大多比较灰暗，或许跟其当时身处战争之中有关。时而也有两张人物主题的创作，表现的也大多是因战争分离的家庭或者爱人。可以明显感受到，斯科特在战争中有着复杂和强烈的情绪，内心的挣扎和冲动都毫无保留地体现在画面上。
1945年战争结束，斯科特退役回到了乡村生活，在1945～1946年之间，斯科特观看了许多展览，尤其是关于毕加索和马蒂斯的展览，给他留下了很深的印象。当时的毕加索已经有了卓越的成就，是整个艺术界和评论界最瞩目的画家之一，他独树一帜的风格和作品传达出的另类精神带给了斯科特和其他欧洲画家很大的震撼。从毕加索和马蒂斯的作品中，斯科特更广泛地接触到了平面和几何这两个元素以及它们如何恰当地融入绘画，带来一种耳目一新的画面感，加上立体主义在国际上的广受关注，斯科特的个人风格在这样的背景下走向成熟。
1946年斯科特参加了一个四人联展，并认识了埃尔顿。受到好友埃尔顿的鼓励，也为了更好地创作，斯科特搬到了巴黎。在巴黎，斯科特更多地接触了不同的当代艺术。在1946年后半段，斯科特做出了一个重要的选择，他开始将绘画的主题转移到静物画上。这个选择在如今看来无疑是斯科特取得后来的成功的关键。对于斯科特来说，人物肖像画在他的艺术生涯中始终有着重要的地位。通过对人物肖像的探索，他确立了自己的艺术形式方向，建立了自己朴素的画面风格，这使他很快就与同时代的英国画家却分开来。但在静物画中，斯科特的画面彻底显示出了平面和几何的画面构成，他将所有的物体的投影和暗面概括成一块没有颜色变化的图形，削减了画中物体传统意义上的体积感，物体的不同部分以整体的一块块颜色区分，并且都以平涂的方式完成。以这样的形式，斯科特创作了一批以厨房为主题的静物作品，并且在各大展览以及英国的艺术评论界获得了一致的好评。
在斯科特看来，他真正的成功来自于他在汉诺斯画廊的第一次个展。通过这次个展，美国评论界在根本上认可了斯科特的作品。在整个20世纪50年代中期，斯科特逐步地把自己的作品推向整个世界。评论界的支持、画廊的需要以及美国经纪人的推广，斯科特很快走向了国际，并且结识了世界各地优秀的艺术家。其中，斯科特最感兴趣的要数迪比克和西班牙的塔皮艾斯。
1955年前后，斯科特接触到了古老的壁画，如在拉斯科洞和阿尔塔米拉洞中的数千年前的壁画。这些绘制在墙上的原始作品有着粗犷的造型张力，以橘色、黑褐色、白色为主的颜色有着极强的视觉冲击力，在一定程度上影响了斯科特在20世纪50年代很多作品的色彩构成。
在整个20世纪50年代中，斯科特受到塔皮艾斯等人作品的影响和鼓励以及来自原始绘画的的引导，他的作品也有了更加明确的走向。1950年开始，斯科特开始创作大幅的静物画。在这批大幅作品中我们可以看到非常明显的直线型的几何学，运用了丰富的笔法去徒手绘制一些多样的几何图形，这些几何图形的边缘线也大多处理成多次修改的样子。比如桌子大多表现成一大块或几大块纯色的长方形的桌面和同样色系的细长的长方形桌腿组成，用对比强烈或者同色系的背景衬托，边缘线并不追求精确，更强调一种绘画性的感觉。
1958年的夏天英国委员会邀请了三位画家参加了第二十九届威尼斯双年展，其中一位画家就是威廉·斯科特。对于斯科特来说，威尼斯双年展是其职业生涯中的最高峰，斯科特和玛丽通过这样的一个机会充分享受到了威尼斯这座富饶的城市所带给他们艺术上的惊艳与欢乐，并且，以威尼斯双年展为坐标，斯科特正式被列为国际当代艺术家协会中的一员。
整个20世纪60年代是斯科特作品最无拘束表现的一个时期，他用他从20世纪30年代末之后的艺术之路证明，成为一个真实独立的艺术家并不需要特定的与法国、美国有关艺术身份，斯科特也没有在独立性上有过人的优点，但是他的作品在当时带来的新鲜感在今天看确实是难得的。
20世纪60年代开始，斯科特的作品更加随性自由、更加抽象。矩形成为了他画面中的主角。这些矩形的色彩和形式都很多样，并且呈现出的排列方式有着一种意外的松动，不再如之前的作品中图形的排列有着秩序感。它们看起来像是斯科特按照一种完美的启迪方式建造起来的。1972年之后，斯科特的创作迎来又一个不一样的面貌，新的形式与旧的形式产生了碰撞。梨子、葡萄、鸡蛋、餐巾纸、小鱼这些是出现在斯科特具有典型性的静物。在其中后期的作品中，这些静物消失过一段时间。1973年开始，这些静物又重新出现在斯科特的画布上。这些静物作品看起来很像儿童的简笔画，简单的轮廓线勾勒出物体的形状，填上简单的颜色，一幅画的制作形式大概就是这样。他巧妙地布置颜色，没有任何炫耀神秘的技法，只是温柔地呈现物体，用最简单的手法直观地告诉别人自己对物体的感受，甚至把每幅画的颜色精简到大概三四种，这是斯科特晚年作品中最让人感动的。斯科特在晚年的艺术生涯中以减法为自己作画时最主要的追求，表达了一个内心平静的老人对自己艺术观念最高境界的肯定，一种朴素、纯粹、简单的艺术情绪。
斯科特于1989年12月28日在科尔福德逝世，享年76岁。英国著名批评家约翰斯柏林在纪念斯科特的文章中这样写道：“如果要选一位20世纪英国代表性艺术家，那大概就是斯科特了。他的作品既能带来感官上的享受，又有着特有的朴素精神，充满了智慧与实用主义，独立性以及对待传统和时代革新的谨慎以及敏锐。”
参考文献：
[1]威廉·斯科特[M].
[2][英]贡布里希 著.范景中 译.艺术的故事[M].天津人民美术出版社，1988.
西方绘画美术作品画面风格威廉·斯科特（以下简称斯科特）于1913年2月15日出生在苏格兰一个叫做林诺克的小镇上。父亲是位油漆工，并常常教自己的儿子进行标牌绘画和设计。在斯科特11岁的时候，全家搬到了恩尼斯格林，并且通过父亲的努力争取，斯科特开始跟着一位在他的学校教授绘画的年轻女老师学习绘画。这位名叫凯瑟琳·布莱德尔的年轻艺术家有着很高的学历，接受过很好的美术教育，在斯科特看来：“我的人生是从认识凯瑟琳小姐开始的。”
1931年，斯科特自己选择了进入伦敦皇家学院学习，在校期间与雕塑家玛丽的相识相恋。1937年斯科特与玛丽结婚，这段时间斯科特的绘画风格也逐渐有了一定的风格走向，绘画主题是以玛丽为主，大多为玛丽的人体，相比较之前的作品，这些作品画面更加整体，色调更加稳重，人物造型更加有了几何偏向，对对象的塑造块面感更加强烈。从这些作品中可以看到斯科特已经找到了自己的观察方法，并且用日渐熟练的手法把这种看待物体的方式表现到画面上。不久战争的爆发也使斯科特的艺术之路有了变化，本想搬到巴斯（英国城市）远离战争和世俗、专心于创作的斯科特在1942年不得不服役参加到了英国皇家工程队，自己的艺术之路也有了一段和战争有关的色彩。在军队中斯科特创作了大量的水彩画和部分油画，以风景为主，也有部分以战争中的人们为主题的小幅创作。这批作品中，水彩画更吸引人的眼球，这些纸上作品带着一股斯科特之前的作品中没有出现过的浪漫色彩，构图造型都很有张力，色彩大多比较灰暗，或许跟其当时身处战争之中有关。时而也有两张人物主题的创作，表现的也大多是因战争分离的家庭或者爱人。可以明显感受到，斯科特在战争中有着复杂和强烈的情绪，内心的挣扎和冲动都毫无保留地体现在画面上。
1945年战争结束，斯科特退役回到了乡村生活，在1945～1946年之间，斯科特观看了许多展览，尤其是关于毕加索和马蒂斯的展览，给他留下了很深的印象。当时的毕加索已经有了卓越的成就，是整个艺术界和评论界最瞩目的画家之一，他独树一帜的风格和作品传达出的另类精神带给了斯科特和其他欧洲画家很大的震撼。从毕加索和马蒂斯的作品中，斯科特更广泛地接触到了平面和几何这两个元素以及它们如何恰当地融入绘画，带来一种耳目一新的画面感，加上立体主义在国际上的广受关注，斯科特的个人风格在这样的背景下走向成熟。
1946年斯科特参加了一个四人联展，并认识了埃尔顿。受到好友埃尔顿的鼓励，也为了更好地创作，斯科特搬到了巴黎。在巴黎，斯科特更多地接触了不同的当代艺术。在1946年后半段，斯科特做出了一个重要的选择，他开始将绘画的主题转移到静物画上。这个选择在如今看来无疑是斯科特取得后来的成功的关键。对于斯科特来说，人物肖像画在他的艺术生涯中始终有着重要的地位。通过对人物肖像的探索，他确立了自己的艺术形式方向，建立了自己朴素的画面风格，这使他很快就与同时代的英国画家却分开来。但在静物画中，斯科特的画面彻底显示出了平面和几何的画面构成，他将所有的物体的投影和暗面概括成一块没有颜色变化的图形，削减了画中物体传统意义上的体积感，物体的不同部分以整体的一块块颜色区分，并且都以平涂的方式完成。以这样的形式，斯科特创作了一批以厨房为主题的静物作品，并且在各大展览以及英国的艺术评论界获得了一致的好评。
在斯科特看来，他真正的成功来自于他在汉诺斯画廊的第一次个展。通过这次个展，美国评论界在根本上认可了斯科特的作品。在整个20世纪50年代中期，斯科特逐步地把自己的作品推向整个世界。评论界的支持、画廊的需要以及美国经纪人的推广，斯科特很快走向了国际，并且结识了世界各地优秀的艺术家。其中，斯科特最感兴趣的要数迪比克和西班牙的塔皮艾斯。
1955年前后，斯科特接触到了古老的壁画，如在拉斯科洞和阿尔塔米拉洞中的数千年前的壁画。这些绘制在墙上的原始作品有着粗犷的造型张力，以橘色、黑褐色、白色为主的颜色有着极强的视觉冲击力，在一定程度上影响了斯科特在20世纪50年代很多作品的色彩构成。
在整个20世纪50年代中，斯科特受到塔皮艾斯等人作品的影响和鼓励以及来自原始绘画的的引导，他的作品也有了更加明确的走向。1950年开始，斯科特开始创作大幅的静物画。在这批大幅作品中我们可以看到非常明显的直线型的几何学，运用了丰富的笔法去徒手绘制一些多样的几何图形，这些几何图形的边缘线也大多处理成多次修改的样子。比如桌子大多表现成一大块或几大块纯色的长方形的桌面和同样色系的细长的长方形桌腿组成，用对比强烈或者同色系的背景衬托，边缘线并不追求精确，更强调一种绘画性的感觉。
1958年的夏天英国委员会邀请了三位画家参加了第二十九届威尼斯双年展，其中一位画家就是威廉·斯科特。对于斯科特来说，威尼斯双年展是其职业生涯中的最高峰，斯科特和玛丽通过这样的一个机会充分享受到了威尼斯这座富饶的城市所带给他们艺术上的惊艳与欢乐，并且，以威尼斯双年展为坐标，斯科特正式被列为国际当代艺术家协会中的一员。
整个20世纪60年代是斯科特作品最无拘束表现的一个时期，他用他从20世纪30年代末之后的艺术之路证明，成为一个真实独立的艺术家并不需要特定的与法国、美国有关艺术身份，斯科特也没有在独立性上有过人的优点，但是他的作品在当时带来的新鲜感在今天看确实是难得的。
20世纪60年代开始，斯科特的作品更加随性自由、更加抽象。矩形成为了他画面中的主角。这些矩形的色彩和形式都很多样，并且呈现出的排列方式有着一种意外的松动，不再如之前的作品中图形的排列有着秩序感。它们看起来像是斯科特按照一种完美的启迪方式建造起来的。1972年之后，斯科特的创作迎来又一个不一样的面貌，新的形式与旧的形式产生了碰撞。梨子、葡萄、鸡蛋、餐巾纸、小鱼这些是出现在斯科特具有典型性的静物。在其中后期的作品中，这些静物消失过一段时间。1973年开始，这些静物又重新出现在斯科特的画布上。这些静物作品看起来很像儿童的简笔画，简单的轮廓线勾勒出物体的形状，填上简单的颜色，一幅画的制作形式大概就是这样。他巧妙地布置颜色，没有任何炫耀神秘的技法，只是温柔地呈现物体，用最简单的手法直观地告诉别人自己对物体的感受，甚至把每幅画的颜色精简到大概三四种，这是斯科特晚年作品中最让人感动的。斯科特在晚年的艺术生涯中以减法为自己作画时最主要的追求，表达了一个内心平静的老人对自己艺术观念最高境界的肯定，一种朴素、纯粹、简单的艺术情绪。
斯科特于1989年12月28日在科尔福德逝世，享年76岁。英国著名批评家约翰斯柏林在纪念斯科特的文章中这样写道：“如果要选一位20世纪英国代表性艺术家，那大概就是斯科特了。他的作品既能带来感官上的享受，又有着特有的朴素精神，充满了智慧与实用主义，独立性以及对待传统和时代革新的谨慎以及敏锐。”
参考文献：
[1]威廉·斯科特[M].
[2][英]贡布里希 著.范景中 译.艺术的故事[M].天津人民美术出版社，1988.