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摘要 素描是造型艺术的基础，而素描草图则是素描的基础，它不但能够体现出素描本质的特征，同时凝聚了艺术家独特的思考与精神。尽管绘画创作发展到今天，各种新的形式层出不穷，但是素描草图的基础作用却没有改变，而且还呈现出了独立的艺术审美价值。本文从素描草图的含义谈起，就其在绘画创作中所体现出来的艺术价值进行初步分析。
关键词：素描草图 艺术价值 具体分析
中图分类号：J204 文献标识码：A
一 素描草图的含义
在西方，直至中世纪以前，素描基本上是以草图的形式出现，从属于壁画中。所以现存着大量中世纪时期的素描草图。而伴随着美术的发展，绘画形式逐渐朝着多元化方向发展，出现了油画、版画、水彩画等多种形式。一方面，素描草图仍然是这些绘画形式的基础；另一方面，素描草图也有了独立的艺术价值，也成为了绘画形式中的一种。所以素描草图可以定位为，在素描或其它形式的绘画创作之前，所做的草稿。即创作者有了创作构思，及时用素描的形式记录下来，并且对线、面、形和体以及结构等素描要素做出基本的规划，为之后的深入创作而进行的准备。
二 素描草图在绘画创作中的艺术价值
1 闪耀理性的光芒
文艺复兴运动，之所以在美术史乃至人类文化中占有着重要的地位，一个突出的原因就是在文艺复兴运动的引领下，人们逐渐从“神”的桎梏中摆脱出来，开始以一种理性和客观的态度来观察和认识世界。以列奥纳多·达·芬奇为首的艺术家们，认为理性和细致的观察是绘画创作的基础，而这种观察的记录形式就是素描草图。素描草图不但能够记录下绘画者所思所感，同时也为他们提供了一个理想思考的机会。每一件作品诞生之前，完成一幅和多幅素描草图，已经成为了一个必备的过程，也正是在这种理性和严谨的态度之下，写实性绘画得到了最初的发展，并且逐渐发展成为主流的绘画样式。通过素描草图，让绘画者能够尽可能的对创作中所出现的问题进行预想和处理，同时将最原始和最纯粹的情感倾注其中，大大提高了创作的质量和成功的可能性。
作为领军人物的达·芬奇，就对素描草图有着充分的重视，他认为绘画是一门科学，而素描草图则是一种演算。在他的绘画、建筑和雕刻创作中，上至整体的构图，下至人物的手指，都进行了大量的素描习作，现存的素描草图数量有四千多张，足见他对素描草图地重视。在素描草图的创作中，他能够以一种理性的态度对创作进行分析，成功的将透视学分为三个分支，大大推进了之后油画的空间表现。此外他还解剖过多具人体，并以草图的形式将人体、肌肉和骨骼构造记录下来，为后来的绘画者提供了丰富和准确的理论参考。文艺复兴中的德国领军人物阿尔布雷特·丢勒，不仅仅是一名大画家，同时还是一名建筑学家和数学家，所以他也主张用一种理性的态度来绘画，同样注重在素描草图中进行思考。他笔下动植物素描的精准程度，完全可以和达·芬奇相媲美，画面中的一切要素都是清晰合理的，没有丝毫的混乱和模糊之感，体现出了一种理性和艺术直觉的完美结合。同时还将这些在素描习作中的所思所感记录下来，例如，《绘画概论》、《人体解剖原理》等，为美术理论的发展做出了突出的贡献。可以看出，从达·芬奇提出“绘画应该像一面镜子一样反应自然”开始，对于客观对象理性的观察和思考，就成为了当时欧洲和全世界普遍的艺术追求和审美标准，这种追求和标准之下，通过大量的素描草图，记录下当时的所见所感，并且进行认真的分析，成为了绘画之前一项重要的工作，素描草图不但闪耀着理性的光芒，同时也奠定了素描在美术创作中的基础性定位。
2 凝结生命的意识
生命意识是每一个现存个体对自己或其它生命体的自觉认识，主要包含生存意识、安全认识和死亡意识等。绘画者在对客观对象进行观察和感悟之后，会自然的收获一种审美体验，或激动、或悲伤、或怜悯、或悲愤。这就是生命意识的雏形和具体的体现。而素描草图则在这个过程中充当了记录员的角色，画面中那些线条看似十分凌乱的，其实都是绘画者生命意识的凝结，也是绘画者和客观事物发生情感交流的主要途径，然后用一种合适的手段在作品中表现出来，这种观察和体验的越充分生命意识就越强，作品的思想价值就越高。
米开朗基罗·迪·洛多维科创作的壁画中，他对每一个人物形象都进行推敲、反复的涂抹和修改，最后呈现在我们面前的作品，会发现画面中人物的每一个部位，每一块肌肉都有一种力量于其中，就像是见到了真人一般的真实可信，那被钉在十字架的上痛楚，让我们感同身受。而拉斐尔·桑西创作的圣母像，每一位圣母给人的感觉都是那样的和蔼和亲切，充满了母性的光辉，望着她们就像是春风拂面一般的惬意，而拉斐尔每创作一幅圣母像，都要进行十多次素描草稿的创作。文森特·威廉·梵高的作品充满了情感的张力，他的《星光的灿烂的夜空》，已经不再是一个真实夜空的景象，而是倾注了他全部的生命体验，观众只有用心去看，才能感受到其中蕴含的激情和那种面对迷茫夜空时对生命和命运的思考。爱德华·蒙克以疾病、爱情和死亡作为永恒的表现题材，他的《青春期》和《病中的孩子》两幅素描草图中，线条虽然反复和曲折，但是却始终都围绕在形象的周围，在一种压抑的气氛中感受到了生命的顽强和延续。所以，素描草图凝聚了创作者的生命意识，作品中所体现出来的生命力，来自于素描草图中的酝酿和规划，体现出了绘画者对自然和人类生命力的尊重。
3 记录敏锐的感受
当绘画者对客观对象发生了情感体验，同时产生了一种创作冲动之后，往往是十分迷惑和凌乱的，像是走到了一个迷宫里，隐约知道出口的方向，但是眼前的道路却杂乱和曲折。这就是绘画之前经常产生的一种现场体验感，既有偶然性，又有模糊性。而作为素描草图来说，就是这种现场体验感的最佳助手，绘画者能够及时的将所思所感用素描的形式记录下来，然后在另外一种状态下对这些情感体验素材进行梳理，从而让作品更加贴近自己的思想内涵，体现出一种更加持久的生命力。所以说，素描草图的无疑是一个忠实和全面的记录者，让绘画者能够全面的记下自己获得感动的每一个细节。 米开朗基罗创作的《阿曼的惩罚习作》和《最后的审判》两部作品，画面中的人体是不可能长时间的保持这种夸张和复杂的运动形态的，米开朗基罗就是借助于素描草图，在观察的时候及时记录下来，随后再进行加工和创作，才有了这种形体的最终成型。达·芬奇上街的时候总要带着铅笔和速写本，随意的进行观察，然后快速的画下来，同时在一旁用文字说明当时情形和自己的感受，作为自己今后创作的素材。而埃德加·德加则坦言自己的素描得益于草图的记录和自己良好的记忆能力，他的作品十分善于捕捉运动的形象。例如，《芭蕾舞演员》和《浴女》等，都是在观察后及时的记录下来，事后面对草图，调动起自己的回忆，让作品充满一种现场感。巴勃罗·鲁伊斯·毕加索的《公牛》，素描草图是一个完整的系列，有13幅之多，用一个连续和动态的过程，体现出了作者感受的变化。其最初的构思是一只膘肥体壮的公牛，随后他又创作了第二稿和第三稿，这两稿仅在造型和色彩上发生了变化，还属于再现性的范畴。而伴随着创作者感受的变化，他认为再现性风格已经不再满足自己的表达需要，于是在第四稿中开始了对表现性探索，开始在公牛的内部画出了线条，而在随后的几稿中，线条越来越简练，到定稿的时候，所呈现出来的仅仅是几条细线的勾勒。也就是说，素描草图忠实的记录了创作者艺术感受的变化。所以说，素描草图不仅仅是绘画者所见的客观记录，更凝结了绘画者的情感和智慧。体现出一种敏锐的感受力。
4 承载创新的思维
20世纪后期，绘画艺术发展到了现代主义时期，人们的视野也逐渐从二维发展到了三维，所关注的对象也逐渐从客观世界向主观世界所靠拢，在创作中更加强调个人主观感知和体验的抒发，在这种创作目的影响下，对于艺术风格和艺术语言的革新，也就成为了一种必然的需要。于是各种绘画流派纷纷诞生，新的绘画风格层出不穷，新的绘画手法也屡见不鲜，绘画艺术从此进入了一个全新的时代。而素描草图可谓是这场大变革最重要的见证者，无论是艺术情感的表达还是艺术语言的全新探索，都要在素描手稿这片实验田上进行充分的实验。从客观上说，素描草图为全新绘画时代的来临做出了巨大的推动作用。
首先，是对艺术风格的探索。当绘画者认为当前各种绘画作品所呈现出来的特质，不再能满足自己需要的时候，他们就会主动创造出一种全新的艺术面貌，而素描草图则成为了这种探索的最佳载体。现代艺术中很多开创性的艺术家，都认为自己的探索在很大程度上得益于素描草图的存在。他们借助于素描草图支撑起自己的艺术观念，并且最终帮助他们形成了独一无二艺术风格。保罗·塞尚被誉为是现代主义绘画之父，他的创作追求就是在变动中寻找到一种持久和永恒，所以他的素描手稿数量奇多，每一张都充满了各种反复和修改，例如，《圣维多克山》系列、《皮埃尔的墨丘利肖像》等，每一张草图上的线条和造型都是不同的，作品最后的定型则是这些草图综合作用的结果，即作品是一个确定性和不确定性的集合体。又如，毕加索素以风格多变著称，但是每一种风格都能给人们以强有力的震撼，他的素描草图中经常有随意勾勒的形象和自由的颜色渲染，还有反复地涂抹和修改等，例如，《亚维农少女》和《牛头怪物》等，都是得益于对草图的良好把握。德加在最初的创作中刻意的对古典主义的作品进行模仿，同时借助于素描草图将自己的这种模仿感受记录下来，慢慢的在草图中将对象的表现和草图性的线条完美的结合起来，最终形成了不同于其他印象派画家的油画语言。这些大师们都是借助于素描草图，才实现了多样化的艺术风格。
其次，是对艺术语言的探索。绘画者为了更好地表现出自己的创作思想，就要在传统的绘画语言上进行全新的探索，素描草图又一次成为了试验田，无论是抽象的还是具象的，绘画者们从来都没有停止过在素描草图中对艺术语言的尝试。例如，让·杜布菲，独创了一种儿童般的绘画语言，据他自己所言，这种绘画语言的灵感来自于对素描草图的反复涂抹和修改，看起来像是一个顽皮孩子的作品，随后获得了灵感，继而成为了自己独创的艺术语言。弗兰克·奥尔巴赫的作品中，有着强烈草图特质，他认为草图是自己创作过程的见证，本身就充满艺术性，能够使作品体现出一种完成性，给人以意犹未尽的感觉。安东尼·塔皮埃斯作品强调一种痕迹感，他有感于自己的素描草图中经常会留下一些色彩的痕迹，而这种痕迹是自己自由随心创作的最好见证，同时这种随意地涂抹也会给作品带来一种抽象性的特征，给人们更多的思索。所以说，无论是艺术风格的探索还是艺术语言的探索，都离不开的素描草图的巨大作用。
综上所述，尽管在当代的美术创作中，各种新的风格和主义层出不穷，但是有一点是肯定的，也是经过历史检验的，那就是素描草图永远都是素描和其它绘画形式的基础。历史和当代的艺术家对草图型素描的重视和运用，体现出了他们对素描草图的高度重视，同时给我们的艺术创作提供多样化参考和学习的可能，极大的丰富了素描艺术的内涵。作为绘画者来说，要加强对素描草图的探索和研究，以一种正确的态度来面对，真正认识到它的价值和意义，才能让自己的创作有牢固的根基和永恒的生命力。
参考文献：
[1] 中央美术学院美术史系外国美术史教研室：《外国美术简史》，高等教育出版社，1990年版。
[2] 孙建平、康弘：《大师的手稿——探索大师的心路历程》，河北美术出版，2009年版。
[3] 于艾君：《素描书》，辽宁美术出版社，2005年版。
[4] [美]简·罗伯森、克雷格·迈克丹尼尔：《当代艺术的主题——1980年以后的视觉艺术》，江苏美术出版社，2001年版。
[5] [俄]康定斯基，吴玛俐译：《艺术与艺术家论》，重庆大学出版社，2010年版。
作者简介：杨小锋，男，1976—，四川广安人，本科，讲师，研究方向：美术教育，工作单位：广安职业技术学院。
关键词：素描草图 艺术价值 具体分析
中图分类号：J204 文献标识码：A
一 素描草图的含义
在西方，直至中世纪以前，素描基本上是以草图的形式出现，从属于壁画中。所以现存着大量中世纪时期的素描草图。而伴随着美术的发展，绘画形式逐渐朝着多元化方向发展，出现了油画、版画、水彩画等多种形式。一方面，素描草图仍然是这些绘画形式的基础；另一方面，素描草图也有了独立的艺术价值，也成为了绘画形式中的一种。所以素描草图可以定位为，在素描或其它形式的绘画创作之前，所做的草稿。即创作者有了创作构思，及时用素描的形式记录下来，并且对线、面、形和体以及结构等素描要素做出基本的规划，为之后的深入创作而进行的准备。
二 素描草图在绘画创作中的艺术价值
1 闪耀理性的光芒
文艺复兴运动，之所以在美术史乃至人类文化中占有着重要的地位，一个突出的原因就是在文艺复兴运动的引领下，人们逐渐从“神”的桎梏中摆脱出来，开始以一种理性和客观的态度来观察和认识世界。以列奥纳多·达·芬奇为首的艺术家们，认为理性和细致的观察是绘画创作的基础，而这种观察的记录形式就是素描草图。素描草图不但能够记录下绘画者所思所感，同时也为他们提供了一个理想思考的机会。每一件作品诞生之前，完成一幅和多幅素描草图，已经成为了一个必备的过程，也正是在这种理性和严谨的态度之下，写实性绘画得到了最初的发展，并且逐渐发展成为主流的绘画样式。通过素描草图，让绘画者能够尽可能的对创作中所出现的问题进行预想和处理，同时将最原始和最纯粹的情感倾注其中，大大提高了创作的质量和成功的可能性。
作为领军人物的达·芬奇，就对素描草图有着充分的重视，他认为绘画是一门科学，而素描草图则是一种演算。在他的绘画、建筑和雕刻创作中，上至整体的构图，下至人物的手指，都进行了大量的素描习作，现存的素描草图数量有四千多张，足见他对素描草图地重视。在素描草图的创作中，他能够以一种理性的态度对创作进行分析，成功的将透视学分为三个分支，大大推进了之后油画的空间表现。此外他还解剖过多具人体，并以草图的形式将人体、肌肉和骨骼构造记录下来，为后来的绘画者提供了丰富和准确的理论参考。文艺复兴中的德国领军人物阿尔布雷特·丢勒，不仅仅是一名大画家，同时还是一名建筑学家和数学家，所以他也主张用一种理性的态度来绘画，同样注重在素描草图中进行思考。他笔下动植物素描的精准程度，完全可以和达·芬奇相媲美，画面中的一切要素都是清晰合理的，没有丝毫的混乱和模糊之感，体现出了一种理性和艺术直觉的完美结合。同时还将这些在素描习作中的所思所感记录下来，例如，《绘画概论》、《人体解剖原理》等，为美术理论的发展做出了突出的贡献。可以看出，从达·芬奇提出“绘画应该像一面镜子一样反应自然”开始，对于客观对象理性的观察和思考，就成为了当时欧洲和全世界普遍的艺术追求和审美标准，这种追求和标准之下，通过大量的素描草图，记录下当时的所见所感，并且进行认真的分析，成为了绘画之前一项重要的工作，素描草图不但闪耀着理性的光芒，同时也奠定了素描在美术创作中的基础性定位。
2 凝结生命的意识
生命意识是每一个现存个体对自己或其它生命体的自觉认识，主要包含生存意识、安全认识和死亡意识等。绘画者在对客观对象进行观察和感悟之后，会自然的收获一种审美体验，或激动、或悲伤、或怜悯、或悲愤。这就是生命意识的雏形和具体的体现。而素描草图则在这个过程中充当了记录员的角色，画面中那些线条看似十分凌乱的，其实都是绘画者生命意识的凝结，也是绘画者和客观事物发生情感交流的主要途径，然后用一种合适的手段在作品中表现出来，这种观察和体验的越充分生命意识就越强，作品的思想价值就越高。
米开朗基罗·迪·洛多维科创作的壁画中，他对每一个人物形象都进行推敲、反复的涂抹和修改，最后呈现在我们面前的作品，会发现画面中人物的每一个部位，每一块肌肉都有一种力量于其中，就像是见到了真人一般的真实可信，那被钉在十字架的上痛楚，让我们感同身受。而拉斐尔·桑西创作的圣母像，每一位圣母给人的感觉都是那样的和蔼和亲切，充满了母性的光辉，望着她们就像是春风拂面一般的惬意，而拉斐尔每创作一幅圣母像，都要进行十多次素描草稿的创作。文森特·威廉·梵高的作品充满了情感的张力，他的《星光的灿烂的夜空》，已经不再是一个真实夜空的景象，而是倾注了他全部的生命体验，观众只有用心去看，才能感受到其中蕴含的激情和那种面对迷茫夜空时对生命和命运的思考。爱德华·蒙克以疾病、爱情和死亡作为永恒的表现题材，他的《青春期》和《病中的孩子》两幅素描草图中，线条虽然反复和曲折，但是却始终都围绕在形象的周围，在一种压抑的气氛中感受到了生命的顽强和延续。所以，素描草图凝聚了创作者的生命意识，作品中所体现出来的生命力，来自于素描草图中的酝酿和规划，体现出了绘画者对自然和人类生命力的尊重。
3 记录敏锐的感受
当绘画者对客观对象发生了情感体验，同时产生了一种创作冲动之后，往往是十分迷惑和凌乱的，像是走到了一个迷宫里，隐约知道出口的方向，但是眼前的道路却杂乱和曲折。这就是绘画之前经常产生的一种现场体验感，既有偶然性，又有模糊性。而作为素描草图来说，就是这种现场体验感的最佳助手，绘画者能够及时的将所思所感用素描的形式记录下来，然后在另外一种状态下对这些情感体验素材进行梳理，从而让作品更加贴近自己的思想内涵，体现出一种更加持久的生命力。所以说，素描草图的无疑是一个忠实和全面的记录者，让绘画者能够全面的记下自己获得感动的每一个细节。 米开朗基罗创作的《阿曼的惩罚习作》和《最后的审判》两部作品，画面中的人体是不可能长时间的保持这种夸张和复杂的运动形态的，米开朗基罗就是借助于素描草图，在观察的时候及时记录下来，随后再进行加工和创作，才有了这种形体的最终成型。达·芬奇上街的时候总要带着铅笔和速写本，随意的进行观察，然后快速的画下来，同时在一旁用文字说明当时情形和自己的感受，作为自己今后创作的素材。而埃德加·德加则坦言自己的素描得益于草图的记录和自己良好的记忆能力，他的作品十分善于捕捉运动的形象。例如，《芭蕾舞演员》和《浴女》等，都是在观察后及时的记录下来，事后面对草图，调动起自己的回忆，让作品充满一种现场感。巴勃罗·鲁伊斯·毕加索的《公牛》，素描草图是一个完整的系列，有13幅之多，用一个连续和动态的过程，体现出了作者感受的变化。其最初的构思是一只膘肥体壮的公牛，随后他又创作了第二稿和第三稿，这两稿仅在造型和色彩上发生了变化，还属于再现性的范畴。而伴随着创作者感受的变化，他认为再现性风格已经不再满足自己的表达需要，于是在第四稿中开始了对表现性探索，开始在公牛的内部画出了线条，而在随后的几稿中，线条越来越简练，到定稿的时候，所呈现出来的仅仅是几条细线的勾勒。也就是说，素描草图忠实的记录了创作者艺术感受的变化。所以说，素描草图不仅仅是绘画者所见的客观记录，更凝结了绘画者的情感和智慧。体现出一种敏锐的感受力。
4 承载创新的思维
20世纪后期，绘画艺术发展到了现代主义时期，人们的视野也逐渐从二维发展到了三维，所关注的对象也逐渐从客观世界向主观世界所靠拢，在创作中更加强调个人主观感知和体验的抒发，在这种创作目的影响下，对于艺术风格和艺术语言的革新，也就成为了一种必然的需要。于是各种绘画流派纷纷诞生，新的绘画风格层出不穷，新的绘画手法也屡见不鲜，绘画艺术从此进入了一个全新的时代。而素描草图可谓是这场大变革最重要的见证者，无论是艺术情感的表达还是艺术语言的全新探索，都要在素描手稿这片实验田上进行充分的实验。从客观上说，素描草图为全新绘画时代的来临做出了巨大的推动作用。
首先，是对艺术风格的探索。当绘画者认为当前各种绘画作品所呈现出来的特质，不再能满足自己需要的时候，他们就会主动创造出一种全新的艺术面貌，而素描草图则成为了这种探索的最佳载体。现代艺术中很多开创性的艺术家，都认为自己的探索在很大程度上得益于素描草图的存在。他们借助于素描草图支撑起自己的艺术观念，并且最终帮助他们形成了独一无二艺术风格。保罗·塞尚被誉为是现代主义绘画之父，他的创作追求就是在变动中寻找到一种持久和永恒，所以他的素描手稿数量奇多，每一张都充满了各种反复和修改，例如，《圣维多克山》系列、《皮埃尔的墨丘利肖像》等，每一张草图上的线条和造型都是不同的，作品最后的定型则是这些草图综合作用的结果，即作品是一个确定性和不确定性的集合体。又如，毕加索素以风格多变著称，但是每一种风格都能给人们以强有力的震撼，他的素描草图中经常有随意勾勒的形象和自由的颜色渲染，还有反复地涂抹和修改等，例如，《亚维农少女》和《牛头怪物》等，都是得益于对草图的良好把握。德加在最初的创作中刻意的对古典主义的作品进行模仿，同时借助于素描草图将自己的这种模仿感受记录下来，慢慢的在草图中将对象的表现和草图性的线条完美的结合起来，最终形成了不同于其他印象派画家的油画语言。这些大师们都是借助于素描草图，才实现了多样化的艺术风格。
其次，是对艺术语言的探索。绘画者为了更好地表现出自己的创作思想，就要在传统的绘画语言上进行全新的探索，素描草图又一次成为了试验田，无论是抽象的还是具象的，绘画者们从来都没有停止过在素描草图中对艺术语言的尝试。例如，让·杜布菲，独创了一种儿童般的绘画语言，据他自己所言，这种绘画语言的灵感来自于对素描草图的反复涂抹和修改，看起来像是一个顽皮孩子的作品，随后获得了灵感，继而成为了自己独创的艺术语言。弗兰克·奥尔巴赫的作品中，有着强烈草图特质，他认为草图是自己创作过程的见证，本身就充满艺术性，能够使作品体现出一种完成性，给人以意犹未尽的感觉。安东尼·塔皮埃斯作品强调一种痕迹感，他有感于自己的素描草图中经常会留下一些色彩的痕迹，而这种痕迹是自己自由随心创作的最好见证，同时这种随意地涂抹也会给作品带来一种抽象性的特征，给人们更多的思索。所以说，无论是艺术风格的探索还是艺术语言的探索，都离不开的素描草图的巨大作用。
综上所述，尽管在当代的美术创作中，各种新的风格和主义层出不穷，但是有一点是肯定的，也是经过历史检验的，那就是素描草图永远都是素描和其它绘画形式的基础。历史和当代的艺术家对草图型素描的重视和运用，体现出了他们对素描草图的高度重视，同时给我们的艺术创作提供多样化参考和学习的可能，极大的丰富了素描艺术的内涵。作为绘画者来说，要加强对素描草图的探索和研究，以一种正确的态度来面对，真正认识到它的价值和意义，才能让自己的创作有牢固的根基和永恒的生命力。
参考文献：
[1] 中央美术学院美术史系外国美术史教研室：《外国美术简史》，高等教育出版社，1990年版。
[2] 孙建平、康弘：《大师的手稿——探索大师的心路历程》，河北美术出版，2009年版。
[3] 于艾君：《素描书》，辽宁美术出版社，2005年版。
[4] [美]简·罗伯森、克雷格·迈克丹尼尔：《当代艺术的主题——1980年以后的视觉艺术》，江苏美术出版社，2001年版。
[5] [俄]康定斯基，吴玛俐译：《艺术与艺术家论》，重庆大学出版社，2010年版。
作者简介：杨小锋，男，1976—，四川广安人，本科，讲师，研究方向：美术教育，工作单位：广安职业技术学院。