摘 要：歌剧是一种以歌唱为主要表达方式的戏剧形式，兼具音乐和戏剧的双重性质，这也就决定了演唱技巧和形体语言在歌剧表演中的重要性。对于歌剧演员而言，将演唱技巧和形体语言灵活运用于歌剧表演中，使表演达到声情并茂的效果，不仅是对歌剧演员自我专业能力的一种提升，也是拉近观众与角色之间距离的一种有效方式。因此，要想取得更好的表演效果，歌剧演员就需要以歌剧表演的基本原则为基础，充分运用演唱技巧的和形体语言，深究剧本，合理创新，做好角色把控和肢体训练。
　　关键词：歌剧表演;演唱技巧;形体语言
　　一、歌剧表演的基本原则
　　从表面上看，歌剧表演就是音乐与戏剧的深度融合。但实质上，除了音乐和戏剧，歌剧融合的艺术还包括文学、舞蹈、美术等多领域内容，并且富含多种样式和体裁，这也就决定了歌剧演员需要具备更高的专业素质。具体而言，歌剧表演的基本原则主要有以下三个方面：
　　（一）尊重作品、彰显个性
　　尊重作品，就是强调歌剧演员应当充分尊重作品的一切客观情况，也就是保证作品的还原度。作品中所呈现出的时代背景、人物关系、剧情走向等具体内容，一般而言都是不容更改的。演员在表演时应尽可能地保证这些具体内容的完整呈现，这既是对作品的尊重，也是对作者和观众的基本尊重。当然，强调作品内容的还原也并不是要求将作品当作法律条文一般严格执行，毕竟歌剧表演和歌剧创作一样，本身也是一种创作活动，所以是允许演员融入自身特色的，这也就是所谓的个性彰显。正所谓“一千个人心中有一千个哈姆雷特”，每个演员对作品的理解不一样，所以其最终呈现出的表演效果也会有所差别。当演员在歌剧作品中充分融入自己的感情，歌剧表演自然也就产生了别具特色的生命力。于是，尽管作品内容无所变更，但其带给观众的魅力感受早已经千差万别。
　　（二）博古通今、与时俱进
　　需要注意的是，这里的博古通今，并不是要求歌剧演员无限度地丰富自己的知识储备，而是要求演员充分把握作品的内涵，将其中的历史背景和当下的时代气息贯通起来，使观众产生强烈的共鸣。不同时期的艺术创作所强调的内容是不同的。例如，古典主义时期的歌剧会强调气势的表现，而浪漫主义时期的歌剧更加注重个性的凸显。因此，歌剧演员在表演经典作品时，尤其需要注意这些要点。前面所提到的还原和尊重固然重要，但与时俱进，实现历史与现实的充分融合，甚至使歌剧表演达到借古讽今的目的，也是同等重要的。
　　（三）善用技巧、丰富感情
　　歌剧表演作为一种主观性和客观性兼备的艺术创作活动，其良好的效果呈现显然是需要借助一定的技巧的。技巧是演员表演能力的辅助和扩充，有助于演员将更多风格迥异的唱段尽可能完美地诠释出来。应当注意的是，歌剧表演中的技巧，不仅包括气息的调节和音调的控制这样有形的表现，也包括演员的审美观念和心理活动这种无形的内涵。当然，除了技巧的加持，情感的融入同样是歌剧表演不可或缺的。情感作为歌剧表演的灵魂所在，显然是技巧运用所不能取代的。再丰富和纯熟的技巧，如果没有感情的投入，那么作品的呈现必然也就不具备丝毫的生命力[1]。换言之，技巧的运用和情感的丰富是歌剧演员在表演过程中所需的两大重要环节，如果说情感表达是内在的目的使然，那么技巧运用就是外在的手段表现，二者共同起到丰满音乐线条和充实角色魅力的效果，相辅相成，缺一不可。
　　二、歌剧表演中的演唱技巧运用
　　歌剧表演中的演唱技巧，通常包括真假音的切换、声音的美化、曲调的处理和台风的呈现等内容。歌剧演员对演唱技巧充分运用的最终目的就在于保证歌剧音乐的优美性，使观众获得听觉上的享受。歌剧演员只有在具备扎实歌唱功底的基础之上，辅以丰富的歌唱技巧，才可能为观众带来一场精彩的听觉盛宴。具体来说，歌剧表演中演唱技巧的运用可通过以下途径来实现：
　　（一）深究剧本
　　剧本是一场歌剧表演的基本骨架和基本导向，是歌剧演员不可不重视的内容之一。对剧本进行深入研究，并不仅仅只是要求演员对剧情走向有一个基本的了解，除了剧情，剧本中所涉及的任何一处细节，都是值得演员深究的内容，如作品的创作背景、作品之中的时代背景、角色的性格表现和内心情感等。作品本身是十分客观的，但如果歌剧演员对其进行积极的探索和解读，那么此时的作品就必然为演员提供了主观发挥的可能。因此，在正式登台表演之前，歌剧演员有必要对剧本进行深入的了解，尤其是对自己即将塑造的角色要有一个精准的把控，要融入自己的情感认知，从而使看似呆板的人物变得更加鲜活。由此可见，要想提高歌剧演唱方面的表演质量，不仅是要强调嗓音训练这种生理技能练习，同时更加强调精神世界的丰富。深入研究剧本，将剧本中的文字表达充分转化为一种精神力量，从而强化演唱技巧，突出角色特征，这无疑是一条提升表演整体质量和引发观众浓烈兴趣的有效途径。
　　（二）合理创新
　　创新与创作本就存在天然的紧密联系，经典作品的诞生往往来自作者苦心孤诣的创作，所以艺术发展的基本动力就在于创新。由此，对于歌剧演唱技巧的运用而言，创新同样是必不可少的一环。当然，创新并不是肆意改变，而是有目的、有意识地进行科学改进和合理完善。歌剧演唱的创新也是有一些基本方向可循的，如演唱观念、演唱方法和观众需求等，都是歌剧表演演唱技巧的运用过程中可以尝试的创新方向[2]。具体而言，也就是要求歌剧演员要及时地发掘和了解观众的主流需求，以进一步在自己的演唱观念和演唱方法上做出适当的调整。例如，在演唱技巧的精华得以充分整合的前提下，演员在展现一些传统唱法的同时，可以合理地加入一些流行腔调，或配以眼神，或辅以舞蹈，进而将整个表演过程变得丰富多彩，这样不仅可以使观众获得听觉上的享受，而且使观众的视觉需求得到进一步的满足，从而提高歌剧演唱整体的观赏价值，吸引观众的观赏兴趣，使观众最终能与歌剧演员产生情感上的共鸣。
　　三、歌剧表演中的形体语言运用
　　形体语言，又称肢体语言或身体语言，主要是指演员通过眼神、表情、手势和嘴型等形式所呈现出的表演。在歌剧表演中，形体语言一般是作为歌唱表演的辅助和扩充，也是演员表达角色内心活动的主要方式。关于歌剧表演形体语言的运用，主要可以通过角色把控和肢体训练这两个方面进行强化。
　　（一）角色把控
　　形体语言的主要作用之一就在于表达人物的内心活动，换言之，形体语言在一定程度上是人物内心情感的外在表现。因此，要想实现形体语言的强化，就有必要对角色有一个精准的把控。人物角色的喜悦、愤怒、忧愁、思虑、悲伤、恐惧、惊疑等诸多情绪，都是可以通过相应的形体动作加以表现的[3]。歌剧演员可以充分结合自己的生活经验，深入探究角色的内心活动，从而丰富自己表演所需的形体语言。在表演过程中，合乎时宜的形体语言有助于将剧情稳步推向高潮，从而带动观众的情绪，使其产生身临其境的感觉。
　　（二）肢体训练
　　如果说强调角色把控是要培养歌剧演员运用形体语言的主观意识，那么肢体训练就更倾向于形体语言运用的实践层面了。歌剧当中除了音乐和戏剧的元素，还融入了舞蹈的元素，因而它的形体语言要求必然会和一般的戏剧表演有所差别。将舞蹈训练的要求适当应用于歌剧的肢体训练，无疑可以使其形体语言的最终呈现效果更加优美。例如，歌剧表演当中常常会有一些摔跤、翻滚或决斗的动作，这些动作在现实生活中的呈现必定不雅观，甚至略显粗鲁，但在歌剧表演中，由于融入了舞蹈的表现手法，其视觉呈现较为文雅，别有一番韵味。
　　总而言之，演唱技巧和形体语言同时作为歌剧表演的重要组成部分，二者在一定程度上具有相互促进和相互补充的效果。对演唱技巧合理运用，对形体语言勤加练习，都必将有利于歌剧作品的内涵体现和情感表达。时代还在进步，人们的审美需求也在逐渐发生变化，歌剧表演在丰富人们精神世界的同时，往往对人们价值观的形成也具有导向标的作用，因而其传承和发展切不可过于懈怠。只有紧随时代潮流，秉持创新的心態，不断丰富和完善歌剧表演体系，才有可能为人们带来更加深刻的体验。
　　参考文献：
　　[1]欧苒.歌剧表演中演唱技巧与情感的整合研究[J].戏剧之家，2019（18）：23.
　　[2]康甄.浅论演唱技巧和肢体语言在歌剧表演中的运用[J].文学少年，2020（27）：36.
　　[3]许校华.演唱技巧和肢体语言在歌剧表演中的运用[J].营销界（理论与实践），2020（4）：363.
　　作者简介：
　　 刘慧，华南理工大学艺术学院副教授。研究方向：音乐表演。