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摘 要:主要从三个方面阐述了歌唱中影响正确歌唱的要素。呼吸、吐字、共鸣、喉头的准确运用;歌唱中声区统一对歌曲的演唱影响;对作品进行准确全面的诠释。随着人类文明程度的不断提高,相信声乐艺术这朵奇葩将会开放得更加绚丽夺目。
关键词:呼吸;共鸣;咬字;正确歌唱
中图分类号:G642文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)24-0293-02
—、正确歌唱中的各内部因素
(—)歌唱的呼吸
声乐界有“谁懂得呼吸,谁就会唱歌”之说,说明了呼吸在歌唱中的重要性,他确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。唱歌是为了抒发情感,是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众,须将歌声传至每个角落,因而要求声音既要有一定的音量,要有一定的力度变化,要有长时间歌唱的能力,并要求根据歌曲的需要,或长或短或强或弱或高或低地控制地输送气息,要做到这些就不是简单的事了所以唱歌时的呼吸作为一种艺术手段,有它自身的一套规律和方法,它是一项技术性问题,是后天训练出来的。那么究竟正确的歌唱是怎么呼吸的呢?
人体的呼吸系统就象个皮囊,歌唱中吸气的技巧是要像说话一样是下意识的。在歌唱前,是处于一种生理的状态,在气由呼转吸的当口,控制住气息使之暂停运动,等到吸气所需时间符合对歌唱的要求的时候再把力量松开,这时气吸进来再呼的时候正好与歌唱的需要吻合,就是说在歌唱前要对呼吸有个控制。在歌唱中间也是这个道理,需要控制呼吸,如果松开呼气力量而自然吸气后不能与音乐所需要的歌唱相吻合,就要在松开呼气力量前暂停呼吸,等到恰当的时候再松开力量,自然吸气。唱歌时仍要保持吸气状态。这点很重要,就好比给自行车胎打足了气。不能一下子放松了,要保持住气息就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态控制住气息徐徐吐出,要节省用气,均匀地吐气,这就是所谓气息的对抗。在呼吸的过程中要注意避免呼吸僵硬的感觉,整个身体表情都应该是要积极有度(既不松垮,又不僵硬)地控制,要用有控制的柔和的气息支持歌唱;吸气不可太满,一般八成就足够了,歌唱发声时的呼气状态应是将腰带柔和地向外牵住的感觉,而不是象有些声乐老师常讲的,用上十足的腰部力量,把腰带涨得满满的,硬硬的,更不是瘪着肚子往里挤、憋气息。用气是只能用到六成,不可用完甚至用得憋气。所以一定要锻炼兴奋积极、柔和舒展、均匀自然的控制气息的能力。那么,身体的其它部位在绝对兴奋的前提下,则要相对的松弛,让歌声高位自然地随心灵流淌。总的来说声音是由呼吸来支持的。只有控制好呼吸才能强弱自如的做出各种变化来。
(二)吐字与咬字
在歌唱中舌头咬字不仅与发音准确性有关,而且也与正确的发音歌唱状态有重大的关系。歌唱中咬字吐字的一般规律是:
1.字头要唱的短、轻、准。我们常说的‘五音’:唇、舌、牙、齿、喉。唇音:“b”、“p”、“m”、“f”舌音:“d”、“t”、“n”、“i” 牙音:“j”、“q”、“x”齿音:“z”、“c”、“s”、“zh”、“ch”、“sh”、“r”喉音:“g”、“k”、“h” 这五大类的发音时,用力部位要分明,出口不能含糊,字头要咬住。唇音字用力部位在唇上。上下嘴唇喷口应有力清晰。舌音着力在舌尖,牙音字用力部位在牙,齿音字用力部位在齿间,喉音字用力部位在喉。我们应充分运用“咬”字的技巧,来加强歌曲的感染力。
2.引长字腹。分为“齐、开、撮、合”四类,我们称“四呼”。开口呼:“a”、“o”、“e”发音时要求开口。齿呼:“I”为开头的韵母,平形,气息通过上下齿之间的空隙流出,用力在齿。撮口呼:“u”或以“u”为开头的韵母,发音是上下嘴唇微向前,用力在唇。合口呼:“u”可以“u”为开头的韵母,发音是上下唇收拢呈圆形。
(三)歌唱的共鸣
歌唱的声音要有比较宽广的音域,要有相当响亮的音量,要有表达歌曲感情的各种声音色彩。这些除了要靠正确的气息控制,正确的发声方法之外,更要靠正确掌握人体对发声的共鸣作用。这些共鸣腔体可以调节声带所发声音的大小、明暗及音色上的变化,并能调整其高度。
1.人体的共鸣腔体。人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔、头腔三大共鸣腔体。胸腔包括以下气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上额窦、额窦、碟窦等。歌唱发声时,应随着音的升高或降低的变化,适当地调节那些可调节的共鸣腔体。一般来说,高音的共鸣区是分布在口腔,低音的共鸣区分布在胸腔。但这样的分布并不是说可以将各个共鸣腔孤立地来用,而是应当使所有的共鸣腔体连成一体,即所谓形成“整体共鸣”。整体共鸣就是胸、口、头腔共鸣的混合使用,即混合共鸣。
2.共鸣的运用。在歌唱发声时,应用混合共鸣的方法,掌握好共鸣在各声区里的混合比例,使各共鸣腔保持一定的平衡,使声音获得良好的效果。唱高音时头腔共鸣的比例应加强一些,口咽腔、胸腔也要有;唱中音时,声音要求圆润、流畅,口咽腔共鸣的比例应多一些,胸腔、头腔共鸣也要有;唱低音时声音低沉、浑厚,以胸腔共鸣为主体,掺入口腔共鸣和头腔共鸣。这样才能在换声区发声时,不发生明显的痕迹。在歌唱发声中,只有及时地调节各共鸣腔体才能使歌唱声音统一、圆润、饱满、音色优美、色彩丰富。
二、声区的统一
声区的统一是美声歌唱训练的试金石,声区统一的方法是:强调唱好各声区间的过渡音,就是唱上行音阶时,要把前一个声区的最后三个半音,唱得稍带下一个声区的特征(即虚些、假些、暗些);唱下行音阶时,较高声区的最后下行三个半音,要唱得稍具有较低声区的特征(即实些、真些、亮些)。这样逐渐的量变过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变产生的破裂音。主要从以下三个方面进行论述:
(一)中声区
为了避免口内形状和声音结构的任何突然和粗暴的改变,其动作必须是平稳的。也就是在口咽腔中,对每一个母音所进行的形状变换是如此轻微,以致只要想到稍微改变一点点,就足以产生所需要的生理效果,这就是连贯地歌唱的秘诀。中声区的歌唱更应如此,没有良好的中声区,就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习,先从中声区小音量开始,经过相当一段时间的巩固后,再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展,中声区应该靠前,明亮,轻松流畅,不费力,这样才能往上发展,为演唱高音打开通路。中声区的声音要自如、流畅,要求音色优美和声音的灵活性。不要强求音量,中声区要做到吸气深,象叹气那样的排气量。呼吸力求自然,有弹性,积极向上,有支持点,喉头保持稳定松驰的状态,不论唱高、低不同的音,喉头的感觉都在一个位置上,声音要往外送,但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。
(二)换声区
从低音往上唱时,唱到一定的地方,就会感到困难,容易卡壳,这就是到了换声区了,这时,你必须运用某种方法才能继续往上唱。歌唱者首先应基本掌握了换声区的唱法,然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下。
三、歌唱水平提高的关键——对作品的诠释
(一)内涵的理解所谓内涵
主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵,是演唱的基础。拿到一首歌曲,先不要急于唱谱,而应该将歌词反复朗诵几遍,以便从中了解主人公所处的时代背景、特定环境和思想感情。对作品的理解越深,感受越深,在演唱时的表达则越纯真、越完美。一个演员或歌唱者文学修养的深线,会直接影响他对作品内涵的理解。
(二)意境的想象
就是要尽量去启发音乐的想象力,演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象,在自己的头脑中化为一幅幅活动画面,把自己化为作家、诗人,也变成作品的主人公。换句话说,就是要象戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果你把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体,那么你在表达时就会很真实和生动。当然歌唱者解释音乐的能力,不是一日之功,它是一种生活的积累,记忆的积累,情感的积累,这种积累越多,越丰富,“灵感”也越活跃,越丰富。因此作为歌者,应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音,去感受生活,从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力,从而更深刻地理解作品的内涵。
(三)声音的运用
我们在演唱一首作品时,运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感,这是值得研究和设计的问题。作为歌者有了美妙的声音外,能驾驭各种声音和音色变化的能力显得尤为重要,比如面对一首进行曲时要选用雄壮的声音,面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的声音,面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜蜜的声音等等。这里对声音也要有一个想象的过程,如对一首抒情轻柔的曲子时,可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”、“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上;又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时,又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之,我们要善于调动人声的声音“库”中最恰当的声音,唱出歌曲内容所需要的听觉效果,贴切地表现作品。
(四)风格的掌握
作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏,演唱的效果是大不一样的。歌唱者要准确地表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格(也就是演唱风格)。一个歌唱者文学修养的深浅,会直接影响他对作品的理解和风格的把握,因为风格的形成,主要就是建立在最深刻的认识基础上的。成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品风格特点淋漓尽致地表现出来,能把音乐的全部涵义,让听众“一耳了然”的。
总之,声乐艺术作为人类音乐文化的一个重要组成部分,其特殊的传情达意的方式是任何一门学科都不能代替的。美妙的歌声是人类的精神财富,是无价之宝。它可以使歌唱者自己引为无限的愉悦和荣光,并能感动万千听众。随着人类文明程度的不断提高,相信声乐艺术这朵奇葩将会开放得更加绚丽夺目。
参考文献:
[1][美]维克托·亚力山大·菲尔兹.训练歌声:第1版[M].李维渤选,译.上海:上海音乐出版社,2003:1.
[2]潘乃宪.声乐实用指导:第1版[M].上海:上海音乐出版社,2003:5.
[3]邹长海.声乐艺术心理学:第1版[M].北京:北京人民音乐出版社,2000:3.
[4]黄友葵.论歌唱艺术:第1版[M].长沙:湖南文艺出版社,1989:8.[责任编辑 魏 杰]
关键词:呼吸;共鸣;咬字;正确歌唱
中图分类号:G642文献标志码:A文章编号:1673-291X(2010)24-0293-02
—、正确歌唱中的各内部因素
(—)歌唱的呼吸
声乐界有“谁懂得呼吸,谁就会唱歌”之说,说明了呼吸在歌唱中的重要性,他确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。唱歌是为了抒发情感,是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众,须将歌声传至每个角落,因而要求声音既要有一定的音量,要有一定的力度变化,要有长时间歌唱的能力,并要求根据歌曲的需要,或长或短或强或弱或高或低地控制地输送气息,要做到这些就不是简单的事了所以唱歌时的呼吸作为一种艺术手段,有它自身的一套规律和方法,它是一项技术性问题,是后天训练出来的。那么究竟正确的歌唱是怎么呼吸的呢?
人体的呼吸系统就象个皮囊,歌唱中吸气的技巧是要像说话一样是下意识的。在歌唱前,是处于一种生理的状态,在气由呼转吸的当口,控制住气息使之暂停运动,等到吸气所需时间符合对歌唱的要求的时候再把力量松开,这时气吸进来再呼的时候正好与歌唱的需要吻合,就是说在歌唱前要对呼吸有个控制。在歌唱中间也是这个道理,需要控制呼吸,如果松开呼气力量而自然吸气后不能与音乐所需要的歌唱相吻合,就要在松开呼气力量前暂停呼吸,等到恰当的时候再松开力量,自然吸气。唱歌时仍要保持吸气状态。这点很重要,就好比给自行车胎打足了气。不能一下子放松了,要保持住气息就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态控制住气息徐徐吐出,要节省用气,均匀地吐气,这就是所谓气息的对抗。在呼吸的过程中要注意避免呼吸僵硬的感觉,整个身体表情都应该是要积极有度(既不松垮,又不僵硬)地控制,要用有控制的柔和的气息支持歌唱;吸气不可太满,一般八成就足够了,歌唱发声时的呼气状态应是将腰带柔和地向外牵住的感觉,而不是象有些声乐老师常讲的,用上十足的腰部力量,把腰带涨得满满的,硬硬的,更不是瘪着肚子往里挤、憋气息。用气是只能用到六成,不可用完甚至用得憋气。所以一定要锻炼兴奋积极、柔和舒展、均匀自然的控制气息的能力。那么,身体的其它部位在绝对兴奋的前提下,则要相对的松弛,让歌声高位自然地随心灵流淌。总的来说声音是由呼吸来支持的。只有控制好呼吸才能强弱自如的做出各种变化来。
(二)吐字与咬字
在歌唱中舌头咬字不仅与发音准确性有关,而且也与正确的发音歌唱状态有重大的关系。歌唱中咬字吐字的一般规律是:
1.字头要唱的短、轻、准。我们常说的‘五音’:唇、舌、牙、齿、喉。唇音:“b”、“p”、“m”、“f”舌音:“d”、“t”、“n”、“i” 牙音:“j”、“q”、“x”齿音:“z”、“c”、“s”、“zh”、“ch”、“sh”、“r”喉音:“g”、“k”、“h” 这五大类的发音时,用力部位要分明,出口不能含糊,字头要咬住。唇音字用力部位在唇上。上下嘴唇喷口应有力清晰。舌音着力在舌尖,牙音字用力部位在牙,齿音字用力部位在齿间,喉音字用力部位在喉。我们应充分运用“咬”字的技巧,来加强歌曲的感染力。
2.引长字腹。分为“齐、开、撮、合”四类,我们称“四呼”。开口呼:“a”、“o”、“e”发音时要求开口。齿呼:“I”为开头的韵母,平形,气息通过上下齿之间的空隙流出,用力在齿。撮口呼:“u”或以“u”为开头的韵母,发音是上下嘴唇微向前,用力在唇。合口呼:“u”可以“u”为开头的韵母,发音是上下唇收拢呈圆形。
(三)歌唱的共鸣
歌唱的声音要有比较宽广的音域,要有相当响亮的音量,要有表达歌曲感情的各种声音色彩。这些除了要靠正确的气息控制,正确的发声方法之外,更要靠正确掌握人体对发声的共鸣作用。这些共鸣腔体可以调节声带所发声音的大小、明暗及音色上的变化,并能调整其高度。
1.人体的共鸣腔体。人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔、头腔三大共鸣腔体。胸腔包括以下气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上额窦、额窦、碟窦等。歌唱发声时,应随着音的升高或降低的变化,适当地调节那些可调节的共鸣腔体。一般来说,高音的共鸣区是分布在口腔,低音的共鸣区分布在胸腔。但这样的分布并不是说可以将各个共鸣腔孤立地来用,而是应当使所有的共鸣腔体连成一体,即所谓形成“整体共鸣”。整体共鸣就是胸、口、头腔共鸣的混合使用,即混合共鸣。
2.共鸣的运用。在歌唱发声时,应用混合共鸣的方法,掌握好共鸣在各声区里的混合比例,使各共鸣腔保持一定的平衡,使声音获得良好的效果。唱高音时头腔共鸣的比例应加强一些,口咽腔、胸腔也要有;唱中音时,声音要求圆润、流畅,口咽腔共鸣的比例应多一些,胸腔、头腔共鸣也要有;唱低音时声音低沉、浑厚,以胸腔共鸣为主体,掺入口腔共鸣和头腔共鸣。这样才能在换声区发声时,不发生明显的痕迹。在歌唱发声中,只有及时地调节各共鸣腔体才能使歌唱声音统一、圆润、饱满、音色优美、色彩丰富。
二、声区的统一
声区的统一是美声歌唱训练的试金石,声区统一的方法是:强调唱好各声区间的过渡音,就是唱上行音阶时,要把前一个声区的最后三个半音,唱得稍带下一个声区的特征(即虚些、假些、暗些);唱下行音阶时,较高声区的最后下行三个半音,要唱得稍具有较低声区的特征(即实些、真些、亮些)。这样逐渐的量变过渡就可避免由于从这一声区到另一声区的突变产生的破裂音。主要从以下三个方面进行论述:
(一)中声区
为了避免口内形状和声音结构的任何突然和粗暴的改变,其动作必须是平稳的。也就是在口咽腔中,对每一个母音所进行的形状变换是如此轻微,以致只要想到稍微改变一点点,就足以产生所需要的生理效果,这就是连贯地歌唱的秘诀。中声区的歌唱更应如此,没有良好的中声区,就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习,先从中声区小音量开始,经过相当一段时间的巩固后,再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展,中声区应该靠前,明亮,轻松流畅,不费力,这样才能往上发展,为演唱高音打开通路。中声区的声音要自如、流畅,要求音色优美和声音的灵活性。不要强求音量,中声区要做到吸气深,象叹气那样的排气量。呼吸力求自然,有弹性,积极向上,有支持点,喉头保持稳定松驰的状态,不论唱高、低不同的音,喉头的感觉都在一个位置上,声音要往外送,但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。
(二)换声区
从低音往上唱时,唱到一定的地方,就会感到困难,容易卡壳,这就是到了换声区了,这时,你必须运用某种方法才能继续往上唱。歌唱者首先应基本掌握了换声区的唱法,然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下。
三、歌唱水平提高的关键——对作品的诠释
(一)内涵的理解所谓内涵
主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵,是演唱的基础。拿到一首歌曲,先不要急于唱谱,而应该将歌词反复朗诵几遍,以便从中了解主人公所处的时代背景、特定环境和思想感情。对作品的理解越深,感受越深,在演唱时的表达则越纯真、越完美。一个演员或歌唱者文学修养的深线,会直接影响他对作品内涵的理解。
(二)意境的想象
就是要尽量去启发音乐的想象力,演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象,在自己的头脑中化为一幅幅活动画面,把自己化为作家、诗人,也变成作品的主人公。换句话说,就是要象戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果你把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体,那么你在表达时就会很真实和生动。当然歌唱者解释音乐的能力,不是一日之功,它是一种生活的积累,记忆的积累,情感的积累,这种积累越多,越丰富,“灵感”也越活跃,越丰富。因此作为歌者,应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音,去感受生活,从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力,从而更深刻地理解作品的内涵。
(三)声音的运用
我们在演唱一首作品时,运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感,这是值得研究和设计的问题。作为歌者有了美妙的声音外,能驾驭各种声音和音色变化的能力显得尤为重要,比如面对一首进行曲时要选用雄壮的声音,面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的声音,面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜蜜的声音等等。这里对声音也要有一个想象的过程,如对一首抒情轻柔的曲子时,可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”、“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上;又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时,又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之,我们要善于调动人声的声音“库”中最恰当的声音,唱出歌曲内容所需要的听觉效果,贴切地表现作品。
(四)风格的掌握
作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏,演唱的效果是大不一样的。歌唱者要准确地表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格(也就是演唱风格)。一个歌唱者文学修养的深浅,会直接影响他对作品的理解和风格的把握,因为风格的形成,主要就是建立在最深刻的认识基础上的。成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品风格特点淋漓尽致地表现出来,能把音乐的全部涵义,让听众“一耳了然”的。
总之,声乐艺术作为人类音乐文化的一个重要组成部分,其特殊的传情达意的方式是任何一门学科都不能代替的。美妙的歌声是人类的精神财富,是无价之宝。它可以使歌唱者自己引为无限的愉悦和荣光,并能感动万千听众。随着人类文明程度的不断提高,相信声乐艺术这朵奇葩将会开放得更加绚丽夺目。
参考文献:
[1][美]维克托·亚力山大·菲尔兹.训练歌声:第1版[M].李维渤选,译.上海:上海音乐出版社,2003:1.
[2]潘乃宪.声乐实用指导:第1版[M].上海:上海音乐出版社,2003:5.
[3]邹长海.声乐艺术心理学:第1版[M].北京:北京人民音乐出版社,2000:3.
[4]黄友葵.论歌唱艺术:第1版[M].长沙:湖南文艺出版社,1989:8.[责任编辑 魏 杰]