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“虽然穆罕姆先生将油画从窗户往外丢的时候被卡了一下，自己加了一句台词‘你慢点！’逗笑了看彩排的所有人，我还是觉得这个窗户过小了，得再改改！”在上海戏剧学院读舞台设计专业已经第四年了，舞台设计对我来说不仅是赤诚热爱着的一个专业，更是我愿意全身心投入的事业。回顾自己的舞台设计经历，从疯狂、惊艳，到最终的精妙巧思，仿佛我自己的成长也可以写成一部活灵活现的话剧了。
疯狂的地板
虽然对舞台设计感兴趣，但真正开始动手做舞台设计，还得从大二时《流星》这部戏说起。《流星》是一个荒诞剧，讲述的是一个作家几次死而复生的故事，故事发生在欧洲中世纪的一个画室里，整个作品是为了揭示当时艺术家、作家们的精神危机。为了烘托这样的气氛，整个舞台的美术设计不仅要有那个年代的时代感，更重要的是要呈现出一种压抑而又紧迫的节奏感。
为此，我翻阅了很多建筑资料，打算从房间的吊顶到地板都让它具有时代的气息。锈迹斑斑的铁管纵横交错在头顶，显示着这是一个在当时就已经存在了六十几年的房子；深色的木质窗框上还钉着铁艺的把手；还有那张白色却脏污的双人床——这是一个充满了矛盾又和谐的空间。
在整个舞台设计中，巨大的木质地板占据了约40%的分量，也因此，这块承载着一切故事的地板也成了我最下功夫的一个布景。为了配合画室整体灰色阴暗的环境特征，我试着将地板涂成了深棕色，然后用酒红、藏青、墨绿等带灰度的颜色进行做旧处理。但几次排练下来，我却总觉得有哪个地方不到位。
到底是哪里出了问题呢？棕色的木地板，斑斑驳驳的颜料的痕迹，对于那个年代的来说，很正常啊！对！问题就出在太正常了。正常得就像是普通人家的家居风格，而这部话剧需要的是一些更加特别的东西，来表现艺术家们在精神重压下的状态，它需要的是压抑、疯狂！
中世纪、画室、艺术家、精神危机……这些关键词在我脑海里迅速地运转起来……灰色、蓝色！这两个颜色一下子从我脑海中跳出来。深沉的灰蓝色地板，斑斑驳驳的颜料在地板上留下的痕迹，跟灰蓝色的底色凝结在一起，与房间总体颜色相互揉搓着又似乎彼此排斥。构思来了，我顿时兴奋起来。黑色、白色、藏青，混合在一起，加水稀释！湖蓝！再加点湖蓝！画笔在调色盘上迅速地扫动，越来越接近我心里的那个颜色！好了，就是它！
天黑了又亮，十几个小时后，我趴在画室地面上，终于把那块巨大的地板重新刷了出来。这块地板果然成了整台话剧的一个极大的亮点，编剧还为此特别给主人公加了一句台词：“你看这昏昏沉沉地散发着诡异的灰蓝色地板，像极了你的自以为是和惶恐怯懦！”虽说一场戏中演员和台词是主角，但舞台设计的作用也不可小觑，只有完美的配合，才能呈现一部完整的作品。更重要的是，我发现当自己想要呈现的东西最终被实现时，所有的辛苦和纠结都会被大大的满足和快乐替代。
悬空宝座是这样做成的
如果说《流星》让我开始领略舞台设计的魅力，那么让我真正学到舞台设计技巧的，还得算著名的《雄鹿王》了。《雄鹿王》在话剧界是一部比较成熟的剧目，在美国已经有过多场演出经验。当听说学校要引进这个剧并由我们担当全场的舞台设计时，大家都兴奋极了。无论是阶梯、窗户、衣柜，我们都丝毫不敢马虎，为了配合这部话剧典型的Buffoonery（小丑式的滑稽诙谐）和Lazzi（一种常用在意大利即兴喜剧中的可笑对话或动作），我们还搬来了大红色的翘翘板，串连在整个话剧中，很多诙谐搞笑、妙趣横生的动作都是在这个翘翘板上完成的。但是，最让我们费心思，也最让我为之惊奇的，还得数为魔术师杜兰达尔泰制造“悬空”宝座的经历了。
杜兰达尔泰是一个拥有魔法的魔术师。话剧一开始，杜兰达尔泰要坐在高高的悬空的座椅上，给向他求助的男主角戴垃摩王子施两个魔法。在美国，由于剧场设备比较成熟，演员在出演这一幕时一般直接在舞台上吊威亚，但是由于学校的剧场比较小，吊威亚行不通。于是导演迪米特里·特罗亚诺夫斯基便建议我们用另一种方式——利用舞台空间来营造悬空感。
在他的指导下，我们在舞台的天幕上用了三种不同质地的布料。第一层用透视的带彩色闪丝的白色纱织幕布，第二层是透视的不带闪丝的白色纱织幕布，第三层则用了浅灰色的纱织幕布，三层幕布一叠加，若隐若现的感觉就出来了。“不错，现在在第二层幕布后放上道具！”我们赶紧找来一张银色的梯子，由于梯子很窄，颜色又与第三层浅灰色纱织幕布非常相近，再加上前两层幕布的遮挡，几乎看不出来。打好了基础，我们又在梯子上放置了一张金色的座椅，并围着座椅加了几盏彩色的小灯，让观众把注意力都吸引到座椅上去。一切准备就绪，我们试着喷上干冰，打上昏暗的灯光，结果从观众席上看去，那张椅子果然就像悬空了一样！
太厉害了！之前我一直在学空间的划分，但通过空间划分营造这样的视觉效果，还是我第一次尝试。整个过程我充满了新鲜感，却也发现舞台设计需要学习的东西实在是太多了！
5件道具一部戏的启示
大三之后，我开始接触一些商业性演出的舞台设计。《最后十四节星期二的课》是最近让我很有触动一部话剧。话剧讲述的是一个毕业生经历了人生变故，与成了“渐冻人”的老师十四次对话中懂得人生的一个故事。
话剧的舞台设计是早我三届毕业的学长。他仅仅用一架钢琴、一张桌子、两张椅子、一张床这5件主要道具就完成了一部3小时话剧的所有舞台设计。钢琴用不同节奏的音乐传达毕业生的心情变化；桌子同时担当着老师的办公桌和食物置放台的功能；两张椅子记录着毕业生和老师之间的情感交流；而从椅子到床，则是老师逐渐病重并最终走向死亡的过渡。
看完这部戏，我得到了一些新的启示。在舞台设计中，我们往往都力求每一个道具和布景都要完美，但也正因如此，很容易带上设计者的个人情感，而忘记了推动情节。原来舞台道具不在于多，而在于能否最大限度体现剧本的精髓，这也能体现出舞台设计者的功力。
这一点也对我之后的舞台设计产生了很大的影响。现在我正在做话剧《那年春天》的舞美设计，其中有一幕是女主人公因为无法接受男主人公已经死亡的事实，把自己关在舞蹈室里跳芭蕾的场景。这一幕无论是音乐还是旁白，都在渲染一种不安的、绝望的情绪，我设计的重点正是如何通过布景和道具强化这样的情绪。
最初我的设想是做一个密闭的空间，一面大镜子正对着舞台，左右两面墙上用投影来播放男女主人公过去的故事，女主人公拿着男主角的照片流泪，配上追光灯。可很快我就否定了它。对于空间来讲，靠近观众的那一面必然是敞开的，即使加上了两面墙，依旧无法达到“封闭”的效果，不如就将整个剧院作为一个空间，所有观众都置身在这个空间内！于是我撤走了舞台上左右两面墙，决定将投影直接投放在整个剧院里。
如此尝试了一下，煽情效果不错。但这么一来，让人更多感受到的是女主人公思念的情绪，却很难体现出她的不安和绝望。“是不是有太多干扰的因素了？”脑子里一个声音对我说。深思熟虑后，我把照片、投影通通撤走，只留镜子！
但同时，我也将这面镜子做了处理。虽然一面大镜子可以把演员的快速旋转和跳跃双倍呈现出来，仿佛是主人公的另一个自我一样。但是这还不够！要是同时能在舞台上显现出3个或者更多主人公的“分身”，效果一定会更有冲击力。于是，我把这面大镜子换成了由6面小镜子的组合成的镜子，而且让每个镜子都可以自由移动。
灯光从舞台的顶端打下来，和着音乐，女主人公舞蹈起来。节奏迅速地变换着，6面镜子开始由慢至快地移动起来，从不同角度映出女主角的动作和表情。一种凌乱嘈杂的气氛逐渐铺陈开来，女主人公波动的情绪和歇斯底里的状态一览无遗。看完这一幕彩排，大家都激动得鼓起掌来。只用镜子一件道具就让演出在观众心里引起共鸣，也许就是舞台设计最有价值的体现了吧！
责任编辑：曹晓晨
疯狂的地板
虽然对舞台设计感兴趣，但真正开始动手做舞台设计，还得从大二时《流星》这部戏说起。《流星》是一个荒诞剧，讲述的是一个作家几次死而复生的故事，故事发生在欧洲中世纪的一个画室里，整个作品是为了揭示当时艺术家、作家们的精神危机。为了烘托这样的气氛，整个舞台的美术设计不仅要有那个年代的时代感，更重要的是要呈现出一种压抑而又紧迫的节奏感。
为此，我翻阅了很多建筑资料，打算从房间的吊顶到地板都让它具有时代的气息。锈迹斑斑的铁管纵横交错在头顶，显示着这是一个在当时就已经存在了六十几年的房子；深色的木质窗框上还钉着铁艺的把手；还有那张白色却脏污的双人床——这是一个充满了矛盾又和谐的空间。
在整个舞台设计中，巨大的木质地板占据了约40%的分量，也因此，这块承载着一切故事的地板也成了我最下功夫的一个布景。为了配合画室整体灰色阴暗的环境特征，我试着将地板涂成了深棕色，然后用酒红、藏青、墨绿等带灰度的颜色进行做旧处理。但几次排练下来，我却总觉得有哪个地方不到位。
到底是哪里出了问题呢？棕色的木地板，斑斑驳驳的颜料的痕迹，对于那个年代的来说，很正常啊！对！问题就出在太正常了。正常得就像是普通人家的家居风格，而这部话剧需要的是一些更加特别的东西，来表现艺术家们在精神重压下的状态，它需要的是压抑、疯狂！
中世纪、画室、艺术家、精神危机……这些关键词在我脑海里迅速地运转起来……灰色、蓝色！这两个颜色一下子从我脑海中跳出来。深沉的灰蓝色地板，斑斑驳驳的颜料在地板上留下的痕迹，跟灰蓝色的底色凝结在一起，与房间总体颜色相互揉搓着又似乎彼此排斥。构思来了，我顿时兴奋起来。黑色、白色、藏青，混合在一起，加水稀释！湖蓝！再加点湖蓝！画笔在调色盘上迅速地扫动，越来越接近我心里的那个颜色！好了，就是它！
天黑了又亮，十几个小时后，我趴在画室地面上，终于把那块巨大的地板重新刷了出来。这块地板果然成了整台话剧的一个极大的亮点，编剧还为此特别给主人公加了一句台词：“你看这昏昏沉沉地散发着诡异的灰蓝色地板，像极了你的自以为是和惶恐怯懦！”虽说一场戏中演员和台词是主角，但舞台设计的作用也不可小觑，只有完美的配合，才能呈现一部完整的作品。更重要的是，我发现当自己想要呈现的东西最终被实现时，所有的辛苦和纠结都会被大大的满足和快乐替代。
悬空宝座是这样做成的
如果说《流星》让我开始领略舞台设计的魅力，那么让我真正学到舞台设计技巧的，还得算著名的《雄鹿王》了。《雄鹿王》在话剧界是一部比较成熟的剧目，在美国已经有过多场演出经验。当听说学校要引进这个剧并由我们担当全场的舞台设计时，大家都兴奋极了。无论是阶梯、窗户、衣柜，我们都丝毫不敢马虎，为了配合这部话剧典型的Buffoonery（小丑式的滑稽诙谐）和Lazzi（一种常用在意大利即兴喜剧中的可笑对话或动作），我们还搬来了大红色的翘翘板，串连在整个话剧中，很多诙谐搞笑、妙趣横生的动作都是在这个翘翘板上完成的。但是，最让我们费心思，也最让我为之惊奇的，还得数为魔术师杜兰达尔泰制造“悬空”宝座的经历了。
杜兰达尔泰是一个拥有魔法的魔术师。话剧一开始，杜兰达尔泰要坐在高高的悬空的座椅上，给向他求助的男主角戴垃摩王子施两个魔法。在美国，由于剧场设备比较成熟，演员在出演这一幕时一般直接在舞台上吊威亚，但是由于学校的剧场比较小，吊威亚行不通。于是导演迪米特里·特罗亚诺夫斯基便建议我们用另一种方式——利用舞台空间来营造悬空感。
在他的指导下，我们在舞台的天幕上用了三种不同质地的布料。第一层用透视的带彩色闪丝的白色纱织幕布，第二层是透视的不带闪丝的白色纱织幕布，第三层则用了浅灰色的纱织幕布，三层幕布一叠加，若隐若现的感觉就出来了。“不错，现在在第二层幕布后放上道具！”我们赶紧找来一张银色的梯子，由于梯子很窄，颜色又与第三层浅灰色纱织幕布非常相近，再加上前两层幕布的遮挡，几乎看不出来。打好了基础，我们又在梯子上放置了一张金色的座椅，并围着座椅加了几盏彩色的小灯，让观众把注意力都吸引到座椅上去。一切准备就绪，我们试着喷上干冰，打上昏暗的灯光，结果从观众席上看去，那张椅子果然就像悬空了一样！
太厉害了！之前我一直在学空间的划分，但通过空间划分营造这样的视觉效果，还是我第一次尝试。整个过程我充满了新鲜感，却也发现舞台设计需要学习的东西实在是太多了！
5件道具一部戏的启示
大三之后，我开始接触一些商业性演出的舞台设计。《最后十四节星期二的课》是最近让我很有触动一部话剧。话剧讲述的是一个毕业生经历了人生变故，与成了“渐冻人”的老师十四次对话中懂得人生的一个故事。
话剧的舞台设计是早我三届毕业的学长。他仅仅用一架钢琴、一张桌子、两张椅子、一张床这5件主要道具就完成了一部3小时话剧的所有舞台设计。钢琴用不同节奏的音乐传达毕业生的心情变化；桌子同时担当着老师的办公桌和食物置放台的功能；两张椅子记录着毕业生和老师之间的情感交流；而从椅子到床，则是老师逐渐病重并最终走向死亡的过渡。
看完这部戏，我得到了一些新的启示。在舞台设计中，我们往往都力求每一个道具和布景都要完美，但也正因如此，很容易带上设计者的个人情感，而忘记了推动情节。原来舞台道具不在于多，而在于能否最大限度体现剧本的精髓，这也能体现出舞台设计者的功力。
这一点也对我之后的舞台设计产生了很大的影响。现在我正在做话剧《那年春天》的舞美设计，其中有一幕是女主人公因为无法接受男主人公已经死亡的事实，把自己关在舞蹈室里跳芭蕾的场景。这一幕无论是音乐还是旁白，都在渲染一种不安的、绝望的情绪，我设计的重点正是如何通过布景和道具强化这样的情绪。
最初我的设想是做一个密闭的空间，一面大镜子正对着舞台，左右两面墙上用投影来播放男女主人公过去的故事，女主人公拿着男主角的照片流泪，配上追光灯。可很快我就否定了它。对于空间来讲，靠近观众的那一面必然是敞开的，即使加上了两面墙，依旧无法达到“封闭”的效果，不如就将整个剧院作为一个空间，所有观众都置身在这个空间内！于是我撤走了舞台上左右两面墙，决定将投影直接投放在整个剧院里。
如此尝试了一下，煽情效果不错。但这么一来，让人更多感受到的是女主人公思念的情绪，却很难体现出她的不安和绝望。“是不是有太多干扰的因素了？”脑子里一个声音对我说。深思熟虑后，我把照片、投影通通撤走，只留镜子！
但同时，我也将这面镜子做了处理。虽然一面大镜子可以把演员的快速旋转和跳跃双倍呈现出来，仿佛是主人公的另一个自我一样。但是这还不够！要是同时能在舞台上显现出3个或者更多主人公的“分身”，效果一定会更有冲击力。于是，我把这面大镜子换成了由6面小镜子的组合成的镜子，而且让每个镜子都可以自由移动。
灯光从舞台的顶端打下来，和着音乐，女主人公舞蹈起来。节奏迅速地变换着，6面镜子开始由慢至快地移动起来，从不同角度映出女主角的动作和表情。一种凌乱嘈杂的气氛逐渐铺陈开来，女主人公波动的情绪和歇斯底里的状态一览无遗。看完这一幕彩排，大家都激动得鼓起掌来。只用镜子一件道具就让演出在观众心里引起共鸣，也许就是舞台设计最有价值的体现了吧！
责任编辑：曹晓晨