iLOOK杂志联手福特中国，推出“新中国人”系列纪录片专题。在这个专题中，我们讲述了20位“新中国人”的故事，他们或来自艺术领域时尚前沿，或植根于传统发扬中国文化；他们创新生活方式，执着于梦想；他们是新锐年轻极富独立思考能力的一群，也是在各自领域不断开拓新方向的一群。
　　宋昭┃艺术家要做别人没做过的


　　宋昭，先锋大提琴艺术家，“无声社”创始人。1976年出生于中国天津，6岁学习大提琴，十余年漫长的学院派生活逐渐形成其“博学”的艺术风格。数年来，宋昭为各种影视、歌剧、舞剧作品创作了大量的大提琴弦乐，与此同时，他在各地艺术区活动中频繁进行现场即兴音乐作品演出，其独特的音乐艺术风格获得了国内外诸多艺术家的赞誉。


　　先锋、跨界、创新、生命是我们此次聊天的四个关键词，宋昭说起话来的样子，一如他拉奏着大提琴时的状态——不紧不慢，恰到好处。他说，艺术的创新在于不断开拓新的领域，将大提琴作为一种音乐元素融合其他的艺术形式，给观众带来一种与众不同的感官体验。
　　先锋
　　在宋昭看来，先锋的意义，在于艺术家做好艺术的传承工作的同时，也要敢于去尝试前人没有涉及过的领域。在他熟识的艺术家当中，大多都有过这样的疑问——艺术家到底要做什么？他觉得，这个问题其实并不重要，关键在于你想干什么，你的使命在哪儿？艺术家受人尊敬的地方在于——找到自己的方向，做别人没有做过的事情。但现在的状况普遍是：什么画能赚钱，大家就画什么；什么电影票房卖座，导演就拍什么。大家都挤在一堆，他觉得这个是违背艺术的。


　　跨界创新
　　多年的跨界经验给宋昭最直接的一个体验就是学习。每一个艺术家的工作方式都不一样，他从各种名家身上汲取了不同的养分，同时也给这些艺术家带来了新的创作方向。在这个过程中，宋昭一直思考着这样一个问题——当艺术家忽略自身最擅长的一部分，是否还能再创造？如今国内的艺术圈在他看来，创造力是最缺乏，也是最难能可贵的。在宋昭看来，艺术的创新在于不断开拓新的领域，将大提琴作为一种音乐元素融合其他的艺术形式，给观众带来一种与众不同的感官体验。
　　生命
　　孩子对于宋昭来讲，是一个平衡世界、纠正错误的天使。大提琴和孩子对于他都意味着生命。艺术是一种信仰，这种信仰会产生一种向上和向善的力，这种力推着宋昭不断地往新的领域里钻，因为他明白，艺术的真正局限在于人，如果把人的局限打开了，那么乐器就没有局限可言了，而创新正是来源于此。
　　朱砂和王咪┃逆流而上的纸媒人
　　朱砂曾在法国学习过艺术，说话时，语速很快，有趣、博闻。王咪毕业于美国加州大学伯克利分校，典型北京大妞式的爽朗性格，喜欢帮爱较真的朱砂解决一些他解决不了的问题。而这对1988年生的海归小夫妻，在被唱衰了多年的传统纸媒时代，却逆潮流地共同建立了平面设计和图书出版工作室“一千遍”。


　　“一千遍”
　　关于工作室为什么叫“一千遍”这样奇怪的名字，朱砂说，其实名字这个事不重要，无论设计还是出版都是传播，而重复一千遍就会变成真理。他们工作室的业务大部分集中在平面设计，但最终落到出版相关的一些事，主要会涉及书籍装帧、艺术家的画册和出版等方面。
　　朱砂认为设计是一个服务业，它是在使用美术解决问题，每次都有一个针对性，而不应该有一个固定的模式。他特别抵触客户提“好看”这两个字眼，因为每个人对好看的定义都不一样。而他觉得，“一千遍”设计工作室的使命在于给品牌树立起统一的主体形象，而不单单停留在“好看”的层面。


　　传统纸媒的创新
　　他们在做一本书时，会花最长的时间，选择最合适的材质，尽可能尊重和还原作者的表达意图。他们的目的，是为纸质书摘掉所有标签，去除所有商业化的操作。
　　这一点在他们与理想国合作出版的朱新建随笔集《打回原形》中，就把这种理念完美地呈现了出来。如果按照市场的需求，用一张朱新建画的美人图做封面，那大概是最能吸引读者购买的设计。但朱砂却给出了一个白色的封面，腰封上，除了书名和作者，也就只有朱新建的一段语录。他希望以这个空白的设计，为父亲摘掉所有的标签，让大家从文字里重新理解父亲的绘画。就像被他选作书名的这四个字，他希望把父亲“打回原形”。


　　这就是“一千遍”工作室想做的设计，看上去很理想、很艺术，似乎不具备卖钱的功能。而他们所选择的项目，也都是非主流图书、文艺电影、展览和话剧这些挣不了大钱的案子。但朱砂和王咪都觉得现在很好，“一千遍”不是广告公司，也不是设计公司，就是一个有点儿情怀的家庭作坊。他们只是出于对图书出版的兴趣与热爱，坚持将传统的工作方式做好，将创意的设计和精致的内容呈现给那一小撮的人就足够了。
　　张大为和王旎┃像手艺人一样做建筑设计


　　“左右建筑”设计工作室的主人张大为和王旎，虽然都是从国外留学归来，学的也都是西方的建筑理论，但他们却痴迷于中国的传统文化。当很多建筑设计师都在张罗大项目的时候，他们却愿意精雕细琢每一个细节，像手艺人一样静下心来做建筑。 　　立足传统
　　关于工作室名字的由来，张大为说，从诗经里面的“左之左之，君子宜之。右之右之，君子有之”到拙政园的匾额——左通右达，中国文化中那种一脉相承的气韵非常符合他们的建筑理念。他们认为，中国文化是他们骨子里的东西，而西方建筑是后天学来的手段，用这种手段将东方的传统文化浇铸到现代的建筑设计当中去，就是他们理解的创新精神。


　　传承并创新着
　　当他俩在做建筑设计的时候，无论是对细节的把握，还是对完成度的要求，都像工匠一样打磨设计中的每一个细节。在他们看来，如果只是符号化地将东方传统简单地凝聚在个别元素上，人们将只会看到表象的中国元素，无法体会其中的文化内涵，也无法让传统文化与现代生活产生对话。而他们要做的就是追求国际背景下的传承和创新，探索传统文化的现代精神。
　　至于设计的理念和工作室的未来，他们更是高度的统一。尽管在大都市里，每天都在进行着建筑奇观竞赛，奇形怪状的摩天大楼遍地都是。但面对这股宏大叙事的风潮，左右建筑还是更欣赏苏州园林的小而美。所以张大为和王旎决定不去追赶潮流，宁愿在自家院落里建造一处精致的园林，也不去建造那一时惊叹却注定毫无回味的摩天大楼。


　　李若帆┃最是旧曾相识的美好
　　2000年年初的北京，一批深受西洋文化影响的“70后”徒手开拓了北京的新时代。李若帆和她的朋友们是第一批人，一点点、以小聚多地，率先改变了这座城市的美学生活风貌。而那时的北京还是一个原始混乱、文化披着浪子的外衣的城市。
　　失物招领
　　大学时，李若帆学的是首饰设计专业，毕业后，时代无法给予合适的就业出口，但对美的启蒙引领着她慢慢摸索，直到水到渠成。从最初的雕刻时光咖啡馆，到后来与几个朋友一起张罗开设的独立家具平牌——失物招领。“被时代推着走”之后，李若帆给出了对岁月的答案：溜走的，可以在物件、家具中保留至终，一项用心制作的手艺，从来经得住与时间抗衡。


　　2008年4月，首家失物招领在北京古老的国子监街开门迎客。时隔三年，失物招领二店在斜对角的57号诞生。四周没有特别高大的楼宇，唯有国子监街特有的传统气息萦绕在侧，淡淡的阳光散落在屋顶，氤氲出静谧温馨。
　　通透的玻璃窗摇曳着内室的安闲，中厅内的植物虽不若外面的树木攀升，但也绿意葱茏、草青叶绿，似家的恬静又如家的闲适。店内错落陈列的家具，和着简约的基调漫射开来，伴着屋外的鸟鸣唱着和声；粗放而细致的手作陶瓷以高要求的质感和深厚的文化底蕴，昭示着一种思想的汇聚和心灵的沟通，用最原始的方式演绎着平凡而欢愉的品质生活。


　　失物招领的家具简单、朴素、平和，尽量使用实木。灵感来源有时是胡同口一把无人认领的破旧的沙发椅，有时是街上下象棋的大爷坐的小板凳。那些五六十年代的中国老家具透露出来克难、乐观、简朴的生活态度，和现在快速消费的方式截然相反。
　　旧物之美
　　李若帆喜欢旧物的美感，因为那上面有“人”的存在。她希望所有的家具，不管是什么样的风格，都需要有一点“慢”的味道，那些日子用久了的家具，慢慢会变成一个有情感寄托的物件。


　　来北京的这些年，李若帆亲眼目睹了一些美丽的老街、古建筑的消失。而她却一直努力将老北京一些旧的生活元素提炼融入到今天的家具制作工艺中。只有不断地继承和延续曾经的美好，交出有品质的设计和产品，同时把你对旧时光的眷恋演变为你对这个世界的善意，满怀敬意去制作最质朴的东西，才会让使用它的人们感觉到温暖。而这整个过程，或许就是“失物招领”创新精神之所在。
　　不论是通过跨界而寻找大提琴新的可能性的宋昭，还是逆流而上坚守纸媒的“一千遍工作室”，或是以手艺人的态度对话东西的“左右建筑”，抑或从旧物中寻找生活美学的李若帆，这些都是属于“新中国人”的故事，他们来自各行各业，但在他们身上，都能看见创新的光在闪。或许正如洪晃所言：“新中国人讲的是正在进入社会主流的一代艺术家，他们的理想是中国梦；他们的生活方式就是时尚；他们就是未来的中国。”而这也是福特中国携手iLOOK希望倡导的未来的中国。