二十世纪西方音乐创作是一个多元化发展的“个性化写作”时期。纵观整个二十世纪的作曲家风格，很难找到常见的音乐作品。因为二十世纪的音乐创作并没有被某种创造性的思想或流派所支配。作曲家们不断地追求作品的新颖性，围绕着一个“新”词进行各种实验和探索。因笔者所学专业是室内乐演奏与教学，对弦乐四重奏有一定的研究与了解，所以本文将从现代派各作曲家的弦乐四重奏作品入手探讨它们在这一时期所表现出来的变化与特征，以期对20 世纪的和声观念与特征作初步地探讨。
　　20世纪，在不同的政治文化背景和不同的音乐文化观念的控制下，作曲家的音乐思维和作曲方法更加多样化，逐渐形成了各种流派和作曲方法并存的格局。过去，音乐风格一直占主导地位，但在20世纪，几种不同的、甚至对立的音乐趋势并行发展。二十世纪提倡个性和多样化的思维方式，为作曲家充分发挥自己的想象力，表现独特的个性提供了更大的空间。其中，和声作为音乐作品中最重要的元素之一，与20世纪其他作曲方法一样，在音乐的发展中具有许多不同的概念和特征。
　　从古典派到浪漫派，旋律始终处于“领头羊”的位置，在结构上往往体现出对称、重复这一特征，即继承与结合的关系。然而，20世纪作曲家由于创作思维的转变，对具有极端情感流出的音乐的排斥，必然导致对旋律意义的重新认识和创作手法的更新。从许多例子中，我们可以看出20世纪音乐的旋律：句子之间的不对称取代了对称；广泛使用的大跳跃间隔取代基于二阶关系的音阶；独特的器乐特征取代了主要的写作风格。
　　《三首弦乐四重奏小品》是斯特拉文斯基的早期室内乐作品之一。作品运用了多种音高材料、个性化的节奏、新颖的表演与编排、独特的音色布局与音乐结构等，获得了独特的音响效果。其简洁而婉拒的音乐词汇预示着新古典主义作曲家风格的转变。
　　斯特拉文斯基的非三度重叠和弦结构突破了以小三和弦为基础的大、小和弦体系，形成了新的和声材料。其非三度重叠和弦结构，包括纯四度重叠、纯五度重叠和二度重叠，形成了四度和弦、五度和弦或二度和弦以及上述和弦的混合形式。
　　在和声方面，斯特拉文斯基逐渐抛弃了传统的功能逻辑。斯特拉文斯基作品中的和声和对位不同于纵向和弦在传统音调功能时期的组合。斯特拉文斯基的音乐强调世纪音乐对巴赫的重要性。从感官的和谐、绚丽的色彩到强烈的旋律和清晰的肌理。在他的室內音乐中，斯特拉文斯基避免了强烈的情感冲突和描述性的话语。
　　他准确地控制了音乐的进行，在旋律线和动机的互动中具有很强的凝聚力。同时，斯特拉文斯基将不和谐状态提升为独立存在的意义。这些作品充满了现代的不和谐形式。不协调带来的运动能量促进织物的发展。作品是由多条旋律线编织而成的线状纹理。它强调了对位线的交织。在这种审美趣味和创作意志的指导下，斯特拉文斯基的作品在和谐结构、和谐进程等和谐要素上发生了复杂的变化。
　　韦伯恩《六首弦乐四重奏》Op.9作于1911—1913年，它以无调性音乐语言为基础，在结构上越来越简单化和精细化。人们常常认为，无调性音乐中的和声仅仅是旋律线条组合的结果，这是逃避问题。它不是基于严格的对位处理的无调性作品，但一般来说，和声和旋律线条元素都相互渗透，而不是像调性音乐那样部分地相互渗透。
　　在音乐结构上，斯特拉文斯基始终坚持传统的结构原则，如第三乐章中赋格乐段的调性布局，以及赋格的传统调性原则。斯特拉文斯基熟悉创作规则，但他从不坚持形式。斯特拉文斯基以逻辑的方式突破了传统的规则和框架，将赋格写作技巧和旋律结构结合起来，形成了一种新的音乐结构。
　　勋伯格的《弦乐四重奏》既继承了弦乐四重奏的传统，又表现出鲜明的创新性，对未来弦乐四重奏的发展起到了很大的启示作用。作为勋伯格的弟子，韦伯恩和贝尔格都在写作初期继承了他的写作技巧。
　　韦伯恩采用特殊的双调性设计、重复的中心音调、重音的强拍、对称的布局等方式来反映隐藏的音调，同时安排各关键部分的不同形式的隐藏音调的某些功能环节，反映无声调的音乐。在技术的多样性和隐蔽性方面。潜调性原则下的创作将使音乐作品围绕潜调性设计布局展开，使作品更加逻辑统一。