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郭 雪/编译
许多爵士钢琴家不仅精通爵士乐，而且熟知欧洲各类古典钢琴音乐。爵士钢琴家比尔·艾文斯（Bill Evans）①和贺比·汉考克(Herbie Hancock)②的音乐，明显受到德彪西等印象派作曲家的影响。麦克柯伊·泰恩(McCoy Tyner)③、齐可·克瑞亚(Chick Corea)④的作品，能让人感受到巴托克的音乐风格。阿特·塔图姆(Art Tatum)⑤作品中的跑动音型，会使人联想到肖邦和李斯特的作品。阿特·塔图姆则经常改编古典钢琴作品的音乐片段，如他就曾截取德沃夏克的《幽默曲》和鲁宾斯坦的《F大调旋律》的音乐片段用于爵士乐。
通过试听、改编、分析和即兴弹奏，爵士钢琴家越来越精通爵士乐的音乐语汇及弹奏风格。然而，作为即兴演奏者，他们必须像作曲家一样思考，寻找可以改编、发展的音乐素材，由此形成独具个性的音乐风格。这些音乐素材虽然大都直接取材于爵士乐演奏家即兴演奏的音乐作品，不过，另外也有其它更丰富的音乐素材可以采用。
有一方面经常为大家所忽略，那就是爵士钢琴家经常采择古典钢琴音乐作品中的某些乐章和音乐片段，用于爵士乐语汇。尽管用爵士乐器（如贝司、鼓、萨克斯、小号）演奏古典钢琴作品会受到很大限制，但是爵士钢琴家还是融合了各种古典音乐元素，使爵士乐的音乐语汇和表演技巧变得更为丰富。
大部分的爵士乐钢琴家接受音乐启蒙教育之初，就是练习弹奏古典钢琴作品，这种经历对他们学习爵士乐具有重要意义。他们能很好地理解大小调和弦关系，能创造性地改变节奏，充分地利用古典钢琴作品中的和声技术。可以说，古典钢琴是爵士乐取之不尽的音乐素材和灵感源泉。古典钢琴家从这些音乐中获益，他们知道，在演奏中运用爵士和声与爵士和弦，能为爵士乐的即兴演奏奠定良好的基础。
爵士钢琴演奏者充分利用古典钢琴音乐的和声技术，取得了明显的成果。换言之，爵士和声为和声的发展开辟了新的天地。19世纪初期的古典音乐，特别是在德彪西、拉威尔、斯克里亚宾和巴托克的音乐作品中，包含了丰富而有趣的和声、和声进行与多声部的音乐结构，爵士乐钢琴家均将之纳为爵士乐的创作元素，甚至在勋伯格十二音体系的作品中，已经发现了现代的爵士和声。20世纪，和声的概念继续在爵士乐语汇中发展。曼哈顿音乐学院的柳德米拉·乌列赫拉(Ludmila Ulehla)教授撰写的《当代的和声》(Contemporary Harmony-Romanticism through the Twelve-Tone row)一书，就是很好的例子。这本书脱销了很长时间，现由先进音乐出版社（advance music）再版。毫无疑问，爵士钢琴演奏者们对这本书很有兴趣。
爵士钢琴家，例如格什温(Gershwin)、科尔·波特(Cole Porter)⑥、杰罗姆·科恩(Jerome Kern)⑦，在自己的原创作品中，经常探索新的和弦声部与和声连接。例如，德彪西的作品，在声部与和声进行方面就表现得非常有趣，这种方式就被爵士钢琴家所采用。在旋律与和声方面，他则经常放弃传统的大小调和声体系而使用多种调式。在爵士乐和声中，一个和弦通常不被看作是一组音程，而是看作调式或和弦音阶的一部分。
如在德彪西的《月光》中，我们不仅能看到一个降e小调的基本和弦，而且所有的音（除了降A）都在降e调的多里亚调式上。在降e小调中，F与降G半音之间的不协和效果，经常用于爵士乐。
有多种方式融合古典音乐元素，以形成爵士乐的音乐语汇。如果你能全面地学习和声，就可以在演奏中立刻使用他们。你可以尝试每次在一个声部，或者整个乐段进行转调，或者使用不同的音域，也可以增加声部或减少声部。除此之外，还可以把和弦看作一个单独的声部，也可以试着把整个乐句放在固定的节奏型中弹奏。在爵士乐中使用一种新的节奏，如12/8拍乐曲中使用八分音符的三连音，听起来会有非洲古巴音乐的感觉。
印象派常用全音音阶调式。德彪西的前奏曲《帆》，可以证明他对全音音阶调式很感兴趣。在全音音阶中，和声强调升四音和升五音的五级七和弦（或者升十一音）。在《版画集》中的《格拉那达之夜》，我们能看到升C音上的五级七和弦，升四级音和升五级音贯穿于整个全音阶的乐句，最后升C音解决到升F音。在这段乐章的弹奏处理上，乐段的安排以及和弦进行上可以弹奏得非常突出。而在比博普（Be-bop）爵士乐的代表塞隆尼斯·孟克(Thelonious Monk)⑧和巴德·鲍威尔(Bud Powell)⑨的音乐作品中，就经常使用全音音阶。
另外，在相同的旋律音符或乐句中，可以尝试配置不同的和声（包括根音与和弦类型）。在《雪中足迹》中，就采用AABA的结构，使相同的旋律动机反复再现。德彪西采用各种方法为D—E，E—F动机的复现，配置不同的和声，这种配置不同和声的方法可以打破常规的和声乐曲，很利于爵士乐的即兴演奏。
其他的和声配置方法在爵士乐中也很流行。在麦克柯伊·泰恩、齐可·瑞亚的音乐中，经常使用旋律的四级音、四级和弦和五声音阶的和声。这些和声方法可以追溯到巴托克的音乐，巴托克的作品已经明显受到了爵士乐的影响。
20世纪之前,音乐中和声的进行、声部和音阶同样令人感兴趣。例如，作曲家舒伯特通过转调连接各种调式的新颖方法，今天听起来仍然耳目一新。他在为一个曲调配置和声时，往往通过一个音程进行远关系转调，这种方法值得深入研究。
爵士乐钢琴家们作为即兴演奏者，必须能够即时创作旋律。古典音乐作品包含了无数的旋律和音型，其中许多音乐片段就被爵士乐钢琴家作了重新改编。爵士乐钢琴家通过采用一个小的乐段和组合大的乐段，对之稍作改编后用于爵士乐。如转移节奏重音，使用更多的切分节奏，或者使和声复杂化，上述方式均可以将古典音乐片段直接改编成为可用的爵士乐素材。
在莫扎特的钢琴协奏曲中，跑动音型就非常适合爵士乐的即兴演奏。《钢琴协奏曲K466》中，通过简单的F三和弦原位及其转位的进行，强调了第二拍的F大三和弦。爵士乐钢琴家通过创造性地改编这些乐句，使之能成为爵士乐元素的一部分。如果作为上面结构的F大三和弦换作不同的和声——这个和弦不是形成于和弦的根音，而是形成于和弦的扩展——那么这种琶音跑动将非常适合爵士乐的演奏。把它们变为四分音符的三连音，使节奏变得不规则；或者左手弹奏强拍，打破节奏的规律性。这两种方法会造成不同形式的切分节奏，使乐曲听起来没有强弱规律。上述调整，非常适合快速弹奏八分音符的跑动音型，而原来的十六分音符仅能在慢速或者是中速弹奏时使用。
在一个音型中重复使用同一动机超过两次，弹奏起来就像是装饰性的跑动。然而更糟的是，在即兴演奏中，音乐听起来更像是某种弹奏练习而非即兴的旋律。为避免这个问题，我们建议在乐段中插入其它的旋律，或者是在结尾处加入新的音乐素材。结尾往往是音乐的高潮，也是听者容易记住的部分。所以，为乐曲结尾的旋律选择一种适合的音型，使之形成完整的音乐结构很有必要。莫扎特乐曲中的基本音乐结构，是半音转换音型、节奏变奏（在第2拍）、转调（在第3拍）以及扩展的结尾。
爵士乐钢琴家即兴演奏时，惯用的弹奏方式是——右手弹奏简单的旋律线，左手弹奏强调节奏的短小乐句。古典作品还有各种各样的音乐形式，它们能丰富爵士乐钢琴家的音乐语汇，以此获得比原作更丰富的表现效果。这些音乐形式包括左手及双手的音型、双手交叉的音型、八度技术以及和弦的运用。
肖邦夜曲中有适合左手弹奏的音型，这种音型适合叙事风格的音乐。在肖邦夜曲op.9/1，左手的音型可以用3/4或者是6/4拍弹奏，也可以采用其它方式的改编进行弹奏。通过不使用踏板的方法改变了原来的音型（变化了根音形成了新的和声），缩短了音程距离。这种音型也可以改编为4/4拍的八分音符的三连音。
李斯特和拉赫玛尼诺夫作品中的双手音型，能帮助爵士钢琴家们摆脱简单的旋律线条的跑动。在拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》中，恰恰就有这种音型。从C到C7（升11音和升5音）具有爵士和声的效果。这种两手交叉弹奏的三连音已经成为爵士乐钢琴常用的弹奏法，给爵士乐带来了许多节奏变化。
你将发现，古典钢琴作品的音乐素材在爵士乐中发生了很多变化。通过富有想象力的探索，古典音乐可以扩展爵士乐器的性能、增强爵士乐的调式感、发展爵士乐的弹奏技巧。由此可见，改编一个古典钢琴乐句，会产生一个全新的乐句和音乐风格，与单纯学习爵士乐相比，古典音乐的学习为弹奏及创作爵士乐创造了更好条件。
①比尔
许多爵士钢琴家不仅精通爵士乐，而且熟知欧洲各类古典钢琴音乐。爵士钢琴家比尔·艾文斯（Bill Evans）①和贺比·汉考克(Herbie Hancock)②的音乐，明显受到德彪西等印象派作曲家的影响。麦克柯伊·泰恩(McCoy Tyner)③、齐可·克瑞亚(Chick Corea)④的作品，能让人感受到巴托克的音乐风格。阿特·塔图姆(Art Tatum)⑤作品中的跑动音型，会使人联想到肖邦和李斯特的作品。阿特·塔图姆则经常改编古典钢琴作品的音乐片段，如他就曾截取德沃夏克的《幽默曲》和鲁宾斯坦的《F大调旋律》的音乐片段用于爵士乐。
通过试听、改编、分析和即兴弹奏，爵士钢琴家越来越精通爵士乐的音乐语汇及弹奏风格。然而，作为即兴演奏者，他们必须像作曲家一样思考，寻找可以改编、发展的音乐素材，由此形成独具个性的音乐风格。这些音乐素材虽然大都直接取材于爵士乐演奏家即兴演奏的音乐作品，不过，另外也有其它更丰富的音乐素材可以采用。
有一方面经常为大家所忽略，那就是爵士钢琴家经常采择古典钢琴音乐作品中的某些乐章和音乐片段，用于爵士乐语汇。尽管用爵士乐器（如贝司、鼓、萨克斯、小号）演奏古典钢琴作品会受到很大限制，但是爵士钢琴家还是融合了各种古典音乐元素，使爵士乐的音乐语汇和表演技巧变得更为丰富。
大部分的爵士乐钢琴家接受音乐启蒙教育之初，就是练习弹奏古典钢琴作品，这种经历对他们学习爵士乐具有重要意义。他们能很好地理解大小调和弦关系，能创造性地改变节奏，充分地利用古典钢琴作品中的和声技术。可以说，古典钢琴是爵士乐取之不尽的音乐素材和灵感源泉。古典钢琴家从这些音乐中获益，他们知道，在演奏中运用爵士和声与爵士和弦，能为爵士乐的即兴演奏奠定良好的基础。
爵士钢琴演奏者充分利用古典钢琴音乐的和声技术，取得了明显的成果。换言之，爵士和声为和声的发展开辟了新的天地。19世纪初期的古典音乐，特别是在德彪西、拉威尔、斯克里亚宾和巴托克的音乐作品中，包含了丰富而有趣的和声、和声进行与多声部的音乐结构，爵士乐钢琴家均将之纳为爵士乐的创作元素，甚至在勋伯格十二音体系的作品中，已经发现了现代的爵士和声。20世纪，和声的概念继续在爵士乐语汇中发展。曼哈顿音乐学院的柳德米拉·乌列赫拉(Ludmila Ulehla)教授撰写的《当代的和声》(Contemporary Harmony-Romanticism through the Twelve-Tone row)一书，就是很好的例子。这本书脱销了很长时间，现由先进音乐出版社（advance music）再版。毫无疑问，爵士钢琴演奏者们对这本书很有兴趣。
爵士钢琴家，例如格什温(Gershwin)、科尔·波特(Cole Porter)⑥、杰罗姆·科恩(Jerome Kern)⑦，在自己的原创作品中，经常探索新的和弦声部与和声连接。例如，德彪西的作品，在声部与和声进行方面就表现得非常有趣，这种方式就被爵士钢琴家所采用。在旋律与和声方面，他则经常放弃传统的大小调和声体系而使用多种调式。在爵士乐和声中，一个和弦通常不被看作是一组音程，而是看作调式或和弦音阶的一部分。
如在德彪西的《月光》中，我们不仅能看到一个降e小调的基本和弦，而且所有的音（除了降A）都在降e调的多里亚调式上。在降e小调中，F与降G半音之间的不协和效果，经常用于爵士乐。
有多种方式融合古典音乐元素，以形成爵士乐的音乐语汇。如果你能全面地学习和声，就可以在演奏中立刻使用他们。你可以尝试每次在一个声部，或者整个乐段进行转调，或者使用不同的音域，也可以增加声部或减少声部。除此之外，还可以把和弦看作一个单独的声部，也可以试着把整个乐句放在固定的节奏型中弹奏。在爵士乐中使用一种新的节奏，如12/8拍乐曲中使用八分音符的三连音，听起来会有非洲古巴音乐的感觉。
印象派常用全音音阶调式。德彪西的前奏曲《帆》，可以证明他对全音音阶调式很感兴趣。在全音音阶中，和声强调升四音和升五音的五级七和弦（或者升十一音）。在《版画集》中的《格拉那达之夜》，我们能看到升C音上的五级七和弦，升四级音和升五级音贯穿于整个全音阶的乐句，最后升C音解决到升F音。在这段乐章的弹奏处理上，乐段的安排以及和弦进行上可以弹奏得非常突出。而在比博普（Be-bop）爵士乐的代表塞隆尼斯·孟克(Thelonious Monk)⑧和巴德·鲍威尔(Bud Powell)⑨的音乐作品中，就经常使用全音音阶。
另外，在相同的旋律音符或乐句中，可以尝试配置不同的和声（包括根音与和弦类型）。在《雪中足迹》中，就采用AABA的结构，使相同的旋律动机反复再现。德彪西采用各种方法为D—E，E—F动机的复现，配置不同的和声，这种配置不同和声的方法可以打破常规的和声乐曲，很利于爵士乐的即兴演奏。
其他的和声配置方法在爵士乐中也很流行。在麦克柯伊·泰恩、齐可·瑞亚的音乐中，经常使用旋律的四级音、四级和弦和五声音阶的和声。这些和声方法可以追溯到巴托克的音乐，巴托克的作品已经明显受到了爵士乐的影响。
20世纪之前,音乐中和声的进行、声部和音阶同样令人感兴趣。例如，作曲家舒伯特通过转调连接各种调式的新颖方法，今天听起来仍然耳目一新。他在为一个曲调配置和声时，往往通过一个音程进行远关系转调，这种方法值得深入研究。
爵士乐钢琴家们作为即兴演奏者，必须能够即时创作旋律。古典音乐作品包含了无数的旋律和音型，其中许多音乐片段就被爵士乐钢琴家作了重新改编。爵士乐钢琴家通过采用一个小的乐段和组合大的乐段，对之稍作改编后用于爵士乐。如转移节奏重音，使用更多的切分节奏，或者使和声复杂化，上述方式均可以将古典音乐片段直接改编成为可用的爵士乐素材。
在莫扎特的钢琴协奏曲中，跑动音型就非常适合爵士乐的即兴演奏。《钢琴协奏曲K466》中，通过简单的F三和弦原位及其转位的进行，强调了第二拍的F大三和弦。爵士乐钢琴家通过创造性地改编这些乐句，使之能成为爵士乐元素的一部分。如果作为上面结构的F大三和弦换作不同的和声——这个和弦不是形成于和弦的根音，而是形成于和弦的扩展——那么这种琶音跑动将非常适合爵士乐的演奏。把它们变为四分音符的三连音，使节奏变得不规则；或者左手弹奏强拍，打破节奏的规律性。这两种方法会造成不同形式的切分节奏，使乐曲听起来没有强弱规律。上述调整，非常适合快速弹奏八分音符的跑动音型，而原来的十六分音符仅能在慢速或者是中速弹奏时使用。
在一个音型中重复使用同一动机超过两次，弹奏起来就像是装饰性的跑动。然而更糟的是，在即兴演奏中，音乐听起来更像是某种弹奏练习而非即兴的旋律。为避免这个问题，我们建议在乐段中插入其它的旋律，或者是在结尾处加入新的音乐素材。结尾往往是音乐的高潮，也是听者容易记住的部分。所以，为乐曲结尾的旋律选择一种适合的音型，使之形成完整的音乐结构很有必要。莫扎特乐曲中的基本音乐结构，是半音转换音型、节奏变奏（在第2拍）、转调（在第3拍）以及扩展的结尾。
爵士乐钢琴家即兴演奏时，惯用的弹奏方式是——右手弹奏简单的旋律线，左手弹奏强调节奏的短小乐句。古典作品还有各种各样的音乐形式，它们能丰富爵士乐钢琴家的音乐语汇，以此获得比原作更丰富的表现效果。这些音乐形式包括左手及双手的音型、双手交叉的音型、八度技术以及和弦的运用。
肖邦夜曲中有适合左手弹奏的音型，这种音型适合叙事风格的音乐。在肖邦夜曲op.9/1，左手的音型可以用3/4或者是6/4拍弹奏，也可以采用其它方式的改编进行弹奏。通过不使用踏板的方法改变了原来的音型（变化了根音形成了新的和声），缩短了音程距离。这种音型也可以改编为4/4拍的八分音符的三连音。
李斯特和拉赫玛尼诺夫作品中的双手音型，能帮助爵士钢琴家们摆脱简单的旋律线条的跑动。在拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》中，恰恰就有这种音型。从C到C7（升11音和升5音）具有爵士和声的效果。这种两手交叉弹奏的三连音已经成为爵士乐钢琴常用的弹奏法，给爵士乐带来了许多节奏变化。
你将发现，古典钢琴作品的音乐素材在爵士乐中发生了很多变化。通过富有想象力的探索，古典音乐可以扩展爵士乐器的性能、增强爵士乐的调式感、发展爵士乐的弹奏技巧。由此可见，改编一个古典钢琴乐句，会产生一个全新的乐句和音乐风格，与单纯学习爵士乐相比，古典音乐的学习为弹奏及创作爵士乐创造了更好条件。
①比尔