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美国的电影事业从上世纪初发展到现在，已经形成了以好莱坞为中心向全世界辐射的态势。优良的历史环境使美国的电影艺术在全世界占据主导位置，标准化的产业流程在电影艺术的各个环节，包括编剧、导演、摄像、表演和剪辑等都形成一套严格的制作工艺。美国纽约电影学院是一所独立的电影学院，在影视人才培养上具有职业针对性，因此有许多可供国内借鉴的经验。本文将通过对该学校课程设置的研究出发，分析其影视表演人才培养的特点，以得出对国内戏剧影视表演院校发展的相关经验和启示。
1 注重综合技能的培养
我们目前国内影视表演人才培养，大都是沿袭上世纪50年代前苏联的模式，注重以科学研究的方法对演员的各个技能做专门训练。在这种模式下，演员的主要必修课主要分为声乐、台词、形体和表演；在表演课当中，演员要花一个学期甚至一年的时间用来做基础训练，对表演当中的“七力四感”做单独地针对性训练。在这种模式下，我国确实培养出了一批优秀的演员，他们至今还活跃在影视前线。总体来说，我们目前的影视表演人才培养在课程设置上较专门，教授的内容基本都在表演技能的范畴当中。
美国纽约电影学院的课程设置与我们国内不同，该院校的影视表演人才培养课程更具有综合性，而这种综合性在某种意义上更符合当下社会对影视人才的需求。在这一点上，严格来说不只是纽约电影学院，其他地区的院校都注重学生综合技能的培养。如台湾的艺术院校在表演专业上会安排学生学习编剧、舞美和导演课程等。在美国纽约电影学院表演专业开设的课程当中，有一门课程为《Film Craft（电影技术）》，在這门课程当中学生要学习关于编剧、导演、摄像和剪辑的相关知识，学生要学习如何编构一个剧本、设计现场调度、操作摄像机以及通过苹果电脑的Final Cut pro软件进行作品的剪辑。
从电影工业的发展对演员提出的新要求来看，《电影技术》课程的开设具有重要的意义，如上世纪戏剧大师布莱希特提出的“陌生化效果”一样，想要全面了解一个事物，就要从各个角度去观照它。影视表演也是一样的道理。现在国内的表演教学经常会出现产学脱节的现象，很大一部分原因就在于学生日常学习时更多是接触到舞台和剧场，而基本对影视的工业流程一无所知，同样的表演技能转移到影视片场时就不知该如何转换了。演员所要从事的影视产业是一个由多个部门共同组成的集合体，更多注重的是产品制作的艺术。演员作为其中的一个链条必须清楚地知道周围各个零部件的作用以及整个机器的运作模式，才能更为明白自身在其中起到哪些作用。当学生在《电影技术》课程中学习了各方面的知识之后，他能够从各个工艺的角度出发去思考角色在其中起到的作用是什么：能够更加了解编剧赋予角色的意图、导演调度安排的动机、摄像机给演员提出的要求以及剪辑部门对演员提出的要求等等。
2 注重影视实践
虽然在我国目前大部分艺术院校的影视表演教学当中实践也占了很大一部分比例，但是更多针对的是舞台的实践，缺少影视的实践环节。学生从大一入校到大四毕业，基本上每学期的汇报都是在剧场当中度过，形式包括小品汇报、经典戏剧片段以及完整剧目的表演等。这种模式的优点是训练了学生的表演技术以及调度把握等方面的能力，可以很好地完成舞台表演的要求，但是却缺乏对影视表演的相关认知和技术。
美国纽约电影学院的课程设置同样注重实践性，但是课程当中不仅注重舞台实践，同样也注重影视作品的实践，并且舞台实践更多是为影视表演实践打基础。在该院校的课程中，有一门课是《movement（动作）》，这门课程要在最后的学期汇报中展示为由音乐、灯光、调度等组成的完整小作品的演出。这门课程的重要目的其实是训练演员与其他部门合作的能力，可以配合各个戏剧元素进行表演。因此，这门课其实可以看做是为今后的片场表演打下基础。除此之外，在该学院的课程中还有一门课程叫做《影视表演》，在该课程中学生要学会在没有对手的前提下进行表演，整个教学过程需要相关的设备支撑，如摄像机、灯光和剪辑等。《影视表演》课程在4年的人才培养过程中开设4个学期，以由浅入深的方式使学生在实践中掌握影视表演的技术。
从行业角度出发，纽约电影学院在影视实践课程的安排上更贴近影视工业的需求。在他们的人才培养过程中，虽然有很多课程也是通过现场表演，但是这些更多是作为一种形式最终还是为影视表演服务的。如该学院开设的《Scene Study（片段学习）》课程，最终成果要呈现为许多经典戏剧作品片段的舞台汇报。虽然是舞台汇报的形式，但这门课程的重点是要让学生了解如何去分析剧本、将剧本中的各个要素进行分解、分析和体验等。因此，从总体的课程安排来说，纽约电影学院在整个教学过程中比较注重影视实践化教学，强调通过职业化的方式来培养影视表演人才。
3 表演技能分解更为科学，教学方法更为前沿
在影视表演技能分解教学方面，我们与美国纽约电影学院等院校有部门是相似的，除了一开始的基础训练部门。我国因为沿袭前苏联斯坦尼斯拉夫斯基学派，因此在前期演员的基础训练上是对各个基础元素进行分解式训练，如单独针对想象力、注意力、观察力的练习等。这样的做法在某种程度上是将表演作为科学来进行研究，但是也有负面的作用。通常出现的情况是，演员在进行完了一年的基础元素训练之后，在进入到片段表演时无法相对接。针对各个元素的单独训练在现在看来显得没有必要并且浪费时间，因为在演员的表演过程中斯坦尼所列出的基础元素通常都是杂糅在一起而共存的。
纽约电影学院在对表演技能的分解上更为实用，通过课程可以看出大致分为以下几个部分：行动、交流倾听、剧本分析和人物创作。在《动作》课当中，该学院从“表演即行动”出发，通过独角戏的形式让学生掌握表演的基本能力，通过现场表演让学生对表演的综合素质进行掌握；在《Meisner（迈斯纳方法）》课程当中，学生要重点掌握影视表演当中非常重要的交流与倾听的能力；通过《Scene Study（片段学习）》课程，学生要学会如何分析剧本和人物，以及对人物进行呈现等等。通过上述的一系列课程，学生可以基本掌握表演的基本技术。 《迈斯纳方法》是纽约电影学院的重要课程，同时也是目前美国重要戏剧院校的主推课程之一。该课程通过表演大师迈斯纳的训练方法着重训练演员的交流与倾听能力，而这个方面的技能培养是我国目前艺术院校的教学中所欠缺的。我们国内院校目前的《交流小品》课程更多是训练了演员的编创小品的能力，在教学目的上是有写本末倒置的。小品構思应该是编剧的事情，影视表演的学生应该了解编剧的相关知识，但是《交流小品》课程更多的是应该训练学生在表演过程真诚地聆听对手的台词以及根据接收的刺激作出相应的反应以及行动的转变。除此之外，纽约电影学院还设置了《Mask and Clown（面具和小丑表演）》以及《Physical Theatre（肢体戏剧）》课程，这两门课程是专门针对演员的肢体表现而设置的课程，教授学生如何充分将肢体动作作为符号融入到表演当中。因此，在教学方法上面，我们国内院校相对还是落后的。
4 课程设置更具针对性
如之前说所，国内的教学在主要课程上分为《声乐》、《台词》、《形体》和《表演》（简称声、台、行、表），这四门课构成了戏剧影视表演类学生的主修科目，辅助的专业课程通常有《戏剧概论》、《影视作品赏析》和《话筒前配音》等，这一套课程系统的历史之久几乎伴随着表演专业在中国开设到现在。严格来说，《声乐课》和《形体课》虽然是斯坦尼体系当中的一部分，但是发展到中国已经偏离了表演教学的目的。目前的《声乐课》更多是声乐歌唱，而《形体课》更多是芭蕾基训和舞蹈训练。这两个部分的课程没有很好地针对影视表演专业，这一点已经成为目前国内表演艺术家的共识。
美国纽约电影学院也开设关于“声”和“形”的课程，但是在教学内容上与影视表演人才培养结合的更为紧密也更具有针对性。该学院开设《Voice》课程，准确的含义是《声音》课程，旨在通过科学合理的训练方法挖掘演员自身的嗓音，而不是单纯追求类似于美声演唱浑厚充满共鸣的声音。而在关于“形”的课程设置上，美国纽约电影学院开设的相关课程主要目的是开发演员的肢体语言或者说肢体表情，让演员在表演过程中充分运用自身的肢体语言；而其他与“形”有关的课程则针对职业技能需求，如针对社交场合的交谊舞以及针对动作戏的《格斗技巧》课程。
总体来说，纽约电影学院的课程设置在影视表演人才的技能构架方面更具有针对性。我们目前的影视表演人才培养模式还是讲究历史的传承，课程的设置仿佛已经成为一种固定模式。从学生的角度来看，当他们参加艺考入学考试时都要经历“声、台、形、表”的考试，因此当他们真正入学之后也就理所当然地认为表演就是要学习这些内容。这是一种对于僵化的传承。表演训练的方法从斯坦尼斯拉夫斯基去世之后被诸多的优秀继承者发展和研究，许多斯坦尼临终前没有达成的目标现在已经被实现，而我们的教学在传承历史的同时更要去关注培养演员的新理念，以跟上时代发展的步伐。
5 纽约电影学院课程带来的启示
从科学培养影视表演人才的角度出发，纽约电影学院的课程设置比起我们目前更为科学和合理，其中有许多需要我们思考的地方。如果要充分借鉴该院校的培养理念，我们则需要从以下几个方面入手：
5.1 改革课程体系
改变影视表演学生只需要学习本专业知识和技能的传统观念，立足行业需求探讨人才培养的新方向。在课程的设置上应在理性思考的基础上大胆切除与表演技能关联较小的课程，或者通过改革使课程的教学方法更贴近于演员技能的提升。多融入影视行业的相关知识以及技能，让学生在校学习期间能够对影视作品制作的方式方法有一定了解，同时对相应的技能有一定的掌握。在课程的设置方面，高职院校可以充分利用专业群共享课的优势，打破学院之间的隔阂。
5.2“进口”核心课程
了解目前世界上演员训练的最新方法和优秀成果，通过教师进修的方式将其“进口”到国内。在演员训练领域，有许多继斯坦尼斯拉夫斯基的后来者都作出了相应努力，他们的方法现在应用在世界各个艺术院校当中。这里面的优秀代表人物如格洛托夫斯基方法、迈克尔契科夫方法、桑塔福迈斯纳方法、乌塔哈根方法以及林克莱特方法等等，他们的研究成果能够缩短演员训练的路径，并且从质量上更加符合行业需求。
5.3注重院校联合，加强影视实践
影视表演专业想要培养出针对影视行业的人才，则需要进一步加强与相关专业之间的联系。影视制作的各个环节与彼此的关系向来是紧密的，编剧、导演、摄像、表演和剪辑这几个领域有许多技能需求是共通的。编剧了解表演才能按照人的逻辑写出生动的角色，而演员了解编剧才能以编剧的立场出发去思考角色的作用和性格；导演了解表演才能在现场指导演员，而演员了解导演才能在现场领会导演的意图；摄像了解表演才能提前把握演员的动态，而演员了解摄像才能了解拍摄重复的必要性；剪辑师了解表演能够避免剪辑时将糟糕的表演保留下来，而演员了解剪辑才能够在前期表演时不至于出现致命的错误。
作者简介：
向成龙，工作单位：浙江横店影视职业学院，职务：戏剧影视表演教研室主任，最高学历/学位：研究生/硕士，毕业院校：上海戏剧学院。
1 注重综合技能的培养
我们目前国内影视表演人才培养，大都是沿袭上世纪50年代前苏联的模式，注重以科学研究的方法对演员的各个技能做专门训练。在这种模式下，演员的主要必修课主要分为声乐、台词、形体和表演；在表演课当中，演员要花一个学期甚至一年的时间用来做基础训练，对表演当中的“七力四感”做单独地针对性训练。在这种模式下，我国确实培养出了一批优秀的演员，他们至今还活跃在影视前线。总体来说，我们目前的影视表演人才培养在课程设置上较专门，教授的内容基本都在表演技能的范畴当中。
美国纽约电影学院的课程设置与我们国内不同，该院校的影视表演人才培养课程更具有综合性，而这种综合性在某种意义上更符合当下社会对影视人才的需求。在这一点上，严格来说不只是纽约电影学院，其他地区的院校都注重学生综合技能的培养。如台湾的艺术院校在表演专业上会安排学生学习编剧、舞美和导演课程等。在美国纽约电影学院表演专业开设的课程当中，有一门课程为《Film Craft（电影技术）》，在這门课程当中学生要学习关于编剧、导演、摄像和剪辑的相关知识，学生要学习如何编构一个剧本、设计现场调度、操作摄像机以及通过苹果电脑的Final Cut pro软件进行作品的剪辑。
从电影工业的发展对演员提出的新要求来看，《电影技术》课程的开设具有重要的意义，如上世纪戏剧大师布莱希特提出的“陌生化效果”一样，想要全面了解一个事物，就要从各个角度去观照它。影视表演也是一样的道理。现在国内的表演教学经常会出现产学脱节的现象，很大一部分原因就在于学生日常学习时更多是接触到舞台和剧场，而基本对影视的工业流程一无所知，同样的表演技能转移到影视片场时就不知该如何转换了。演员所要从事的影视产业是一个由多个部门共同组成的集合体，更多注重的是产品制作的艺术。演员作为其中的一个链条必须清楚地知道周围各个零部件的作用以及整个机器的运作模式，才能更为明白自身在其中起到哪些作用。当学生在《电影技术》课程中学习了各方面的知识之后，他能够从各个工艺的角度出发去思考角色在其中起到的作用是什么：能够更加了解编剧赋予角色的意图、导演调度安排的动机、摄像机给演员提出的要求以及剪辑部门对演员提出的要求等等。
2 注重影视实践
虽然在我国目前大部分艺术院校的影视表演教学当中实践也占了很大一部分比例，但是更多针对的是舞台的实践，缺少影视的实践环节。学生从大一入校到大四毕业，基本上每学期的汇报都是在剧场当中度过，形式包括小品汇报、经典戏剧片段以及完整剧目的表演等。这种模式的优点是训练了学生的表演技术以及调度把握等方面的能力，可以很好地完成舞台表演的要求，但是却缺乏对影视表演的相关认知和技术。
美国纽约电影学院的课程设置同样注重实践性，但是课程当中不仅注重舞台实践，同样也注重影视作品的实践，并且舞台实践更多是为影视表演实践打基础。在该院校的课程中，有一门课是《movement（动作）》，这门课程要在最后的学期汇报中展示为由音乐、灯光、调度等组成的完整小作品的演出。这门课程的重要目的其实是训练演员与其他部门合作的能力，可以配合各个戏剧元素进行表演。因此，这门课其实可以看做是为今后的片场表演打下基础。除此之外，在该学院的课程中还有一门课程叫做《影视表演》，在该课程中学生要学会在没有对手的前提下进行表演，整个教学过程需要相关的设备支撑，如摄像机、灯光和剪辑等。《影视表演》课程在4年的人才培养过程中开设4个学期，以由浅入深的方式使学生在实践中掌握影视表演的技术。
从行业角度出发，纽约电影学院在影视实践课程的安排上更贴近影视工业的需求。在他们的人才培养过程中，虽然有很多课程也是通过现场表演，但是这些更多是作为一种形式最终还是为影视表演服务的。如该学院开设的《Scene Study（片段学习）》课程，最终成果要呈现为许多经典戏剧作品片段的舞台汇报。虽然是舞台汇报的形式，但这门课程的重点是要让学生了解如何去分析剧本、将剧本中的各个要素进行分解、分析和体验等。因此，从总体的课程安排来说，纽约电影学院在整个教学过程中比较注重影视实践化教学，强调通过职业化的方式来培养影视表演人才。
3 表演技能分解更为科学，教学方法更为前沿
在影视表演技能分解教学方面，我们与美国纽约电影学院等院校有部门是相似的，除了一开始的基础训练部门。我国因为沿袭前苏联斯坦尼斯拉夫斯基学派，因此在前期演员的基础训练上是对各个基础元素进行分解式训练，如单独针对想象力、注意力、观察力的练习等。这样的做法在某种程度上是将表演作为科学来进行研究，但是也有负面的作用。通常出现的情况是，演员在进行完了一年的基础元素训练之后，在进入到片段表演时无法相对接。针对各个元素的单独训练在现在看来显得没有必要并且浪费时间，因为在演员的表演过程中斯坦尼所列出的基础元素通常都是杂糅在一起而共存的。
纽约电影学院在对表演技能的分解上更为实用，通过课程可以看出大致分为以下几个部分：行动、交流倾听、剧本分析和人物创作。在《动作》课当中，该学院从“表演即行动”出发，通过独角戏的形式让学生掌握表演的基本能力，通过现场表演让学生对表演的综合素质进行掌握；在《Meisner（迈斯纳方法）》课程当中，学生要重点掌握影视表演当中非常重要的交流与倾听的能力；通过《Scene Study（片段学习）》课程，学生要学会如何分析剧本和人物，以及对人物进行呈现等等。通过上述的一系列课程，学生可以基本掌握表演的基本技术。 《迈斯纳方法》是纽约电影学院的重要课程，同时也是目前美国重要戏剧院校的主推课程之一。该课程通过表演大师迈斯纳的训练方法着重训练演员的交流与倾听能力，而这个方面的技能培养是我国目前艺术院校的教学中所欠缺的。我们国内院校目前的《交流小品》课程更多是训练了演员的编创小品的能力，在教学目的上是有写本末倒置的。小品構思应该是编剧的事情，影视表演的学生应该了解编剧的相关知识，但是《交流小品》课程更多的是应该训练学生在表演过程真诚地聆听对手的台词以及根据接收的刺激作出相应的反应以及行动的转变。除此之外，纽约电影学院还设置了《Mask and Clown（面具和小丑表演）》以及《Physical Theatre（肢体戏剧）》课程，这两门课程是专门针对演员的肢体表现而设置的课程，教授学生如何充分将肢体动作作为符号融入到表演当中。因此，在教学方法上面，我们国内院校相对还是落后的。
4 课程设置更具针对性
如之前说所，国内的教学在主要课程上分为《声乐》、《台词》、《形体》和《表演》（简称声、台、行、表），这四门课构成了戏剧影视表演类学生的主修科目，辅助的专业课程通常有《戏剧概论》、《影视作品赏析》和《话筒前配音》等，这一套课程系统的历史之久几乎伴随着表演专业在中国开设到现在。严格来说，《声乐课》和《形体课》虽然是斯坦尼体系当中的一部分，但是发展到中国已经偏离了表演教学的目的。目前的《声乐课》更多是声乐歌唱，而《形体课》更多是芭蕾基训和舞蹈训练。这两个部分的课程没有很好地针对影视表演专业，这一点已经成为目前国内表演艺术家的共识。
美国纽约电影学院也开设关于“声”和“形”的课程，但是在教学内容上与影视表演人才培养结合的更为紧密也更具有针对性。该学院开设《Voice》课程，准确的含义是《声音》课程，旨在通过科学合理的训练方法挖掘演员自身的嗓音，而不是单纯追求类似于美声演唱浑厚充满共鸣的声音。而在关于“形”的课程设置上，美国纽约电影学院开设的相关课程主要目的是开发演员的肢体语言或者说肢体表情，让演员在表演过程中充分运用自身的肢体语言；而其他与“形”有关的课程则针对职业技能需求，如针对社交场合的交谊舞以及针对动作戏的《格斗技巧》课程。
总体来说，纽约电影学院的课程设置在影视表演人才的技能构架方面更具有针对性。我们目前的影视表演人才培养模式还是讲究历史的传承，课程的设置仿佛已经成为一种固定模式。从学生的角度来看，当他们参加艺考入学考试时都要经历“声、台、形、表”的考试，因此当他们真正入学之后也就理所当然地认为表演就是要学习这些内容。这是一种对于僵化的传承。表演训练的方法从斯坦尼斯拉夫斯基去世之后被诸多的优秀继承者发展和研究，许多斯坦尼临终前没有达成的目标现在已经被实现，而我们的教学在传承历史的同时更要去关注培养演员的新理念，以跟上时代发展的步伐。
5 纽约电影学院课程带来的启示
从科学培养影视表演人才的角度出发，纽约电影学院的课程设置比起我们目前更为科学和合理，其中有许多需要我们思考的地方。如果要充分借鉴该院校的培养理念，我们则需要从以下几个方面入手：
5.1 改革课程体系
改变影视表演学生只需要学习本专业知识和技能的传统观念，立足行业需求探讨人才培养的新方向。在课程的设置上应在理性思考的基础上大胆切除与表演技能关联较小的课程，或者通过改革使课程的教学方法更贴近于演员技能的提升。多融入影视行业的相关知识以及技能，让学生在校学习期间能够对影视作品制作的方式方法有一定了解，同时对相应的技能有一定的掌握。在课程的设置方面，高职院校可以充分利用专业群共享课的优势，打破学院之间的隔阂。
5.2“进口”核心课程
了解目前世界上演员训练的最新方法和优秀成果，通过教师进修的方式将其“进口”到国内。在演员训练领域，有许多继斯坦尼斯拉夫斯基的后来者都作出了相应努力，他们的方法现在应用在世界各个艺术院校当中。这里面的优秀代表人物如格洛托夫斯基方法、迈克尔契科夫方法、桑塔福迈斯纳方法、乌塔哈根方法以及林克莱特方法等等，他们的研究成果能够缩短演员训练的路径，并且从质量上更加符合行业需求。
5.3注重院校联合，加强影视实践
影视表演专业想要培养出针对影视行业的人才，则需要进一步加强与相关专业之间的联系。影视制作的各个环节与彼此的关系向来是紧密的，编剧、导演、摄像、表演和剪辑这几个领域有许多技能需求是共通的。编剧了解表演才能按照人的逻辑写出生动的角色，而演员了解编剧才能以编剧的立场出发去思考角色的作用和性格；导演了解表演才能在现场指导演员，而演员了解导演才能在现场领会导演的意图；摄像了解表演才能提前把握演员的动态，而演员了解摄像才能了解拍摄重复的必要性；剪辑师了解表演能够避免剪辑时将糟糕的表演保留下来，而演员了解剪辑才能够在前期表演时不至于出现致命的错误。
作者简介：
向成龙，工作单位：浙江横店影视职业学院，职务：戏剧影视表演教研室主任，最高学历/学位：研究生/硕士，毕业院校：上海戏剧学院。