论文部分内容阅读
一、西方早期音乐教育
西方音乐教育机构起源于中世纪（Middle Ages，公元476-1453）教会的附属教会学校。“中世纪时期，学校教育基本上由教会、教堂和修道院所垄断，罗马人追随古希腊柏拉图等先哲们的教育思想，把音乐与文法、修辞、逻辑、算术、几何、天文一起（并称‘七艺’）作为各级学校教育的基础学科在学校教育中贯彻实施。”“公元4世纪，罗马教皇西尔维斯特一世在罗马创设了具有专门的专业性‘圣歌学校’，那时的天主教教堂圣歌演唱都由儿童承担，教会挑选出合适的儿童进入‘圣歌学校’进行培训学习，学生们经过七年的圣歌演唱、记谱法、音乐理论、音乐史及器乐演奏的学习后，分配到各大教堂和修道院作为教会供养的神职人员担任教士、神父等职位并兼任合唱、演奏等工作。”[1]至中世纪后期，圣歌学校逐渐发展演变为专业音乐学院，由于其浓厚的宗教氛围和主要服务于教会的性质，所以其教育和考核内容也就围绕着哲学、宗教和神学来进行。
以音乐作为谋生手段而设立的音乐学校，最早开始于意大利，这种由教会和其它慈善组织创设的学校给孤儿们提供必要的生活保障并教授学生学习圣歌演唱和器乐演奏的技能、技巧。“1346年，威尼斯创建了世界上第一所女孤儿音乐传艺所——慈善收养院。”[2]慈善收养院学生在学校时必须接受几年严格的圣歌演唱和管风琴演奏等音乐表演技能、技巧训练。这主要是因为距今已有两千多年历史的管风琴是中世纪教会统治时代教堂、修道院必不可少的必备乐器，管风琴的弹奏必然的成为附属于教会的歌咏学校和后来的音乐学院学生们的必修课程。因而慈善收养院的主要教学内容也是围绕着教堂音乐来学习音乐理论、歌唱、管风琴等乐器演奏以及相应的宗教知识。
文艺复兴时期，人们挣脱了中世纪神学的巨大枷锁，极力倡导人文主义精神，把人作为衡量一切事物的标准，使民众逐渐认识到自身所拥有的创造力和存在价值。此时的学校音乐教育不再以宗教为绝对中心，教学内容和教学形式开始向多层次、多元化以及自由化发展。一些大学的音乐教育内容，除了传统的音乐理论以外，也开始教授和培养学生学习实践性的音乐技巧，开设了诸如作曲等实践课程。在英国的大学里，音乐是艺术学科中唯一的单列系别，这充分体现出音乐在大学里的特殊地位。除了作曲课程以外，文艺复兴时期音乐表演课程（如演唱、演奏等）仍以私人授课的方式进行，还未进入大学的课程体系。
二、西方近代高等音乐教育
17世纪中期，法国成立了第一个真正现代化的音乐机构——国家音乐和朗诵学院（巴黎国立高等音乐学院前身）。这所音乐学院在当时具备两个功能：一是为公共仪式提供音乐服务；二是培养专门的音乐表演人才。从那时起，音乐教育由过去基本上是私人授课的状态走入了正规大学课堂。“19世纪以后的欧洲，在各主要的城市里都陆续建立起了音乐学校来培养专门音乐人才，使欧洲音乐的教育与发展得到了巨大的推动。”[3]
在德国，几乎所有大城市都有自己的音乐学校或音乐学院。德国音乐学生一般以音乐专科学校为起点，在第二学年结束时举行考试，根据考试结果决定哪些学生继续进入大学深造、哪些学习“标准课程”师范培训，哪些学生进行歌唱、演奏和指挥等音乐表演专业的学习。进入了音乐表演专业学习阶段学习的学生要分阶段地进一步深入学习视唱练耳、各类乐器、声乐及作曲等专业课程。每一年都必须通过严格的考试来竞争30个奖学金名额，只有获胜者才能进入下一阶段的学习。在英国，随着1823年皇家音乐学院的建立，标志着英国有了专门培养音乐表演人才的学院。皇家音乐学院音乐表演专业考试的内容和制度，从建院之初就很严格，演奏专业的学生必须从巴赫、贝多芬、肖邦、舒曼、勃拉姆斯、李斯特以及格里格的作品中选出10首乐曲参加演奏考试；而对于想要获得专业表演音乐家学位的学生，除了演奏考试以外，还要进行高级实践研究，例如比赛、音乐会、作曲、教学、指挥等。评价标准则以是否具备熟练的演奏技术、良好的音乐表演能力、是否能阅读总谱、分析乐曲、和声、对位以及模拟作曲等为主，成绩优异者还会获得奖金和奖牌。除了皇家音乐学院以外，1872年英国另成立了一所专攻教会音乐的“教会合唱社和教会音乐学院”，1875年改名为三一音乐学院。三一音乐学院与当时欧洲其他音乐学院最大的不同点在于，这所学院的学生来源于世界各地，其中很多为不在校内学习的在籍生（类似函授学生），三一音乐学院在生源当地专门成立考试机构来测试这类学生。
三、当代西方高等学校音乐教育课程设置
西方音乐发展史上“德奥中心”的说法充分说明了德国音乐教育的历史地位。据资料记述，德国有柏林艺术大学、汉诺威音乐学院、慕尼黑音乐学院和科隆音乐学院等等（包括私立在内）大大小小共37所音乐学院。其中在欧美音乐界的知名度相当于牛津大学、哈佛大学在世界学林的地位的汉诺威音乐学院，其专业音乐教学处于世界顶尖水准。大师林立的汉诺威音乐学院包括一部分五年没有毕业还在继续上学（德国大学教育没有学习期限）的学生在内也只有1000多名学生，学院不分声乐、键盘等系，也不设立二级学院，开设有近30个专业。学生经过三年学习以后参加结业考试（有的学校是四个学期）同时需交一篇50页左右的论文，通过学业考核后可以获取“音乐教育”学位。如果学生有一定音乐天赋还想再继续深造，经过1-2年学习并通过考核后拿到“音乐会演奏家”文凭（我们以前的“两段制”学制就类似于此）。在汉诺威音乐学院，学生要获得器乐类表演艺术专业的最高学位Diplom（Solo）即“音乐会演奏家”文凭，除了毕业考试以外还要求演奏约一个小时室内乐和一个半小时个人独奏音乐会，还要有不少于三场与大型乐队合作的演出。汉诺威音乐学院的教授们既是教育家，又是演奏家，大多都有很多的演出和担任比赛评委的活动，尽管十分繁忙但也每日练琴不辍，汉诺威音乐学院几乎每天都有学生的、教授的，或师生同台演出的规模大小不一的音乐会。
德国音乐学院的钢琴专业一般分为钢琴教育专业、钢琴演奏专业、艺术指导（室内乐或声乐伴奏）专业三个培养方向，课程设置根据专业方向有所不同，各院校的课程设置和考核形式也大同小异。基本上都也分为必修课和选修课，或者说类似我们的“主课”与“辅课”的说法，钢琴演奏专业一般开设的课程是：钢琴演奏、室内乐/钢琴伴奏、视唱练耳、作曲/曲式/作品分析、乐器学、合唱、音乐史、中古音乐、新音乐、音乐和器乐教育学、器乐教学法。 专业主课除了个别课外，有的学校会有每周一次（或其它一定时间周期安排）的小组课，由各钢琴老师自己所教的学生集中在一起不分年级、不限曲目的轮流演奏，由同学和老师进行点评的小型集体课或者说是公开课（一般也会允许其他人旁听）。这种形式的教学对学生的学习积极性、心理素质及演奏实践的积累都有较好的促进。室内乐课程是音乐专业学生的必修课，重奏组合类的课程学习实践可以开阔学生视野，并加强学生在演奏过程中的合作能力及合作精神，以避免学生除了自己弹奏学习过的曲目以外一无所知且不会、不能进行良好合作的那种在国内专业教学中较为常见的现象。重奏课程除了学院自己的教师以外也聘请专业乐团（或重奏组）的演奏家到学校进行教学，钢琴专业的学生可以跟随三重奏、五重奏除钢琴老师以外的弦乐、管乐老师上课。
国立斯图加特音乐与表演艺术大学所有一年级到三年级音乐表演专业（各专业方向）的学生，每学期都必须参加大约十四场的音乐演出活动。在这些演出活动中，学生可以自由组合以室内乐演出、小型管弦乐演出、为音乐表演专业师生的独唱、独奏、协奏音乐会伴奏或学校各音乐团体的音乐会、地方性社团的音乐会以及自己的独唱和独奏音乐会等形式进行展演。除此之外，音乐表演专业的学生有义务承担当地中小学或社会业余演出团体的指导和排练工作，为他们筹划音乐会并参与音乐会的演出。“总体来说，德国的音乐教育很注重培养学的实践能力，在所开设课程的教学实践中也更注重在学生走向社会后的实用性。”[4]
巴黎音乐学院不像世界上其他主流音乐学院那样试图为学生提供“全面的音乐教育”，而是将目标确定为：为天才学生提供机会使他们的创作或表演的技艺完美。即使在今天，巴黎音乐学院的学生只要求上六门课程：“音乐基础、视奏、音乐分析、室内乐、一门理论选修和一门应用学选修。”[5]巴黎音乐学院以实力本位的制度安排，按照学生的年龄从小学、中学到大学的顺序使学生接受连续一贯的音乐教育，以单科编为班级进行专门授课，同一课堂上不同年龄不同专业科系的学生聚集在一起学习、竞争。学生必须在规定期限内获取一等奖或二等奖，否则就没有资格参加必修的室内乐等班级的课程学习。毕业考试公开举行，一般由院长、副院长、别系教授和校外著名音乐家等十人左右担任评审员，任课教授只作旁观而不参与打分，在五年以内完成第一阶段的学习后可以继续两年的研究生课程。除了专业课程以外，巴黎音乐学院还开设心理学、教育学、教学法等课程作为必修课，目的是让学生从这类课程中可以学习到怎么样更好地与人交往，也能更好地担负起每一个“音乐人”所应该做的音乐传承的作用，更现实的是毕业以后的谋生就业需要。心理学课程一般至少由两位老师同时开设课程，没有固定统一的教材而由老师推荐参考书目，按不同的专题、主题以讲座的形式进行教学，学生讨论发言。
“美国茱莉亚音乐学院是世界顶级的音乐学院之一，主要培养有个性的音乐表演艺术家。”[6]茱莉亚音乐学院课程和教学的安排与我们国家通用的教学大纲不一样，对于音乐表演专业的学生，主要提供三种课程模块，分别是综合音乐知识课程模块、音乐理论技巧课程模块以及音乐表演训练课程模块，这三类模块都有不同的课程目标以及各类相关课程，目的是从各个方面培养卓越的音乐表演人才。例如音乐理论技巧课程模块包括音乐文献与材料课程、视唱练耳课程、音乐史概论课程、物理音乐课程、音乐审美课程、键盘（或声乐）艺术史课程、世界音乐史、作品分析课程（包括和声、对位、配器等）；音乐表演训练课程包括专业小课、室内乐课程、高级表演课程、即兴演奏和演唱课程、合唱课程、歌剧排练课程（所有演奏专业的学生都必须担任乐队伴奏）钢琴（声乐）研究、音乐表演心理学课程等。综合艺术知识类的课程与我们国内院校的课程类似，包括音乐作品欣赏课程、西方音乐史论类课程、美术绘画鉴赏课程和戏剧史课程等等。
纵观西方高等音乐教育发展的历史长河，其经历了几个变革时期，每个时期都具有当时社会时代的烙印。古希腊时期很重视音乐教育对人的影响，认为文学、音乐、艺术对人的性格具有巨大的影响，而音乐教育比起其它教育来，更具独特的魅力和威力。但在古希腊时代，音乐课程并没有在学校课程体系中获得应有的地位。中世纪和文艺复兴时期，教会垄断了文化教育，宗教开始成为音乐教育内容的中心，音乐教育作为一种职业音乐教育主要由教会来进行。直到17世纪末音乐学院的成立，各专业音乐教育等才正式进入高等教育体系，开始迅猛发展。在现代，西方高等音乐教育已逐步呈现出形式多样、内容丰富、课程综合及教学灵活等特征。总的来说，只有认真总结和学习西方高等音乐教育的精华之处，才能真正推动我国高等音乐教育的发展。
参考文献：
[1]钦文.七艺探源[J].北京大学教育评论，2006（3）： 139.
[2][3]中国文化产业网.音乐家与音乐学院[EB/OL].（2008-08-05）[2014-01-15]http：//www.cnci.gov.cn/content/200885/news_27245_p2.shtml
[4]谢嘉幸，杨燕宜，孙海.德国学校音乐教育概况[M].上海：上海教育出版社，2011：216.
[5]吴源渊.法国钢琴演奏艺术史[J].钢琴艺术，2011 （3）：24.
[6]罗宇佳.内蕴与彰显：音乐表演专业学业评价理论与实践[M].昆明：云南教育出版社，2012：228.
[本文系云南省哲社科规划课题《云南高等教育史研究（1951-2012）》阶段成果之一（编号：YB2013088）]
西方音乐教育机构起源于中世纪（Middle Ages，公元476-1453）教会的附属教会学校。“中世纪时期，学校教育基本上由教会、教堂和修道院所垄断，罗马人追随古希腊柏拉图等先哲们的教育思想，把音乐与文法、修辞、逻辑、算术、几何、天文一起（并称‘七艺’）作为各级学校教育的基础学科在学校教育中贯彻实施。”“公元4世纪，罗马教皇西尔维斯特一世在罗马创设了具有专门的专业性‘圣歌学校’，那时的天主教教堂圣歌演唱都由儿童承担，教会挑选出合适的儿童进入‘圣歌学校’进行培训学习，学生们经过七年的圣歌演唱、记谱法、音乐理论、音乐史及器乐演奏的学习后，分配到各大教堂和修道院作为教会供养的神职人员担任教士、神父等职位并兼任合唱、演奏等工作。”[1]至中世纪后期，圣歌学校逐渐发展演变为专业音乐学院，由于其浓厚的宗教氛围和主要服务于教会的性质，所以其教育和考核内容也就围绕着哲学、宗教和神学来进行。
以音乐作为谋生手段而设立的音乐学校，最早开始于意大利，这种由教会和其它慈善组织创设的学校给孤儿们提供必要的生活保障并教授学生学习圣歌演唱和器乐演奏的技能、技巧。“1346年，威尼斯创建了世界上第一所女孤儿音乐传艺所——慈善收养院。”[2]慈善收养院学生在学校时必须接受几年严格的圣歌演唱和管风琴演奏等音乐表演技能、技巧训练。这主要是因为距今已有两千多年历史的管风琴是中世纪教会统治时代教堂、修道院必不可少的必备乐器，管风琴的弹奏必然的成为附属于教会的歌咏学校和后来的音乐学院学生们的必修课程。因而慈善收养院的主要教学内容也是围绕着教堂音乐来学习音乐理论、歌唱、管风琴等乐器演奏以及相应的宗教知识。
文艺复兴时期，人们挣脱了中世纪神学的巨大枷锁，极力倡导人文主义精神，把人作为衡量一切事物的标准，使民众逐渐认识到自身所拥有的创造力和存在价值。此时的学校音乐教育不再以宗教为绝对中心，教学内容和教学形式开始向多层次、多元化以及自由化发展。一些大学的音乐教育内容，除了传统的音乐理论以外，也开始教授和培养学生学习实践性的音乐技巧，开设了诸如作曲等实践课程。在英国的大学里，音乐是艺术学科中唯一的单列系别，这充分体现出音乐在大学里的特殊地位。除了作曲课程以外，文艺复兴时期音乐表演课程（如演唱、演奏等）仍以私人授课的方式进行，还未进入大学的课程体系。
二、西方近代高等音乐教育
17世纪中期，法国成立了第一个真正现代化的音乐机构——国家音乐和朗诵学院（巴黎国立高等音乐学院前身）。这所音乐学院在当时具备两个功能：一是为公共仪式提供音乐服务；二是培养专门的音乐表演人才。从那时起，音乐教育由过去基本上是私人授课的状态走入了正规大学课堂。“19世纪以后的欧洲，在各主要的城市里都陆续建立起了音乐学校来培养专门音乐人才，使欧洲音乐的教育与发展得到了巨大的推动。”[3]
在德国，几乎所有大城市都有自己的音乐学校或音乐学院。德国音乐学生一般以音乐专科学校为起点，在第二学年结束时举行考试，根据考试结果决定哪些学生继续进入大学深造、哪些学习“标准课程”师范培训，哪些学生进行歌唱、演奏和指挥等音乐表演专业的学习。进入了音乐表演专业学习阶段学习的学生要分阶段地进一步深入学习视唱练耳、各类乐器、声乐及作曲等专业课程。每一年都必须通过严格的考试来竞争30个奖学金名额，只有获胜者才能进入下一阶段的学习。在英国，随着1823年皇家音乐学院的建立，标志着英国有了专门培养音乐表演人才的学院。皇家音乐学院音乐表演专业考试的内容和制度，从建院之初就很严格，演奏专业的学生必须从巴赫、贝多芬、肖邦、舒曼、勃拉姆斯、李斯特以及格里格的作品中选出10首乐曲参加演奏考试；而对于想要获得专业表演音乐家学位的学生，除了演奏考试以外，还要进行高级实践研究，例如比赛、音乐会、作曲、教学、指挥等。评价标准则以是否具备熟练的演奏技术、良好的音乐表演能力、是否能阅读总谱、分析乐曲、和声、对位以及模拟作曲等为主，成绩优异者还会获得奖金和奖牌。除了皇家音乐学院以外，1872年英国另成立了一所专攻教会音乐的“教会合唱社和教会音乐学院”，1875年改名为三一音乐学院。三一音乐学院与当时欧洲其他音乐学院最大的不同点在于，这所学院的学生来源于世界各地，其中很多为不在校内学习的在籍生（类似函授学生），三一音乐学院在生源当地专门成立考试机构来测试这类学生。
三、当代西方高等学校音乐教育课程设置
西方音乐发展史上“德奥中心”的说法充分说明了德国音乐教育的历史地位。据资料记述，德国有柏林艺术大学、汉诺威音乐学院、慕尼黑音乐学院和科隆音乐学院等等（包括私立在内）大大小小共37所音乐学院。其中在欧美音乐界的知名度相当于牛津大学、哈佛大学在世界学林的地位的汉诺威音乐学院，其专业音乐教学处于世界顶尖水准。大师林立的汉诺威音乐学院包括一部分五年没有毕业还在继续上学（德国大学教育没有学习期限）的学生在内也只有1000多名学生，学院不分声乐、键盘等系，也不设立二级学院，开设有近30个专业。学生经过三年学习以后参加结业考试（有的学校是四个学期）同时需交一篇50页左右的论文，通过学业考核后可以获取“音乐教育”学位。如果学生有一定音乐天赋还想再继续深造，经过1-2年学习并通过考核后拿到“音乐会演奏家”文凭（我们以前的“两段制”学制就类似于此）。在汉诺威音乐学院，学生要获得器乐类表演艺术专业的最高学位Diplom（Solo）即“音乐会演奏家”文凭，除了毕业考试以外还要求演奏约一个小时室内乐和一个半小时个人独奏音乐会，还要有不少于三场与大型乐队合作的演出。汉诺威音乐学院的教授们既是教育家，又是演奏家，大多都有很多的演出和担任比赛评委的活动，尽管十分繁忙但也每日练琴不辍，汉诺威音乐学院几乎每天都有学生的、教授的，或师生同台演出的规模大小不一的音乐会。
德国音乐学院的钢琴专业一般分为钢琴教育专业、钢琴演奏专业、艺术指导（室内乐或声乐伴奏）专业三个培养方向，课程设置根据专业方向有所不同，各院校的课程设置和考核形式也大同小异。基本上都也分为必修课和选修课，或者说类似我们的“主课”与“辅课”的说法，钢琴演奏专业一般开设的课程是：钢琴演奏、室内乐/钢琴伴奏、视唱练耳、作曲/曲式/作品分析、乐器学、合唱、音乐史、中古音乐、新音乐、音乐和器乐教育学、器乐教学法。 专业主课除了个别课外，有的学校会有每周一次（或其它一定时间周期安排）的小组课，由各钢琴老师自己所教的学生集中在一起不分年级、不限曲目的轮流演奏，由同学和老师进行点评的小型集体课或者说是公开课（一般也会允许其他人旁听）。这种形式的教学对学生的学习积极性、心理素质及演奏实践的积累都有较好的促进。室内乐课程是音乐专业学生的必修课，重奏组合类的课程学习实践可以开阔学生视野，并加强学生在演奏过程中的合作能力及合作精神，以避免学生除了自己弹奏学习过的曲目以外一无所知且不会、不能进行良好合作的那种在国内专业教学中较为常见的现象。重奏课程除了学院自己的教师以外也聘请专业乐团（或重奏组）的演奏家到学校进行教学，钢琴专业的学生可以跟随三重奏、五重奏除钢琴老师以外的弦乐、管乐老师上课。
国立斯图加特音乐与表演艺术大学所有一年级到三年级音乐表演专业（各专业方向）的学生，每学期都必须参加大约十四场的音乐演出活动。在这些演出活动中，学生可以自由组合以室内乐演出、小型管弦乐演出、为音乐表演专业师生的独唱、独奏、协奏音乐会伴奏或学校各音乐团体的音乐会、地方性社团的音乐会以及自己的独唱和独奏音乐会等形式进行展演。除此之外，音乐表演专业的学生有义务承担当地中小学或社会业余演出团体的指导和排练工作，为他们筹划音乐会并参与音乐会的演出。“总体来说，德国的音乐教育很注重培养学的实践能力，在所开设课程的教学实践中也更注重在学生走向社会后的实用性。”[4]
巴黎音乐学院不像世界上其他主流音乐学院那样试图为学生提供“全面的音乐教育”，而是将目标确定为：为天才学生提供机会使他们的创作或表演的技艺完美。即使在今天，巴黎音乐学院的学生只要求上六门课程：“音乐基础、视奏、音乐分析、室内乐、一门理论选修和一门应用学选修。”[5]巴黎音乐学院以实力本位的制度安排，按照学生的年龄从小学、中学到大学的顺序使学生接受连续一贯的音乐教育，以单科编为班级进行专门授课，同一课堂上不同年龄不同专业科系的学生聚集在一起学习、竞争。学生必须在规定期限内获取一等奖或二等奖，否则就没有资格参加必修的室内乐等班级的课程学习。毕业考试公开举行，一般由院长、副院长、别系教授和校外著名音乐家等十人左右担任评审员，任课教授只作旁观而不参与打分，在五年以内完成第一阶段的学习后可以继续两年的研究生课程。除了专业课程以外，巴黎音乐学院还开设心理学、教育学、教学法等课程作为必修课，目的是让学生从这类课程中可以学习到怎么样更好地与人交往，也能更好地担负起每一个“音乐人”所应该做的音乐传承的作用，更现实的是毕业以后的谋生就业需要。心理学课程一般至少由两位老师同时开设课程，没有固定统一的教材而由老师推荐参考书目，按不同的专题、主题以讲座的形式进行教学，学生讨论发言。
“美国茱莉亚音乐学院是世界顶级的音乐学院之一，主要培养有个性的音乐表演艺术家。”[6]茱莉亚音乐学院课程和教学的安排与我们国家通用的教学大纲不一样，对于音乐表演专业的学生，主要提供三种课程模块，分别是综合音乐知识课程模块、音乐理论技巧课程模块以及音乐表演训练课程模块，这三类模块都有不同的课程目标以及各类相关课程，目的是从各个方面培养卓越的音乐表演人才。例如音乐理论技巧课程模块包括音乐文献与材料课程、视唱练耳课程、音乐史概论课程、物理音乐课程、音乐审美课程、键盘（或声乐）艺术史课程、世界音乐史、作品分析课程（包括和声、对位、配器等）；音乐表演训练课程包括专业小课、室内乐课程、高级表演课程、即兴演奏和演唱课程、合唱课程、歌剧排练课程（所有演奏专业的学生都必须担任乐队伴奏）钢琴（声乐）研究、音乐表演心理学课程等。综合艺术知识类的课程与我们国内院校的课程类似，包括音乐作品欣赏课程、西方音乐史论类课程、美术绘画鉴赏课程和戏剧史课程等等。
纵观西方高等音乐教育发展的历史长河，其经历了几个变革时期，每个时期都具有当时社会时代的烙印。古希腊时期很重视音乐教育对人的影响，认为文学、音乐、艺术对人的性格具有巨大的影响，而音乐教育比起其它教育来，更具独特的魅力和威力。但在古希腊时代，音乐课程并没有在学校课程体系中获得应有的地位。中世纪和文艺复兴时期，教会垄断了文化教育，宗教开始成为音乐教育内容的中心，音乐教育作为一种职业音乐教育主要由教会来进行。直到17世纪末音乐学院的成立，各专业音乐教育等才正式进入高等教育体系，开始迅猛发展。在现代，西方高等音乐教育已逐步呈现出形式多样、内容丰富、课程综合及教学灵活等特征。总的来说，只有认真总结和学习西方高等音乐教育的精华之处，才能真正推动我国高等音乐教育的发展。
参考文献：
[1]钦文.七艺探源[J].北京大学教育评论，2006（3）： 139.
[2][3]中国文化产业网.音乐家与音乐学院[EB/OL].（2008-08-05）[2014-01-15]http：//www.cnci.gov.cn/content/200885/news_27245_p2.shtml
[4]谢嘉幸，杨燕宜，孙海.德国学校音乐教育概况[M].上海：上海教育出版社，2011：216.
[5]吴源渊.法国钢琴演奏艺术史[J].钢琴艺术，2011 （3）：24.
[6]罗宇佳.内蕴与彰显：音乐表演专业学业评价理论与实践[M].昆明：云南教育出版社，2012：228.
[本文系云南省哲社科规划课题《云南高等教育史研究（1951-2012）》阶段成果之一（编号：YB2013088）]