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【摘要】钢琴演奏作为一种特殊的音乐表演艺术，音乐基础理论的支撑必不可少。因此，在钢琴教学中，撇开音乐基础理论的教学很难获得良好的效果。笔者认为，在钢琴教学中，和声理论的应用非常重要。学生只有不断增强和声理论水平，才更有利于在钢琴演奏中提升把握作品的能力，促进自身演奏水平的提升。本文简要探讨了和声的演变及在钢琴教学中的应用。
【关键词】和声的演变；钢琴教学；应用
【中图分类号】J616 【文献标识码】A
进入二十一世纪以来，和声理论发展更加成熟，不仅摆脱了古典和声具体结构规律的制约，还初完成了从量到质的飞跃。因此，在钢琴作品教学中，我们更要关注和声应用上的特点，脱离了专业的钢琴理论，学生的钢琴演奏能力就很难获得有效提升。所以，在钢琴教学中，要提高学生钢琴演奏艺术水平，需要开展和声理论教学，用专业理论作为框架支撑，帮助学生提高分析钢琴作品的能力，使学生能够牢固掌握钢琴演奏知识，更好地认识和声理论，并将理论与实践相结合，不断提升自身把握、应用和声的能力。
一、和声概念的发展与演变
在人类音乐实践过程中，和声概念将感知对象共同特点抽出来，并将这一共同点给予高度概括。随着音乐的不断进步，促进音乐艺术的不断发展。和声概念的发展与演变，经历了三个历史阶段的变化，从十七世纪、十九世纪到二十世纪，和声概念在历史发展过程中，也在不断探索新方法，创造新音乐。和声概念和声（harmony）一词，早在5～17世纪源于古希腊语，意识是和谐、协调，属于一个具有哲学含义的词。到了中世纪，和声一词被用于音乐理论之中，指的是“协和的音响”。在古代欧洲，在和声音乐概念萌芽时期，一些音乐理论家对于和声音乐概念就有了不同的定义， 当和声概念被定格在大、小三和弦时，便成为和声理论的中心材料，影响着后世几百年和声音乐的发展。17～19世纪的和声，在现代音乐理论中被人们称为“传统和声”，它贯穿着传统的美学思想，被认为是音乐理论建设中比较完整严密的和声体系。这一协和悦耳的美学观在十七世纪发展起来，并主宰着音乐的发展。
法国音乐理论家拉莫（1683～1764）在l8世纪，在主调写法蓬勃发展背景下，音乐思维多声部和弦现象成为主导情况下，将理论与实践相结合，撰写了《和声的基本原理》一书，并与于1722年出版。在该书中，将“和声就是和谐音响”概念进一步深化，发展为和弦及和弦连接理论，在观察和分析和声问题时，将其看作是一个相互联系的整体，“和声”概念进一步清晰，和声的特殊性以及在音乐技术中的意义也越来越明晰。这一时期的和声概念，以大小调式為基础，和弦构成的原则及纵向关系是三度叠置。和声在音乐作品中的横向关系，主要以三个功能和弦为主要材料，将协和和弦看做是中心点，功能和声体系以大、小三和弦为中心。无论是纵向，还是横向，或者纵、横向关系，和声关系都体现调性的含义。传统和声的基本概念，就是将协和音响作为理想和声材料，围绕协和音响这个中心，向着同主音、同中音等方向扩展，以便于建立自然音体系的和声，构筑逻辑更加严密、应用范围更加广泛的和声体系。
在l8世纪音乐作品中，和声是音乐语言的重要语汇，显示了巨大的调性布局、终止式等结构作用。如果说，古典主义音乐和声形式优美平衡，那么，浪漫主义音乐，将其扩展到更远的边缘，支撑着音乐的对称与平衡。调性和声极尽自身所能，不断拓展其统治的领域。可以说，中世纪和声的概念在这一时期被大大地拓展，中世纪和声体系的中心材料是小三和弦，把协和悦耳、保持调性放在主要位置，在调性音乐领地中，使用了各种不协和和弦，使其在音乐实践中占有重要的地位。各种类似属七和弦以及带变音的不协和和弦，及其变体结构的副属和弦，几乎统治了音乐整个过程，逐渐成为重要的音响材料，用量大、分布广、频率高，意欲在不协和和弦的深处将协和的主和弦隐藏。另外，在l8世纪音乐作品中，和弦以及和声融为一体，和声音乐织体纵、横关系协调一致，既体现调性，又有着明确的进行目标，在调性布局中有着自身存在的意义。和弦与和弦之间调性关系呈现逻辑化关联，体现了稳定与不稳定的关系，当然，这些倾向与被倾向的关系已是为大家所熟知和声体系。
进入二十世纪以来，调性和声已走到极限，二十世纪的和声，已经开始走向多个和声体系并存，寻找和声的新天地的局面。每个作曲家都在探索新方法，创造新音乐，寻求新材料。二十世纪的和声音乐有着纤细优美的润饰，不受严格模式的约束，陈述更加地豪放大胆，利用和声抒发开展幽思遐想的瞬间。二十世纪的和声，多种多样素材集结在一起，突破了传统式的各种手段，因此，需要有一个新的声本质的概念，能够反映多种和声体系的共性，能够在更高层面上概括和声。当然，自进入二十世纪以来，有关现代和声的论述颇多，有的从方法论角度剖析，有的主要站在和声材料角度论述，有关现代和声的概念，霍罗波夫（俄罗斯著名音乐理论家）应用历史分析和归纳分析，深入地剖析了这一时期所有重要作曲家音乐实践，提出了有着广泛影响意义的“以合理选择的中心成份为基础，而形成的结构成份相互关系”的和声概念。这个概念大体涵盖以下几个方面：一是二十世纪的“多样化、特性化”的合成材料；二是和声材料“中心成份与其它成份”之间的关系；三是“多元性与同一性”的合成材料构成原则，当然，除了上述三个方面外，还有和声材料的范围以及材料的陈述形式等问题。
二、钢琴艺术风格及钢琴演奏教学中的和声分析
从历史发展的角度来看，钢琴艺术风格形态演变主要经历了以下几个时期，巴洛克风格时期；二是维也纳古典风格时期；三是浪漫主义风格时期；四是印象主义风格时期；五是二十世纪现代音乐风格时期。在不同的时期里，由于自己家美学观念追求目标不同，作曲技法各有差异，导致各个流派在和声组织上风格不同，特色不同、和声调式各有差异。巴洛克时期的音乐一般不分主次，以复调音乐为主，就算是有所突出，一般情况下也要保持几个声部的独立进行。维也纳古典风格时期，和声以大小调自然音体系为主体，基础的主调音乐以严格、简单、质朴的功能逻辑为组织手段；浪漫主义风格时期，和声渐渐开始频繁使用各种变音及不协和和弦，作为一种纯粹的表现因素，和声色彩极其丰富，和声织体的写法与以往也存在了很大的差异。印象主义风格时期，调性体系瓦解，从整体上看，作曲家喜爱回避主要调中心的清晰度，愿意避免属到主的终止式。在钢琴演奏过程中，演奏者能否把握作品中所蕴含的音乐意味，深人分析作品，对钢琴演奏效果有很大的影响。在音乐发展史上，和声经过十八、十九世纪的演变，开始进入变化最为急剧的二十世纪。也可以说，二十世纪的和声思维与技法发展更加成熟，初完成了从量到质的飞跃。二十世纪的和声，彻底摆脱了古典和声具体结构规律的制约，因此，在钢琴作品教学中，我们更要关注和声应用上的特点，掌握作品整体发展逻辑。 众所周知，在钢琴音乐作品中，作曲家确定音乐的段落和句逗，一般需要依靠和声终止式来完成，想在音乐结构上标新立异，更需要利用和声手段来实现。例如多芬的《致爱丽丝》，为了求得音乐结构的洗练、清晰，作曲家仅用I，V两个和弦来支撑乐段。在即兴伴奏教学中，涉及和声的问题也比较多，如和声织体的运用，以及在一起即兴伴奏过程中和声的合理选择。关于和声织体的运用在即兴伴奏中，和声织体既能够有效补充旋律无法表达的一些方面，也可以强化旋律的表现作用，使音乐形象更丰满，旋律乐思内涵更深化，和声织体运用得恰当，可以为提高即兴伴奏水平做铺垫，以达到对作品的完美诊释。和声的合理性选择，首先，要注重音乐风格选择，之后，再依据风格合理性选择和声。如果我们不考虑这风格，片面地选择和声，很难达到理想的演奏效果。和声选择的合理性，还要确定涉及的调性 （或者是民族调式或者是西洋大小调等），如果我们对调性概念模糊，不能够明确调性，就可能导致合生选择的方向性错误。为解决此类问题，在分析与演奏钢琴作品时，我们一定要注重激活学生的理性思维，引导学生关注作品，把目光投向钢琴作品和声调性构架原则及规律上来，以达到拓宽其感性认识空间的效果。
三、在钢琴演奏教学中和声理论的应用
钢琴音乐作品不仅蕴含着作曲家独特的艺术思维，还传递着作曲家对生活的感受，所以，在钢琴作品教学中，教师首先要引导学生耐心细致的分析音乐作品背景，使学生对作品风格、音乐元素、结构有一个初步了解，只有这样才更有利于学生理解作品精神内涵，在钢琴演奏过程中提高钢琴演奏的感染力。所以，在钢琴演奏教学中，我们要让学生充分认识到和声部分对于钢琴演奏的重要性，让学生充分了解和声的作用和价值，以及和声对钢琴作品情感表现的影响。在钢琴演奏过程中，演奏者的人生阅历、个人乐感、对音乐情感的理解程度都会影响钢琴演奏效果，而和声理论能够帮助演奏者更好的诊释音乐作品，使演奏者能够快速理解作品中的思想内涵，以便于在钢琴演奏过程中能够将自身的音乐情感融入其中，有效提高钢琴演奏效果。另外，在钢琴教学中，和声运用不仅会影响着作品的演奏风格，还会影响演奏者演奏技能的提升，所以，在钢琴教学中，我们要结合和声理论来讲解课程，使学生在充分了解音乐风格及特点的基础上，更好地诠释音乐作品，通过不同的和声技巧来准确把握音乐作品，提升钢琴演奏水平。
把握钢琴音乐作品，不仅需要学生音乐基础知识过硬，还需要学生具备一定的和声技巧运用能力，在音乐作品结构及情感转变过程中，能够有效地通过和声来把握作品中的整体调性布局，以有效增强钢琴演奏流畅性。所以，在钢琴教学中我们要引导学生有效地利用合成技巧，根据和声理论设计作品调性，在作品转折与高潮部分利用和声技巧实现钢琴演奏的完整性。为了确保作品段落间自然过渡，作曲家会利用转音技巧来完成，而曲段间的变化，要烘托和强化作品的情感，就需要充分利用音阶变化，通过和声技巧来实现对作品原有结构的调性调整。因此，在钢琴演奏教学中，要想让学生对音乐作品结构与调性变化更好的掌握，帮助学生更好地演奏作品，就需要运用和声技巧教学，以有效提升学生合成技巧应用能力。在钢琴演奏教学中，帮助学生把握和声作品风格，更有利于引导学生理解钢琴音乐作品，作为体现音乐风格的重要元素，和声是钢琴教学中必不可少的内容。所以，在钢琴演奏教学过程中，教师一定要将把握作品音乐风格与和声分析有机结合，以便于学生能够准确地理解音乐作品风格，在钢琴演奏过程中能够再现作品风格，提升钢琴演奏效果。
四、结语
总之，二十世纪的和声概念，是多种和声体系的归纳性认识，和声由初始的音响概念，逐步发展为功能体系概念，层层递进，螺旋上升，再到能包容多种体系的发展状态，和声始终体现了不能够预测将来的“和谐协调”的哲学含义，和声概念虽然不断发生变化，但是，固守和声的本质内涵是不变的，我們音乐教育工作者要充分认识到其保持历史的继承性，用综合型的思维方式将和声理论应用于钢琴教学中，不断探索新的教育教学方法，促进理论与实践相结合，达到知识的迁移与融会贯通。
参考文献
[1]曾强.和声理论在高校钢琴教学中的运用[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2010（04）.
[2]王尚斌.试探和声理论在钢琴教学中的应用[J].时代文学（下半月），2008（04）.
[3]赵阿光.论钢琴教学中和声理论知识的运用[J].星海音乐学院学报，2005（04）.
[4]唐昌菲，张俊.略论从钢琴作品中学习和声织体的应用[J].当代教育论坛（管理研究），2011（02）.
[5]田霞.和声理论及其在高校钢琴教学中的具体运用探析[J].北方音乐，2013（05）.
[6]曾贞.高校钢琴伴奏教学的实践探索——评《钢琴伴奏教学概论》[J].教育发展研究，2016（21）.
[7]刘亮.和声理论在钢琴演奏教学过程中的运用[J].艺术教育， 2014（04）.
作者简介：张承林（1983—），云南省昭通市人，本科，讲师，主要研究方向：音乐教育。
【关键词】和声的演变；钢琴教学；应用
【中图分类号】J616 【文献标识码】A
进入二十一世纪以来，和声理论发展更加成熟，不仅摆脱了古典和声具体结构规律的制约，还初完成了从量到质的飞跃。因此，在钢琴作品教学中，我们更要关注和声应用上的特点，脱离了专业的钢琴理论，学生的钢琴演奏能力就很难获得有效提升。所以，在钢琴教学中，要提高学生钢琴演奏艺术水平，需要开展和声理论教学，用专业理论作为框架支撑，帮助学生提高分析钢琴作品的能力，使学生能够牢固掌握钢琴演奏知识，更好地认识和声理论，并将理论与实践相结合，不断提升自身把握、应用和声的能力。
一、和声概念的发展与演变
在人类音乐实践过程中，和声概念将感知对象共同特点抽出来，并将这一共同点给予高度概括。随着音乐的不断进步，促进音乐艺术的不断发展。和声概念的发展与演变，经历了三个历史阶段的变化，从十七世纪、十九世纪到二十世纪，和声概念在历史发展过程中，也在不断探索新方法，创造新音乐。和声概念和声（harmony）一词，早在5～17世纪源于古希腊语，意识是和谐、协调，属于一个具有哲学含义的词。到了中世纪，和声一词被用于音乐理论之中，指的是“协和的音响”。在古代欧洲，在和声音乐概念萌芽时期，一些音乐理论家对于和声音乐概念就有了不同的定义， 当和声概念被定格在大、小三和弦时，便成为和声理论的中心材料，影响着后世几百年和声音乐的发展。17～19世纪的和声，在现代音乐理论中被人们称为“传统和声”，它贯穿着传统的美学思想，被认为是音乐理论建设中比较完整严密的和声体系。这一协和悦耳的美学观在十七世纪发展起来，并主宰着音乐的发展。
法国音乐理论家拉莫（1683～1764）在l8世纪，在主调写法蓬勃发展背景下，音乐思维多声部和弦现象成为主导情况下，将理论与实践相结合，撰写了《和声的基本原理》一书，并与于1722年出版。在该书中，将“和声就是和谐音响”概念进一步深化，发展为和弦及和弦连接理论，在观察和分析和声问题时，将其看作是一个相互联系的整体，“和声”概念进一步清晰，和声的特殊性以及在音乐技术中的意义也越来越明晰。这一时期的和声概念，以大小调式為基础，和弦构成的原则及纵向关系是三度叠置。和声在音乐作品中的横向关系，主要以三个功能和弦为主要材料，将协和和弦看做是中心点，功能和声体系以大、小三和弦为中心。无论是纵向，还是横向，或者纵、横向关系，和声关系都体现调性的含义。传统和声的基本概念，就是将协和音响作为理想和声材料，围绕协和音响这个中心，向着同主音、同中音等方向扩展，以便于建立自然音体系的和声，构筑逻辑更加严密、应用范围更加广泛的和声体系。
在l8世纪音乐作品中，和声是音乐语言的重要语汇，显示了巨大的调性布局、终止式等结构作用。如果说，古典主义音乐和声形式优美平衡，那么，浪漫主义音乐，将其扩展到更远的边缘，支撑着音乐的对称与平衡。调性和声极尽自身所能，不断拓展其统治的领域。可以说，中世纪和声的概念在这一时期被大大地拓展，中世纪和声体系的中心材料是小三和弦，把协和悦耳、保持调性放在主要位置，在调性音乐领地中，使用了各种不协和和弦，使其在音乐实践中占有重要的地位。各种类似属七和弦以及带变音的不协和和弦，及其变体结构的副属和弦，几乎统治了音乐整个过程，逐渐成为重要的音响材料，用量大、分布广、频率高，意欲在不协和和弦的深处将协和的主和弦隐藏。另外，在l8世纪音乐作品中，和弦以及和声融为一体，和声音乐织体纵、横关系协调一致，既体现调性，又有着明确的进行目标，在调性布局中有着自身存在的意义。和弦与和弦之间调性关系呈现逻辑化关联，体现了稳定与不稳定的关系，当然，这些倾向与被倾向的关系已是为大家所熟知和声体系。
进入二十世纪以来，调性和声已走到极限，二十世纪的和声，已经开始走向多个和声体系并存，寻找和声的新天地的局面。每个作曲家都在探索新方法，创造新音乐，寻求新材料。二十世纪的和声音乐有着纤细优美的润饰，不受严格模式的约束，陈述更加地豪放大胆，利用和声抒发开展幽思遐想的瞬间。二十世纪的和声，多种多样素材集结在一起，突破了传统式的各种手段，因此，需要有一个新的声本质的概念，能够反映多种和声体系的共性，能够在更高层面上概括和声。当然，自进入二十世纪以来，有关现代和声的论述颇多，有的从方法论角度剖析，有的主要站在和声材料角度论述，有关现代和声的概念，霍罗波夫（俄罗斯著名音乐理论家）应用历史分析和归纳分析，深入地剖析了这一时期所有重要作曲家音乐实践，提出了有着广泛影响意义的“以合理选择的中心成份为基础，而形成的结构成份相互关系”的和声概念。这个概念大体涵盖以下几个方面：一是二十世纪的“多样化、特性化”的合成材料；二是和声材料“中心成份与其它成份”之间的关系；三是“多元性与同一性”的合成材料构成原则，当然，除了上述三个方面外，还有和声材料的范围以及材料的陈述形式等问题。
二、钢琴艺术风格及钢琴演奏教学中的和声分析
从历史发展的角度来看，钢琴艺术风格形态演变主要经历了以下几个时期，巴洛克风格时期；二是维也纳古典风格时期；三是浪漫主义风格时期；四是印象主义风格时期；五是二十世纪现代音乐风格时期。在不同的时期里，由于自己家美学观念追求目标不同，作曲技法各有差异，导致各个流派在和声组织上风格不同，特色不同、和声调式各有差异。巴洛克时期的音乐一般不分主次，以复调音乐为主，就算是有所突出，一般情况下也要保持几个声部的独立进行。维也纳古典风格时期，和声以大小调自然音体系为主体，基础的主调音乐以严格、简单、质朴的功能逻辑为组织手段；浪漫主义风格时期，和声渐渐开始频繁使用各种变音及不协和和弦，作为一种纯粹的表现因素，和声色彩极其丰富，和声织体的写法与以往也存在了很大的差异。印象主义风格时期，调性体系瓦解，从整体上看，作曲家喜爱回避主要调中心的清晰度，愿意避免属到主的终止式。在钢琴演奏过程中，演奏者能否把握作品中所蕴含的音乐意味，深人分析作品，对钢琴演奏效果有很大的影响。在音乐发展史上，和声经过十八、十九世纪的演变，开始进入变化最为急剧的二十世纪。也可以说，二十世纪的和声思维与技法发展更加成熟，初完成了从量到质的飞跃。二十世纪的和声，彻底摆脱了古典和声具体结构规律的制约，因此，在钢琴作品教学中，我们更要关注和声应用上的特点，掌握作品整体发展逻辑。 众所周知，在钢琴音乐作品中，作曲家确定音乐的段落和句逗，一般需要依靠和声终止式来完成，想在音乐结构上标新立异，更需要利用和声手段来实现。例如多芬的《致爱丽丝》，为了求得音乐结构的洗练、清晰，作曲家仅用I，V两个和弦来支撑乐段。在即兴伴奏教学中，涉及和声的问题也比较多，如和声织体的运用，以及在一起即兴伴奏过程中和声的合理选择。关于和声织体的运用在即兴伴奏中，和声织体既能够有效补充旋律无法表达的一些方面，也可以强化旋律的表现作用，使音乐形象更丰满，旋律乐思内涵更深化，和声织体运用得恰当，可以为提高即兴伴奏水平做铺垫，以达到对作品的完美诊释。和声的合理性选择，首先，要注重音乐风格选择，之后，再依据风格合理性选择和声。如果我们不考虑这风格，片面地选择和声，很难达到理想的演奏效果。和声选择的合理性，还要确定涉及的调性 （或者是民族调式或者是西洋大小调等），如果我们对调性概念模糊，不能够明确调性，就可能导致合生选择的方向性错误。为解决此类问题，在分析与演奏钢琴作品时，我们一定要注重激活学生的理性思维，引导学生关注作品，把目光投向钢琴作品和声调性构架原则及规律上来，以达到拓宽其感性认识空间的效果。
三、在钢琴演奏教学中和声理论的应用
钢琴音乐作品不仅蕴含着作曲家独特的艺术思维，还传递着作曲家对生活的感受，所以，在钢琴作品教学中，教师首先要引导学生耐心细致的分析音乐作品背景，使学生对作品风格、音乐元素、结构有一个初步了解，只有这样才更有利于学生理解作品精神内涵，在钢琴演奏过程中提高钢琴演奏的感染力。所以，在钢琴演奏教学中，我们要让学生充分认识到和声部分对于钢琴演奏的重要性，让学生充分了解和声的作用和价值，以及和声对钢琴作品情感表现的影响。在钢琴演奏过程中，演奏者的人生阅历、个人乐感、对音乐情感的理解程度都会影响钢琴演奏效果，而和声理论能够帮助演奏者更好的诊释音乐作品，使演奏者能够快速理解作品中的思想内涵，以便于在钢琴演奏过程中能够将自身的音乐情感融入其中，有效提高钢琴演奏效果。另外，在钢琴教学中，和声运用不仅会影响着作品的演奏风格，还会影响演奏者演奏技能的提升，所以，在钢琴教学中，我们要结合和声理论来讲解课程，使学生在充分了解音乐风格及特点的基础上，更好地诠释音乐作品，通过不同的和声技巧来准确把握音乐作品，提升钢琴演奏水平。
把握钢琴音乐作品，不仅需要学生音乐基础知识过硬，还需要学生具备一定的和声技巧运用能力，在音乐作品结构及情感转变过程中，能够有效地通过和声来把握作品中的整体调性布局，以有效增强钢琴演奏流畅性。所以，在钢琴教学中我们要引导学生有效地利用合成技巧，根据和声理论设计作品调性，在作品转折与高潮部分利用和声技巧实现钢琴演奏的完整性。为了确保作品段落间自然过渡，作曲家会利用转音技巧来完成，而曲段间的变化，要烘托和强化作品的情感，就需要充分利用音阶变化，通过和声技巧来实现对作品原有结构的调性调整。因此，在钢琴演奏教学中，要想让学生对音乐作品结构与调性变化更好的掌握，帮助学生更好地演奏作品，就需要运用和声技巧教学，以有效提升学生合成技巧应用能力。在钢琴演奏教学中，帮助学生把握和声作品风格，更有利于引导学生理解钢琴音乐作品，作为体现音乐风格的重要元素，和声是钢琴教学中必不可少的内容。所以，在钢琴演奏教学过程中，教师一定要将把握作品音乐风格与和声分析有机结合，以便于学生能够准确地理解音乐作品风格，在钢琴演奏过程中能够再现作品风格，提升钢琴演奏效果。
四、结语
总之，二十世纪的和声概念，是多种和声体系的归纳性认识，和声由初始的音响概念，逐步发展为功能体系概念，层层递进，螺旋上升，再到能包容多种体系的发展状态，和声始终体现了不能够预测将来的“和谐协调”的哲学含义，和声概念虽然不断发生变化，但是，固守和声的本质内涵是不变的，我們音乐教育工作者要充分认识到其保持历史的继承性，用综合型的思维方式将和声理论应用于钢琴教学中，不断探索新的教育教学方法，促进理论与实践相结合，达到知识的迁移与融会贯通。
参考文献
[1]曾强.和声理论在高校钢琴教学中的运用[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2010（04）.
[2]王尚斌.试探和声理论在钢琴教学中的应用[J].时代文学（下半月），2008（04）.
[3]赵阿光.论钢琴教学中和声理论知识的运用[J].星海音乐学院学报，2005（04）.
[4]唐昌菲，张俊.略论从钢琴作品中学习和声织体的应用[J].当代教育论坛（管理研究），2011（02）.
[5]田霞.和声理论及其在高校钢琴教学中的具体运用探析[J].北方音乐，2013（05）.
[6]曾贞.高校钢琴伴奏教学的实践探索——评《钢琴伴奏教学概论》[J].教育发展研究，2016（21）.
[7]刘亮.和声理论在钢琴演奏教学过程中的运用[J].艺术教育， 2014（04）.
作者简介：张承林（1983—），云南省昭通市人，本科，讲师，主要研究方向：音乐教育。