编者按 近代以来，作为政治文化首善之区的北京，吸引了国内无数英才俊彦汇聚到此。在文化艺术方面尤其如此，其中心地位优势决定了活跃其中的艺术家所具有的普遍包容心态和高远目光。在画界，北京画家自然更易得国内风气之先并引导时尚潮流。从风格上看，很难用一、二句言语就能评定北京画界的总体面貌和大概情致，只能说北京画界可能最能反映国内绘画艺术的动态和倾向。他们和国内其他地区的画家们一样，在艺术世界里努力而探索、创新，形成自己的独特天地。这里介绍的就是生活于北京地区的四位艺术家的书画作品。（无锡龙行阁画业供稿）
　　
　　刘玉林
　　
　　刘玉林，1952年生于哈尔滨，祖籍山东济南。2004年入中国画研究院进修。国家一级美术师。现为文化部中国画创作中心副主任、专业画家。
　　
　　刘玉林的山水画，起初是深入到龚贤山水的经典范式之中，注重于对笔墨的把握和境界的营造。后又上追宋元诸家，尤其对王蒙、黄公望情有独钟，画面墨气淋漓，笔力遒劲，画境始见微茫、淡远。对于传统的认知和对笔墨的理解加深了对笔意的感悟。
　　中国画尤其是水墨画一直以墨为主，色彩为辅。王维在《山水诀》中说：“画道之中，水墨为上”、“肇自然之性，成造化之功”。刘玉林的山水画，也紧紧抓住“笔墨”语言，描绘心中的意象山水。从近期创作的一批画来看，他通过传统技法，笔墨层层叠加，意境开合、云气散漫，通幅作品元气淋漓，气脉相通。皴山擦石，侧锋点染，山野明净，老屋数间，而心境直追古人，达到了“意与古会、神与物游”的理想境界。
　　
　　刘玉林的山水画，另外一个鲜明的特点就是对境界的营造。王国维认为：诗“有造境、有写境，此理想与写实二派之所由分”。其实，绘画也是如此。玉林的山水画境界当属“造境”。把胸中蓬勃的情感化为物象展示出来，写心中的山水。画家造境，可以是实的，也可以是虚的，也可以虚实结合。通过他的《秋山悟道》、《太乙近天都》、《溪山论道》等作品可以看出，画家的笔墨间具有内涵、才情、气质与品格。
　　古人画论中谈到“惨淡微茫为妙境”。我们姑且不论“惨淡微茫”是否还有情感色彩的因素存在，但我从画家刘玉林的绘画中感受到那种骨子里透露出的根植于生活的情感的体验。
　　
　　李晓明
　　
　　
　　李晓明，1959年出生于河北任邱，毕业于解放军艺术学院美术系，中央美术学院国画系研究生班，现就读于中国画研究院高研班。
　　
　　花鸟画中的水墨和小写意技法都从元代开始流行，经明代早中期宫廷画家林良、吕纪和吴门画派沈周、文征明等人的不断开拓，到明代中后期的陈淳、徐渭，终于完成了向水墨大写意的飞跃。
　　创新应包括技法表现和题材意境这两个方面成功的拓展与升华，二者缺一不可。以豪迈雄强、阳刚大象为特征的李晓明的花鸟画艺术，正是在以上两方面显露出才情与智慧。从观念到题材，到技法在前辈大师的基础上，以大刀阔斧的笔墨气度、酣畅淋漓的文脉韵致，匠心独具的艺术构成，使其水墨写意花鸟画呈现出一种高品味，大手笔的艺术风貌。
　　
　　李晓明的绘画语言，紧紧凝聚着“笔墨”这一抽象美的内容，水气氤氲，笔饱墨厚，遥接明代徐渭的风神，近承吴昌硕写意画的意绪，坚持直面自然，合理合法，有情有趣，大而不空，繁而不窒，大开大合，虚实相生，黑白掩映，动静生发，层次丰富，令人回味。
　　他的花鸟画呈现最大的特点是激情充沛，精神饱满，笔墨酣畅，元气淋漓，大笔挥洒，收敛自如，舍形悦影，传神达意，在似与不似之间达到有效平衡，特别值得推崇的是深得用水之奥妙，因而他的花鸟画水墨语言个性突出。
　　
　　
　　艺术说到底是一种生命状态的文化隐喻。李晓明以古人为师，以传统为法，以生活为营养，以修养为底蕴，体现出冷静的审美追寻与执著的生命意态。在这个艺术表现纷乱丰富的时代，这样的艺术实践是可取的。
　　
　　郭丰
　　
　　郭丰，1962年生于北京，祖籍山东聊城，法名妙荣居士，别署半荷塘主。中国美术家协会会员、中国书法家协会会员、北京书法家协会展览部副部长。曾先后就读于中央工艺美术学院装潢系、中国艺术研究院研究生部“中国画名家班”。
　　时下的中国画界，不时能听到操着不同口音的争鸣声，画家郭丰不为所动，用传统笔墨力耕耘依旧，却也有了时代性的收获。这批画作就可见一斑。
　　一个画家，尤为重要的是要找到能充分发挥自己艺术才情的途径，正确运用绘画元素，把感悟充分表达出来。书法用笔，千古不易。画家郭丰作画并兼及书法，从先秦石鼓、商周盘铭，到张迁，北朝造像等等，无不通晓。悟书画同缘之理，撷取汉隶之浑劲丰茂、北魏之疏荡纵肆，明清草书之俊骨逸韵，融其精髓养性陶情。远观其画作如睹山河之丽使人心旷神怡，有书画互用之妙，体现出了“超逸”的艺术风格。逸者逍遥，逸者陶然，逸者静穆。这样绘画作品不仅突出了主体的感受，而且在美学追求上，融汇了一个时代公众所认同的价值，所以，对画家来讲“超逸”是一种审美心境。郭丰能够保持这种心境，很大程度上体现出其对事物“所其自然”的把握。
　　画家郭丰生长在北京这块古老而具有丰厚文化底蕴的土地上，并在延续数千年的工具材料中寻找新的艺术创造。这批作品和以往大不相同，在氤氲与线的空间分隔中追求视觉的张力，把文人画的梅、兰、竹、菊品格展示其中。如《五月榴花忽见春》、《篱边倩影图》等，画家通过对其虚实关系的整合，在线面穿插的同时，又将枝叶、果实安置在虚实相生的境界中，线条的节律的率意和豪放被发挥得淋漓尽致，简约清新中蕴涵着无限韵味，向人们呈现的是生命的情，炽热的意。
　　寂寞之道，书画娱性。传统绘画的精神不断为画家郭丰的创作输送新鲜充足的营养。画面的气息，融入了他对自然之境的感悟，花草、怪石，在画家的笔下有着自己的情态，动静相宜，花与鸟的和谐，叶与石的默契体现出纯朴自然的真实情感。
　　画家郭丰的大写意花鸟画，充满的是菊之品、荷之畅、竹之美、梅之洁、兰之雅，无不让人感动，让人陶醉。如是大光明、大自在的作品，让我们有理由相信他在花花草草的经营中，沉迷着，并快乐着。
　　
　　萧丽
　　
　　萧丽，生于北京，现为中国绘画艺术研究院研究员。北京黄埔大学艺术学院副教授。中国榜书协会艺委会委员，公共关系协会委员。1993年结业于中央美术学院国画系，1994年就读于中国艺术研究院研究生班，2005年结业于何水法中国花鸟画高级研修班。
　　
　　萧丽从小就生活在大都市里，凭着自己的天性和好学，练就了较高的审美眼光和对艺术的良好感觉。去年，她参加了“何水法中国花鸟画高级研修班”，被何先生绘画方法和作品所感染，毅然选择了以淡彩没骨画为语言的表现方法。
　　正如一位画家所言：“城市中的花鸟画家，如果不是打着学习、继承传统的幌子，在古人的图式中剪裁、拼凑成自己的风格，陶醉在假想的鸟语花香中，那么，就去留意自己，留意周围的生活，去表达你对现实的当下关怀。花鸟画这时才有可能成为‘当代’。”萧丽的作品也明显地透露出女性画家的独特的审美性格，优美、柔和而雅致。
　　在构图上，打破传统花鸟画的范式束缚，把画面形象的正形和空白的负形同时纳入画面构成中，使形的轮廓关系和画面的边角发生有机的内在关联。印章的敲打也极为考究，从而使画面的各种造型因素形成了和谐、完整、丰富的有机整体。看似轻松、简洁、单纯的画面构成，却包含着画家的苦心经营。
　　在造型上，把自然形态的结构转换为画面形态的结构，使造形既尊重客观真实，又具有大幅度地个人化的抽象处理。由于画面的表现方式选择运用在熟纸上的没骨淡彩，从而也为克服某些文人画的草率、粗疏、恣意涂抹的陋习和某些工笔画的局促、僵硬、匠气十足的毛病。
　　在色彩上，一改传统没骨相对单调又较为客观的敷色程式，凭借自己对色彩的敏感和色彩规律的有机把握，使画面色彩亮丽、丰富而雅致，传达出一种赏心悦目的视觉美感。