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“水墨画”是什么？从画面表现上看，就是我们通常所讲的纯用“ 水”和“墨”的极简元素来绘制的画，画面无设色或少有设色。以水墨为核心要素的绘画古人称作“水墨画”，近代人们为了区别于西方绘画，便将“水墨画”改稱“中国画”。而水墨画如今就成为了“纯用水墨来呈现画面”的一种绘画形式的别称了。由于其悠久的传统与独特的风韵，使其足以在世界艺林中独树一帜。
水墨为上之风
中国画以墨线为主要造型语言的表现形式起源很早。早在石器时代，原始先民就已经开始在陶器上作画了，虽然略显幼稚，但可以说那是最早的中国画。到了周朝，我国就有了人物画像，春秋时期更出现了大型壁画。隋唐则成为画坛名家辈出的时代——著名画家阎立本擅用墨线表现人物，被称为“画圣”的吴道子更是那个时代的传奇。
唐代诗人王维不仅是个“诗佛”，也是一位大画家。他在《山水诀》中提出了“水墨最为上”的绘画思想，意思是在绘画创作上水与墨是构成中国画的价值核心。这一观念开辟了中国画的后续局面，后人纷纷顶礼遵循。王维到目前依然被称为“水墨画”的开派祖师。
文人主导推进
在文人画家们主导画坛话语权后，更是不断为水墨增添着玄妙的色彩。尤其到了宋元时期，中国水墨画更达到了一个巅峰。画家们开始加强对于水墨的表达，让绘画的表现语言从此也更加丰富。墨的运用在这一时期更为自由，不仅诸多笔墨技法得到了开创，更充分释放了中国水墨画的表现力，让中国绘画体系走向了成熟阶段。
宋代著名画家如范宽、苏轼等的作品基本都是水墨画，如范宽的《溪山行旅图》，以及2018年拍出4.636亿港元的苏轼《木石图》等。而张择端的《清明上河图》更是中国经典传世名作。它就是一幅水墨画巨制，作品纯用墨线与笔触构成画面，成为千古传承的杰作。还有元朝画家黄公望的《富春山居图》也属经典的水墨山水画巨制。可见，宋元时期的画家们在水墨的世界里，将中国绘画艺术中的灵魂与意境发挥到了极致。
随着造纸技术的不断完善，唐、宋、元书画皆有高超的水墨佳作。在宣纸上作画更是让宋元绘画对水与墨的运用发挥到了极致的高度，后人几乎难以逾越。随着时间的推移，后辈画家开始察觉到一个问题，无论再在水墨上做何种创造，也都难以超越宋元画家。
水墨画看上去虽然是单一色素，但实际上墨也是有多种颜色的。唐代张彦远在《历代名画记》中提出“运墨而五色具”，这五色便是“干、湿、浓、淡、焦（也称为黑）”。
古人将墨色概括成五种，实际上墨色的变化不止这五种。一幅出色的水墨画，能够以墨和白这两种最基本、最重要的色彩为主要载体，通过水与墨的不同量融合于宣纸上，然后晕染渗透，产生丰富的层次感，并且达到浑然一体的效果。这是水墨画创作的难点，也是其最为精彩的地方。
如果仅从水与墨这两种元素中寻求创新，难度很大且很有局限性，所以后人也大多开始在色彩上做文章。如此一来，对于水墨的深入研究也变得令人望而却步。宋元水墨画就像一座大山挡在面前，难以突破。因此，宋元之后，色彩画更为盛行，水墨创新步履维艰。
并非不可突破
到了明清时期，画家们在画中引入丰富的色彩表现，甚至比唐代的绘画还要绚丽多彩，并逐渐开始受到西方绘画的影响。尤其到了近现代，中西合璧更成为一种风潮。徐悲鸿、张大千、刘海粟、林风眠、李可染、吴冠中等都是中西合璧绘画的集大成者。他们的作品取得了很大的成就，但多基于设色画的成功表现。由此，彩墨画与水墨画呈现出齐头并进的态势。
自宋元以后，在水墨画的创作实践上，有独创性的画家屈指可数，因而也更显珍贵。有些在水墨画创作上颇有成就的艺术家作品，因其独特性强、艺术价值高而更容易被人记住，更能成为传世名作。明清时期，徐渭、八大山人、石涛、“四王”等的水墨实践更加完善着这个艺术体系。
清代张庚《浦山论画》中说：“气韵有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。发于无意者为上，发于意者次之，发于笔者又次之，发于墨者下矣。”“何谓发于意者？走笔运墨，我欲如是而得如是，若疏密、多寡、浓淡、干湿，各得其当是也。何谓发于无意者？当其凝神注想，流盼运腕，初不意如是而忽然如是是也。谓之为足则实未足，谓之未足则又无可增加，独得于笔情墨趣之外，盖天机之勃露也。”水墨画的高妙之处在于天人合一，这也成为了我们民族的审美哲学。
说到近现代水墨高手，我们很容易想到齐白石，第一时间就会想到他画的“虾”。而虾就是水墨画，齐白石没画过“ 彩虾”。徐悲鸿的“马”也大多以水墨来表现，还有黄胄的“ 驴”、黄宾虹的山水，更是在水墨画的基础上做出了非常大的突破，把积墨法带上了一个高度。
在今天的艺术品拍卖市场上，黄宾虹的水墨画特别受欢迎，一幅精品少说要从千万元起拍。而齐白石的“ 虾”、黄胄的“驴”、徐悲鸿的“马”等更是家喻户晓的水墨经典，也是拍场上的宠儿。
简要回顾了水墨画的发展历程，其实这也浓缩了中华文化的发展规律——先是简陋的无奈，再是自觉的应用，终是推向纯粹的高端，水墨画已成为中华文化重要的价值基石。