在日本的众多当代摄影家中，杉本博司的作品尤其别具一格，他并不象大多数摄影家那样关注广泛的题材，而是以极其严谨的态度将自己的创作实践始终定位在既定的轨道上。具体而言，在他的全部拍摄历程中，只将镜头聚焦在三个先后开始、并持续至今的系列上，既博物馆系列、老式影剧院系列和海景系列。作品以无懈可击的黑白语言和钻石般鲜明锐利的影像将摄影的魅力生动地展现出来，从而使他在国际当代摄影界稳居重要的一席之地。
　　杉本博司于 1970年从日本立教大学经济系毕业后，即移居美国洛杉机。尽管当时所学的专业与艺术毫不沾边，但他却一直对东方及日本的传统美术抱有极大兴趣，长年来进行了广泛的收集和研究。尤其是到了美国之后，在西方文化的背景下，他对东方古典艺术精神有了新的体悟。后来他进人著名学府——艺术中心设计学院学习设计，在此期间他开始研究摄影并逐步使其成为自己艺术创作的主要手段。在他的早期作品中就可以看出他对东方绘画中的空白处理和单纯化的形式语言的心领神会。 1974年他毕业后定居纽约，身处国际现代艺术中心，杉本博司逐渐找到了自己艺术的定位——以传统语言表述现代观念。
　　最初使杉本博司在国际艺术界为人所知的是他从70年代中期开始拍摄的纽约自然博物馆系列。他使用8×10英寸的大型相机，不可思议地生动表现了远古时代动植物的生息状态，混沌未开的苍茫原野在他的镜头里传达出震撼人心的力量，令人真切地感受到没有语言的悠远时代的传说般场面。显然，杉本博司在这里追求的远不是这些模型的简单再现，而是致力于对摄影语言的开掘。
　　如果说他拍摄的那些自然标本所捕捉到的是静止的瞬间的话，那么他后来的影剧院系列则是流动的时间。从70年代后期开始，杉本博司遍寻美国各地遗留的20世纪初期的老式影剧院，在放映电影时，始终保持相机快门的开启状态，对着银幕拍摄，使之成为一块纯粹的白色发光体。杉本博司通过银幕这一载体将时间的流逝形象化了，他将这称为“被曝光的时间”。画面中耀眼的白光产生出一种神话般的辉映，老式影剧院内部的各种豪华装饰在它的映照下，如同凄美的废墟一般具历史感。古希腊风格、古埃及风格以及中国和西欧风格的纹饰、立柱、壁画等等，在若隐若现之中产生出一种仪式般的神圣和肃穆，和他的拍摄行为一同积淀在画面上的文化和历史的因素更凸现了时间的概念。
　　杉本博司从80年代开始拍摄海景系列，为此他的足迹遍及世界各地。与以往风格不同的是，作品的构图极为简炼，水平线一反构图规则地居画面中央，将天空和大海一分为二，除此之外再没有任何其它多余的景物，唯一能让观者辨别每幅作品不同的只有他所提供的类似文书档案的标题。但在天空和大海的单纯组合之中，却充溢着我们平常感受不到的、有着深厚意味的气氛。在同样构图的不断重复中，杉本博司捕捉住了波纹的形状、水色的浓淡、以及天空大气的极细微的变化，作品着力表现的是空气的密度，海水的组成和光的作用，产生出一种令人目眩的力量。随着对自然界中似乎不受时间侵蚀的天光水色的还原，杉本博司的海景具有了超越常规时间和地理概念的、可以被称之为“永远”的意义。
　　从自然博物馆到老式影剧院系列，杉本博司一直追求的是将时间定格的表现。如果说在老式影剧院中还能看到其主观意志的流露的话，那么在海景系列中，随着画面的高度洗炼乃至抽象化，作者的主观意志则完全消融在画面所表达出的无限时空之中，从而达到了“大象无形”的至高境界，这也是杉本博司的作品之所以能获得国际性评价的原因所在。
　　


　　如今，杉本博司依然常年奔波于世界各地，难得回到日本。由于时间上的原因，在日本期间我没能有机会当面采访杉本博司先生。于是我只好从多伦多拨通了他纽约工作室的电话，他正忙于为即将在奥地利揭幕的个人展览制作作品。在我说明意图之后，杉本博司先生十分友好地接受了我的电话采访。
　　问：首先请谈谈东方传统文化对您的影响。
　　答：我很喜欢中国的宋代山水画，特别是南宋画家马远的作品。尽管已经是很久以前的事情了，但你也许还可以在我今天的作品中看到他的影响，（杉本博司先生居然头头是道地对我谈起了中国古代美术）“宋代有北宋与南宋之分，北宋的山水画比较厚重、大气，和后来的‘泼墨山水’有些接近。南宋的山水画比较单纯，几乎是单色的、对局部风景的细致描写，但表达出来的意境却更加深远。（我很自然地想到了马远的那幅著名的《踏歌图》，真实的细节刻划和对浪漫诗意的追求正是其典型的美学特色。以其为代表的南宋山水画是中国美术史上的一座高峰。“状难言之景列于目前，含不尽之意溢出画面。”这不也正是杉本博司作品的生动写照吗？）当然，由于长年在海外的工作和生活，我现在的作品也融汇了西方的审美意识。可以说是东西方文化的结合。
　　问：您的作品与美国著名黑白摄影大师亚当斯的作品有什么不同之处？
　　答：我很早以前就开始学习亚当斯的手法，这里有非常多他的作品出版物，我从中学到了很多东西。尽管现在的作品和他有些相似的地方，比如说对细部的表现等等，但创作思想是有很大区别的。亚当斯追求的是忠实自然、表现自然。我的作品你已经很熟悉，明显不是这种类型的。
　　问：您是用写实的手法表达抽象的概念，能谈谈您那著名的三个系列吗？它们之间有什么内在的联系？


　　答：三个系列的内在联系就是‘时间’，这就是我要表达的概念，也是我全部作品的基本构思。自然博物馆系列是过去的时间，老式影剧院系列是片段的时间，海景系列是永恒的时间。
　　问：我最喜欢的是海景系列。作为作者，您较为喜欢哪一个系列？
　　答：对于我来说，作品就象我的孩子一样，不可能喜欢哪一个，不喜欢哪一个。我一直是在用全部的精力来平等对待它们。（电话那头传来杉本博司先生友善的笑声。）
　　问：您现在还是同时在拍摄这三个系列吗？
　　答：是的。虽然三个系列的拍摄是先后开始的，但一直是交替进行，现在还是这样。也可以说是平行进行，没有主次之分。
　　问：您作为一位黑白摄影家，能谈谈黑白摄影与彩色摄影的最大区别是什么吗？
　　答：黑白摄影当然要比彩色的难得多。我觉得根本区别在于彩色摄影的‘色’是化学性的，有一点工业制品感觉。虽然能吸引注意力，但很容易浮在面上。而黑白摄影的‘色’却是具绘画性的，就象水墨画里的墨色一样，它是往下沉的，表现力无疑要大得多。
　　问：能给我谈谈您的具体工作情况吗？比如说如何拍摄、冲印等等。
　　答：我现在有三位助手，拍照时毫无疑问必须我亲自动手，暗房里我们也总是在一起工作。
　　问：这么说，后期制作您也几乎都是自己动手？
　　答：不是几乎，而是全部。不论作品的尺寸大小，我都是自己动手。自己作品非自己动手不可，这是任何人都代替不了的。
　　问：我知道，您的作品参加了1998年的上海国际艺术双年展。您去过中国吗？
　　答：我只去过台湾和香港，中国大陆还没去过。当时曾想去拍台湾的海景，但由于种种原因没能实现。我拍过世界上很多地方的海，但是还没去过中国。我知道中国有很长的海岸线，我非常希望能去拍中国的大海。”