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一、左手技巧和训练方法
（一）拇指自然摆放的位置
马尔西克曾经建议用下述方法找到适合每个人的拇指和其他手指自然摆放的位置：用下颚和锁骨将琴夹住，左手降到琴颈下面去，四个手指松弛的弯曲着，拇指靠在从指间向下数的食指第三关节上，然后左臂慢慢向上移近琴颈，使琴颈正进入拇指与食指中间。让食指的第三节末端和琴颈右端接触，这样不致妨碍手腕动作的灵活性。然后把四个手指都按在A弦上，这时拇指的位置，它的轻微的弯曲，它与其余手指的关系，它与琴颈的接触点等都刚好适合于每个人的手型。怎样更好的按住琴弦，让琴发出优美的声音，我个人认为每个人的手指都有其特性，不能用一个统一的姿势去要求所有有人。小提琴归根到底是一种乐器，我们演奏它绝不是追求谁演奏时动作是否优雅，而是拉出的声音是否动听。就曾有人说过：“别去刻意追求手型是否标准，你可以用鼻子去弹钢琴，只要你弹出的声音动听。”这句话对我们小提琴的手型教学没什么重要的意义，但是它清楚的告诉了我们演奏乐器的宗旨就动听。用什么样的方法去按琴弦发出的声音优美，手的灵活性不受干扰，并且省力不别扭，我们就采用什么方法。
（二）手指的松弛
只要做到松弛手的灵活性就有了，当然手不会再觉得僵硬，也不会再有酸痛的感觉了。马尔西克在《如何解决小提琴技巧》一书明确的告诉我们如何做到松弛的。该书纠正了局部肌肉过于紧张的方法，例如左手拇指紧缩和手腕僵硬等问题。
（三）左手的僵硬问题
一般情况下左手的僵硬原因有二：心里上的紧张造成手指僵硬;训练方法不当造成手指僵硬。在练习左手技术的时候一般分为三个阶段：
1.柔软阶段：像婴儿，每个关节孤立控制;
2.伸张和收宿阶段：协调柔软动作，发展灵活性和弹性;
3.力度;稳固性和自由发展阶段。
以上三个阶段的训练顺序不可颠倒。如果把稳固性和自由发展阶段的训练要求移到弹性训练前面实施，那么就会出现手指僵硬的后果。如果把弹性训练阶段提前到完全柔软和被动的感觉阶段，那么更会落得一个左乎手僵硬的后遗症。“每个手指都应按照它天生所具有的力量大小富有弹性的落在弦上。我认为过分抬高手指或把手指投掷到弦上的做法都是不必要的，也是浪费力量其后果很有害。”过分的抬高手指等不当的按弦方法都会造成手指的僵硬。
（四）音准问题
音准不准全是要靠耳朵听，“所谓音拉的准只不过是一种美化了的说法而已。从物理学的意义来讲，音拉的准是不可能的。可是许多小提琴家的演奏却给人以音准的印象。他们是用移动手指位置的方法或是用颤指的方法在瞬息之间把音纠正到接近于完全准确。”这里还涉及练耳等问题，这得靠多年的反复训练，不是一朝一夕可以做到的。
二、右手技巧和训练方法
（一）右手拇指
右手拇指的最佳位置在尾库的末端，即一半在弓枕上，一半在弓杆上。拇指实际是在食指和中指的中间，其作用是对其他手指对弓杆施加的压力给予反压力，以维持弓杆的平衡。
（二）食指和小指
食指主要是掌握发音的，而小指主要是控制声音的。每个手指都参与着运弓，切勿将食指伸直放弃其引导弓杆的作用。为了使小指适于发挥作用，最重要的是小指应弯曲着以之间和弓接触。其余手指都参与着运功，但是仍然是必不可少的。
（三）运弓
运弓的时候，弓也是基本走着与马子平行的路线。“从弓根到弓尖的直线运弓这是整个运弓技巧的基础。弓必须和马子平行，这有两个原因：第一，弓子如果拉的不直，弓与弦的接触点就会乱跑;第二，弓子如果拉的不直就会损害音质”。演奏的好坏，往往都是从这些细微的练习技巧中体现的。
三、身体的姿势
演奏时上半身的摇动总是较大，因此下半身必须要做出相适应的动作，即“左右摇摆”来维持身体的平衡，也很好的避免了身体的僵硬。“琴应该放在锁骨上，用左下颚夹住，左手只是给予一点支持，觉不可因之而妨碍换把的充分自由。如果能不用垫肩那自然最好，因为首先琴背与演奏者的身体接触比较直接，有助于音波的传布。然而绝不应用耸肩的方法，因为耸肩会使肌肉紧张，结果一定会对整个左手技巧起不良影响。”
演奏任何一种乐器都应该是以轻松的姿态去诠释音乐的美好的，除了过长时间的演奏给人的身体带来的疲劳，其他由于持琴姿势不正确，运弓不流畅、耸肩夹琴等，会造成身体的严重僵硬和酸痛。
四、几种音型的表现
（一）弱拍的音符
由于第一拍和第三拍天生就比较强有力，所以要把第二和第四拍从左手动作上运弓上表现的“更好”些。把它们想象成问答句的音型，答句要比问句在语气上强一些，注意左右手的搭配。
（二）重复音
重复音是需要强调一些，这是有心理上的原因的。我们积极的演奏第一个音，而感到第二个音当然会好。当我们演奏重复音的时候，假如我们不给以新的兴趣，使用新的动力的话，这个音就会演的很不结实。所以尽管是同样一个音，我们也要用不同的奏法去演绎。
（三）空弦
很多人在演奏的时候都不太尊重空弦，虽然空弦不用左手去按住琴弦，但是它仍然是一个音。在我们刚开始学习小提琴的时候，首先就要练习拉空弦，把空弦的每个音都拉足这些都是必要的。空弦后面的那个音，手指要太高些，然后快速落下。
五、不同时期的音乐风格
（一）古典主义
古典风格是音乐表现的基础。在这个基础上进行调整、修改，我们就可以表现各个时期作曲家的作品。所以学习大多数西方乐器都是从古典时期的作品开始的，我们都认为古典是基础。“在音乐中，古典就意味着要有不可分割开来的旋律线条，每个句子都演的很从容，强拍和弱拍在节奏上要有匀称感，而弱拍要演得更好一些，注意运功的分配。”那个时期的作品，尤其是巴赫的作品，都是非常的严谨并对演奏者要着较为特殊的要求。人们常说听了巴赫的作品像是上帝派来专门洗净人们内心污秽的，它们是那样的严谨和神圣，基本属于教堂音乐。这个时期之后的作品都是依附于这个时期的基础，所以古典主义是西方音乐文化的源头。
（二）浪漫主义
浪漫主义的作曲家们意识到需要把他们的感情与表情置于已存在的古典乐曲的形式中。在这样的作品中，乐曲有时向前催着一点，有时向后撤一点，使它的均衡性与古典作品稍有不同。浪漫主义时期的作品，多为感情细腻，情绪千变万化，例如贝多芬的作品，往往都是自己对人生的感慨和写照。
【参考文献】
[1]张世详.小提琴教学问答[M].上海：上海音乐出版社，2009.
[2]张世详.怎样练习小提琴[M].上海：上海音乐出版社.2006.
[3]加拉米安.小提琴演奏与教学的原则[M].北京：人民音乐出版社，1981.
[4]卡尔·弗莱什.小提琴演奏艺术[M].第一卷-第一分册，一般技巧部分.北京：人民音乐出版社，1979.
作者简介：陈程（1989—）女，籍贯：安徽，毕业于安庆师范学院，现有职称：初级，研究方向：群文
（一）拇指自然摆放的位置
马尔西克曾经建议用下述方法找到适合每个人的拇指和其他手指自然摆放的位置：用下颚和锁骨将琴夹住，左手降到琴颈下面去，四个手指松弛的弯曲着，拇指靠在从指间向下数的食指第三关节上，然后左臂慢慢向上移近琴颈，使琴颈正进入拇指与食指中间。让食指的第三节末端和琴颈右端接触，这样不致妨碍手腕动作的灵活性。然后把四个手指都按在A弦上，这时拇指的位置，它的轻微的弯曲，它与其余手指的关系，它与琴颈的接触点等都刚好适合于每个人的手型。怎样更好的按住琴弦，让琴发出优美的声音，我个人认为每个人的手指都有其特性，不能用一个统一的姿势去要求所有有人。小提琴归根到底是一种乐器，我们演奏它绝不是追求谁演奏时动作是否优雅，而是拉出的声音是否动听。就曾有人说过：“别去刻意追求手型是否标准，你可以用鼻子去弹钢琴，只要你弹出的声音动听。”这句话对我们小提琴的手型教学没什么重要的意义，但是它清楚的告诉了我们演奏乐器的宗旨就动听。用什么样的方法去按琴弦发出的声音优美，手的灵活性不受干扰，并且省力不别扭，我们就采用什么方法。
（二）手指的松弛
只要做到松弛手的灵活性就有了，当然手不会再觉得僵硬，也不会再有酸痛的感觉了。马尔西克在《如何解决小提琴技巧》一书明确的告诉我们如何做到松弛的。该书纠正了局部肌肉过于紧张的方法，例如左手拇指紧缩和手腕僵硬等问题。
（三）左手的僵硬问题
一般情况下左手的僵硬原因有二：心里上的紧张造成手指僵硬;训练方法不当造成手指僵硬。在练习左手技术的时候一般分为三个阶段：
1.柔软阶段：像婴儿，每个关节孤立控制;
2.伸张和收宿阶段：协调柔软动作，发展灵活性和弹性;
3.力度;稳固性和自由发展阶段。
以上三个阶段的训练顺序不可颠倒。如果把稳固性和自由发展阶段的训练要求移到弹性训练前面实施，那么就会出现手指僵硬的后果。如果把弹性训练阶段提前到完全柔软和被动的感觉阶段，那么更会落得一个左乎手僵硬的后遗症。“每个手指都应按照它天生所具有的力量大小富有弹性的落在弦上。我认为过分抬高手指或把手指投掷到弦上的做法都是不必要的，也是浪费力量其后果很有害。”过分的抬高手指等不当的按弦方法都会造成手指的僵硬。
（四）音准问题
音准不准全是要靠耳朵听，“所谓音拉的准只不过是一种美化了的说法而已。从物理学的意义来讲，音拉的准是不可能的。可是许多小提琴家的演奏却给人以音准的印象。他们是用移动手指位置的方法或是用颤指的方法在瞬息之间把音纠正到接近于完全准确。”这里还涉及练耳等问题，这得靠多年的反复训练，不是一朝一夕可以做到的。
二、右手技巧和训练方法
（一）右手拇指
右手拇指的最佳位置在尾库的末端，即一半在弓枕上，一半在弓杆上。拇指实际是在食指和中指的中间，其作用是对其他手指对弓杆施加的压力给予反压力，以维持弓杆的平衡。
（二）食指和小指
食指主要是掌握发音的，而小指主要是控制声音的。每个手指都参与着运弓，切勿将食指伸直放弃其引导弓杆的作用。为了使小指适于发挥作用，最重要的是小指应弯曲着以之间和弓接触。其余手指都参与着运功，但是仍然是必不可少的。
（三）运弓
运弓的时候，弓也是基本走着与马子平行的路线。“从弓根到弓尖的直线运弓这是整个运弓技巧的基础。弓必须和马子平行，这有两个原因：第一，弓子如果拉的不直，弓与弦的接触点就会乱跑;第二，弓子如果拉的不直就会损害音质”。演奏的好坏，往往都是从这些细微的练习技巧中体现的。
三、身体的姿势
演奏时上半身的摇动总是较大，因此下半身必须要做出相适应的动作，即“左右摇摆”来维持身体的平衡，也很好的避免了身体的僵硬。“琴应该放在锁骨上，用左下颚夹住，左手只是给予一点支持，觉不可因之而妨碍换把的充分自由。如果能不用垫肩那自然最好，因为首先琴背与演奏者的身体接触比较直接，有助于音波的传布。然而绝不应用耸肩的方法，因为耸肩会使肌肉紧张，结果一定会对整个左手技巧起不良影响。”
演奏任何一种乐器都应该是以轻松的姿态去诠释音乐的美好的，除了过长时间的演奏给人的身体带来的疲劳，其他由于持琴姿势不正确，运弓不流畅、耸肩夹琴等，会造成身体的严重僵硬和酸痛。
四、几种音型的表现
（一）弱拍的音符
由于第一拍和第三拍天生就比较强有力，所以要把第二和第四拍从左手动作上运弓上表现的“更好”些。把它们想象成问答句的音型，答句要比问句在语气上强一些，注意左右手的搭配。
（二）重复音
重复音是需要强调一些，这是有心理上的原因的。我们积极的演奏第一个音，而感到第二个音当然会好。当我们演奏重复音的时候，假如我们不给以新的兴趣，使用新的动力的话，这个音就会演的很不结实。所以尽管是同样一个音，我们也要用不同的奏法去演绎。
（三）空弦
很多人在演奏的时候都不太尊重空弦，虽然空弦不用左手去按住琴弦，但是它仍然是一个音。在我们刚开始学习小提琴的时候，首先就要练习拉空弦，把空弦的每个音都拉足这些都是必要的。空弦后面的那个音，手指要太高些，然后快速落下。
五、不同时期的音乐风格
（一）古典主义
古典风格是音乐表现的基础。在这个基础上进行调整、修改，我们就可以表现各个时期作曲家的作品。所以学习大多数西方乐器都是从古典时期的作品开始的，我们都认为古典是基础。“在音乐中，古典就意味着要有不可分割开来的旋律线条，每个句子都演的很从容，强拍和弱拍在节奏上要有匀称感，而弱拍要演得更好一些，注意运功的分配。”那个时期的作品，尤其是巴赫的作品，都是非常的严谨并对演奏者要着较为特殊的要求。人们常说听了巴赫的作品像是上帝派来专门洗净人们内心污秽的，它们是那样的严谨和神圣，基本属于教堂音乐。这个时期之后的作品都是依附于这个时期的基础，所以古典主义是西方音乐文化的源头。
（二）浪漫主义
浪漫主义的作曲家们意识到需要把他们的感情与表情置于已存在的古典乐曲的形式中。在这样的作品中，乐曲有时向前催着一点，有时向后撤一点，使它的均衡性与古典作品稍有不同。浪漫主义时期的作品，多为感情细腻，情绪千变万化，例如贝多芬的作品，往往都是自己对人生的感慨和写照。
【参考文献】
[1]张世详.小提琴教学问答[M].上海：上海音乐出版社，2009.
[2]张世详.怎样练习小提琴[M].上海：上海音乐出版社.2006.
[3]加拉米安.小提琴演奏与教学的原则[M].北京：人民音乐出版社，1981.
[4]卡尔·弗莱什.小提琴演奏艺术[M].第一卷-第一分册，一般技巧部分.北京：人民音乐出版社，1979.
作者简介：陈程（1989—）女，籍贯：安徽，毕业于安庆师范学院，现有职称：初级，研究方向：群文