我的艺术主题是时间
　　一位看过“触摸经典”大师作品展的朋友跟我聊起摄影史时这样说：“大凡能载入史册的人，总是要有开创性或者自己独有的理念才有可能”，美籍日裔摄影大师衫本博司就是这样，将自己的特点发挥到无人能企及。
　　时间、记忆、水、光线、空气，这些是评论家们在谈论衫本博司的作品时使用最多的词汇。我以为，他最喜欢的应该是“空”这个字。他的“电影院”系列作品用长时间的曝光，留存了发光的屏幕，所做的心理暗示无非是想提醒人们，人生无论怎样的表演，最后留下的都是空白。
　　“海”的系列则看似平静，其实是在讲述平静表面下的激流暗涌。近年来的新作“电极”系列，更是他走向艺术巅峰的另一个极端之作。这组作品以奔放的动态和能量，影射着生命起源之时迸发出的火花，更重要的是他并未使用相机，而是将一块电极板放在充满药液的显影盆里，将不曾曝光的大底片与电极板接触，把通电的一瞬间产生的火花留存在了底片上。这样富有试验性的创作，大约是想弥补以前所有创作留下的遗憾：在大自然里他不曾表现过“电”，以往留下的只是时空的记忆，这系列作品却阐释了人生不可回避的死亡，无论你多么强壮，一通电都可能瞬间离开这个世界。
　　衫本博司的强悍就在于他将哲学融入了摄影，用这样的方法来思考问题也说明了他内心的极致痛苦。有人说气候偏热的印度地区容易出哲学家，我的看法截然相反，哲学家跟气候的冷暖没有关系，倒是跟人生的磨难有着必然联系。德国出过那么多的大哲学家，与这个民族精神上所受的急剧痛苦不无关系。
　　与其他日本摄影家不同的是，衫本博司还受过西方的艺术教育，空灵的佛学思想与西方哲学所产生的化学反应，使他成为了一个不可思议的艺术家。
　　1974年，当时纽约MOMA的摄影部主任萨考夫斯基给日本的一批摄影家做了“日本新摄影”大展，使得荒木经纬、森山大道等一批日本摄影家在西方崭露头角，但就艺术的认知度与成就来讲，目前还没有哪位日本摄影家能超过衫本博司。他的作品严谨、讲究、限量数低，深受西方收藏界的追捧。
　　有人曾经问我，同样是日本大摄影家，他们有着怎样的不同？我以为，有的是靠街拍的运气在创作，人物虽然生动，但缺少深层次的内涵，有的则不厌其烦地将镜头对准女人，重复审视着同一种趣味，唯有衫本博司是在不断变化与实践的努力之中。他用他所理解的图像告诉我们，身处模糊的世界里，尽管有着如此众多的困惑与迷茫，又无论经历怎样的疲惫与忧伤，总能遇到强有力的闪电与风雨后灯火辉煌的景象。