从年幼时与自然相融，到如今与水墨为伴;从随性随心，到情理交融;从懵懂无知，到阅历丰富，杨恩国一直在绘画的世界里不懈求索，笃定前行。或在云雾缭绕的清晨，或在风和日丽的下午，寻一处美景，摆好画架，拿起画笔，杨恩国便能忘却生活中的琐事和烦恼，沉浸在绘画的世界里无法自拔。若是灵感迸发，挥毫之间浓墨淡抹，一幅寓情于景、精妙绝伦的作品便诞生了。

　　笔墨随性，追求简单
　　杨恩国出生在农村，山村的成长环境让他可以与大自然亲密接触。草木虫鱼，山川河流，大自然的一切都伴随着他成长。“考大学之前，我一直在山里画画。鲁中山区的景象，一直深深地刻在我的脑海中。”上了大学之后，杨恩国虽然选择了设计专业，但受到学校国画课及周围朋友的影响，加之自己性情所致，他慢慢喜欢上国画，并且越画越深入。
　　“水墨随性”，杨恩国的画和他的性格一样，随和、随心、淡然自我。这种“自我”，包括对知识的积累，对古人的体悟，对写生的理解。“我性格中淡然的部分，在画中也有所体现，我的画面比较松动，淡墨用得多一些，颜色运用得比较少。我想通过灰调的处理，尽量让画面单纯一些。”杨恩国曾经想在淡墨处理上做更深入地研究，想让画面再复杂点，但是不行，“我是那种一天有三个事情在脑子里就觉得复杂得没法处理的人，不喜欢复杂，所以更喜欢简单、单纯的画面感。”

　　绘画不是一成不变的，而是一个因变化而不断探索的过程。杨恩国每天看到的景色不一樣，心情也不一样，绘画所表达的情绪也会随之改变。每天都是新的，一成不变的绘画是一种懒惰，也是一种退步。作为一个专业的画家，“想让自己的画上一个台阶很难，而且越往上走越难，就像金字塔一样，越靠近顶端，人数越少，所以大师就那几个。现在趁自己的思想还比较活跃的时候，努力去做自己喜欢的事，探索更高的境界，是一个艺术家的本分。我很享受这种痛并快乐的创作过程。”
　　对景落墨，寄情于景
　　写生不只是为了搜集、寻找特定的景，还需有所表达。“我对写生的理解就是对景落墨，追求一种当时当刻的现场感受。”杨恩国的写生都是当成创作来完成的，面对实景，他会思考如何运用笔墨转化成作品，比如远山的淡墨跟天上的云的关系如何处理;杂乱的景物怎么提炼出来主次进行取舍;笔墨语言如何根据客观自然转换等等。“要把对眼前景物的感觉提炼成一个画面，其实挺难的。我觉得写生能和创作完美地结合在一起，作品也就算是成熟了。”

　　以前，杨恩国的画趋于感性，但现在，“我越来越理性，也越来越感性了。”他认为，自己以前的感性实际上是缺少章法，靠感觉在画。慢慢地，他在一些方法技巧的处理上越来越理性，而在笔墨的运用上越来越感性。理性是有层次的，当技法成熟，经验丰富，思想与观念变得强大时，它反而转换成一种感性的表达。在杨恩国看来，感性也是有不同境界的，小孩涂鸦的感性和大师画画的感性是两种截然不同的感性。小孩的感性就是一种本能的发泄，而大师的感性是一种理性的表达，能感染人，与之共鸣。
　　谈及绘画灵感的时候，杨恩国说：“我觉得绘画的灵感是从生活中来的，丰富的阅历，可以让人从鸡毛蒜皮的小事里，从柴米油盐酱醋茶的琐事里，找到如琴棋书画诗酒花一般的灵感。”每一个画画的人，特别是那些老艺术家，他们的作品为什么能耐看、有深度？其实并不是因为他的技法多么高超，而是因为他们经历过的生活、他们的阅历，让他们对绘画的理解比常人更为深刻。
　　人们称之为艺术的东西是随着时代和生活不断往前走的。我们今天的生活状态和古人有本质区别，现代人似乎不太可能有古人那种闲云野鹤的生活体验了。山水画作为中国艺术中最为重要的艺术形式和门类，如何在保留其传统哲学精神的同时，又能体现我们当代的生活？这是当下每位国画家都在思考的事情，也是杨恩国常常思考的问题。
　　“在绘画中体验一种抽象的视觉感受，把中国画简化出来之后加入现代观念，是中国画发展的一个方向。”杨恩国认为，当代绘画需要解决的问题主要不是形象的问题，而是绘画语言本身的问题。“山水画经历几千年发展，一下子想要改变很难，但是绘画即使追求古意也要有当代感，无论多么艰难，还是要随时代而发展。”
　　杨恩国有个小心愿：“我一直想给自己刻一方叫‘半蜗’的闲章，意思就是什么东西都要留一半，为了走得更长远，得留点余地。”
　　（编辑/公晓慧  助编/张媛媛）