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摘 要：绘画是一种平面视觉艺术，是在二维空间上展开的造型艺术样式。光和影一直都是绘画艺术的基础和灵魂；离开光影绘画也就失去了意义。而构图作为绘画的章法和布局，更是诸多绘画元素中必不可少的一项。理解光影和构图两种主要造型元素在绘画中的运用．有助于美术教学质量的提升。
关键词：平面视觉艺术；先影；构图
中图分类号：G633.955 文献标识码：A 文章编号：1009-010X(2011)02-0061-02
一、光影在绘画中的运用
《圣经·马太福音》中说：“在黑暗中开黎明”，由此可见，光在这个世界中的位置。光是万物得以显现并且被赋予生命的神奇物质，有光才有了体积，有了形状，有了色彩。在自然界中，光造就宇宙万物；没有了光，就没有绚丽多彩的世界，也就失去了万物生存的基础。光形成明暗，产生阴影，光和影一直都是绘画艺术的基础和灵魂；离开光影绘画也就失去了意义。早在18世纪达·芬奇就从理论上给予“光影”充分的论述，“论光线——照射不透明体的光线有四种：普遍光，例如地平线上大气的光；特殊光，例如太阳、窗口、门洞及其它有限口的光。第三是反射光。第四为透射光……”。他是第一个以科学的态度去研究光影变化的人。也正是由于这些不同于前人的观察与研究，使他的绘画作品中的“光影”变化更丰富、更自然、更有美感。在达·芬奇的作品中，能够充分感受到那种柔和幽雅之美，这也正是14、15世纪以来大批艺术家寻求的一种“光影”模式。
西方绘画对光的运用主要体现在写实性艺术之中．大概从古希腊开始，一直延续到印象主义。在西方绘画史中，光的作用集中表现在两点：真实与理想。所谓“真实”，是指西方绘画对光的运用是对世界的“真实”的认识和“真实”的表达。所谓“理想”．是指在对光的运用中，西方绘画形成了对世界的一种“理想”的认识和“理想”的表达。“真实”与“理想”相对又相依，西方绘画史在一定程度上可以说是在不断探索真实性的历程。画家只有在对光的运用中才能实现对“真实性”的表达，这种表达离不开光，唯有光才是“真实性”的来源，写实的再现真实的描绘一直是一个最基本的准则，因此对光的运用也体现了画家的“真实性”的观念．但是，任何事物都是相对而存在的，贡布里希在《艺术与错觉》中指出“纯真之眼”是不可能有的。“真实性”必然会与“理想性”联系在一起，而对光的运用，也就是一种“理想性”的表现。在西方绘画史中，对光的运用大致可分为三个阶段：第一个阶段从古希腊罗马到文艺复兴。在这个时期，对光的运用是为了制造幻象来达到描述的作用。艺术从古埃及到古希腊的转变，正是古希腊人认识到光的重要，从而认识到明暗，认识到色彩，达到真实的表现。从古罗马绘画《庞贝和赫库兰尼姆》以及《法尤姆的死者肖像》中我们看不到太多的“光”，光被动地被接受，化为了形体．消解在阴影和明暗中。在中世纪，古希腊、古罗马的绘画传统在拜占庭帝国中得到了延续，对光的运用也得到继承．第二个阶段从文艺复兴到18世纪。这时艺术家们已经意识到光的独立表现力，开始强调一种人工性的设计。光不仅可以塑造形体的明暗，还能渲染气氛、营造环境，体现画家的思想。对光的设计大致有几种：一种是烛光效果，以尼德兰的托特．辛特．杨斯的《基督诞生》及法国的乔治．拉图尔的“夜间画”为代表。另一种影响最大的是明暗对比效果，从达．芬奇的“渐隐法”开始，到卡拉瓦乔的“酒窖光线法”，再到伦勃朗的“明暗法”，成为对光的运用的主流。总之，在这个设计光线的阶段，着重的是一种亮与暗的对比，在这种对比中既表现出形象，也传达出一种气氛一种思想。第三个阶段从18世纪一直到“印象主义”。在这个阶段，画家开始表现光线本身，表现真实之光，而不仅仅满足于把光作为物体的附庸。从17世纪开始，随着自然科学的发展，人们对光开始有了科学的认识。1666年牛顿发现了光谱，并认识到事物之所以呈现丰富的色彩是由于对光线折射的不同所致。到18世纪，这种科学的发现开始在视觉艺术上产生影响，绘画描绘的并不是物体本身，而是我们对物体的视知觉。进入19世纪，对表现真实的光线，尤其是外光的兴趣不断增长。19世纪70年代产生的“印象主义”追求对光、色、大气的表现，最终光在与物体的竞争中占据了上风，不是光服务于物体，而是物体服务于光。在西方绘画漫长的发展过程中，光影的应用始终贯穿其中，是影响其进程的主要因素，从忠实的模仿到主观的追求，艺术家们从依赖光影到运用光影，最终达到了对光的解放。
二、构图在绘画中的运用
在《辞海》中，“构图”指艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。“展纸作画章法第一”这个术语中包含着一个基本而概括的意义，那就是把构成整体的那些部分统一起来，在有限的空间或平面上对作者所表现的形象进行组织，形成画面的特定结构，借以实现作者的表现意图。总之，构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。常见的构图形式有以下四种。
1 黄金分割。
黄金分割又称黄金率、中外比，最早见于古希腊和古埃及。公元前4世纪，古希腊数学家欧多克索斯系统研究了黄金分割的问题，并建立起比例理论。公元前300年前后，著名几何学家欧几里得在撰写《几何原本》时，吸收了欧多克索斯的研究成果，进一步系统论述了黄金分割，成为最早的有关黄金分割的论著。把一条线段分割为两部分，使其中一部分与全长之比等于另一部分与这部分之比，取其比值前三位数字的近似值是0.618，这就是黄金分割比。这一比例正好符合人的视觉习惯，对人的视觉产生适度的刺激，使人感到舒适悦目。黄金分割被广泛地应用于建筑、设计、绘画等各方面。达．芬奇的《维特鲁威人》符合黄金矩形，《蒙娜丽莎》的脸也符合黄金矩形，《最后的晚餐》同样也应用了该比例布局。在摄影技术的发展过程中，曾不同程度地借鉴并融汇了其他艺术门类的精华，黄金分割也在摄影构图中广泛应用．在摄影中最简单的方法就是按照黄金分割率0.618排列出数列2、3、5、8、……并由此可得出2：3、3：5、5：8、等无数组比值，这些数的比值均为0.618的近似值，这些比值主要适用于：画面长宽比的确定(如135相机的底片幅面24mmx36mm就是由黄金比得来的)、地平线位置的选择、光影色调的分配、画面空间的分割以及画面视觉中心的确立。摄影构图的许多基本规律都是在黄金分割基础上演变而来的。
九宫格构图也称井字构图，属于黄金分割的一种演变形式。就是把长方形画面的长、宽各分成三等分，整个画面呈井字形分割，井字形分割的交叉点便是画面主体(视觉中心)的最佳位置。实际上这几个点都符合“黄金分割定律”，是最容易引导人们视觉兴趣的视觉美点。这种构图使画面富有活力，呈现出变化与动感，避免了把被摄物置于画面中央而造成的呆板。不是每幅照片都要完全按照黄金分割去构图，重要的是掌握它的规律后加以灵活运用。
2 对角线构图。
对角线构图是指影像在画面上呈对角的方向分布，线所形成的对角关系使画面产生了极强的动式，表现出纵深的效果，其透视也会使拍摄对象变成了斜线，引导人们的视线到画面深处。在摄影画面构图中，除明显的斜线外，还有人视觉感应的斜线，表现在形态的形状、影调、光线等产生的视觉抽象线，因此对线性的把握是摄影构图运用的关键。这种构图在绘画作品中经常见到，对角线构图避免了左右构图的呆板感觉，形成视觉上的均衡和空间上的纵深感。
3 对称式构图。
对称指沿画面中心轴两侧有等质、等量的相同物质、形态的构成形式。对称是一种自然现象，在自然界、生物界随处可见，是人们习惯的一种自然形式。从动植物的形态，如：树叶、雪花…到建筑艺术，都有对称存在。著名的故宫，从整体布局看．天安门、午门、太和殿直至御花园形成一个轴线．两侧严格的遵循了对称的原则。对称式构图分为左右和上下对称，上下对称多以地平线、海平面等为轴线，左右对称多以建筑物、道路、电线杆等为轴。轴线两侧保持着绝对平衡的关系．在人们心理感觉上偏于严谨、理性、有秩序、有一种庄重感。多运用正面拍摄角度，表现景物的正面形象，使画面端庄、肃穆。
4 曲线构图。
曲线构图所包含的曲线为规则形曲线和不规则曲线。曲线象征着柔和、浪漫、优雅，运用在构图中动感效果强，即动且稳，通用于各种片幅的画面。在摄影中曲线的应用非常的广泛，可以表现众多的人体、动物、物体的曲线排列变化以及各种自然、人工所形成的形态，如河流、道路、铁轨等物体自然的起伏变化。S字形构图一般的情况下，都是从画面的左下角向右上角延伸。一般以“S”的形状从前景向中景和后景延伸，画面构成纵深方向的空间视觉感，这种构图的特点是画面比较生动，富有空间感。
参考文献：
[1]达·芬奇．论绘画[M]．人民美术出版社，1979．
[2]穆家麒。西方美术史略[M]．河北美术出版社．1986．
关键词：平面视觉艺术；先影；构图
中图分类号：G633.955 文献标识码：A 文章编号：1009-010X(2011)02-0061-02
一、光影在绘画中的运用
《圣经·马太福音》中说：“在黑暗中开黎明”，由此可见，光在这个世界中的位置。光是万物得以显现并且被赋予生命的神奇物质，有光才有了体积，有了形状，有了色彩。在自然界中，光造就宇宙万物；没有了光，就没有绚丽多彩的世界，也就失去了万物生存的基础。光形成明暗，产生阴影，光和影一直都是绘画艺术的基础和灵魂；离开光影绘画也就失去了意义。早在18世纪达·芬奇就从理论上给予“光影”充分的论述，“论光线——照射不透明体的光线有四种：普遍光，例如地平线上大气的光；特殊光，例如太阳、窗口、门洞及其它有限口的光。第三是反射光。第四为透射光……”。他是第一个以科学的态度去研究光影变化的人。也正是由于这些不同于前人的观察与研究，使他的绘画作品中的“光影”变化更丰富、更自然、更有美感。在达·芬奇的作品中，能够充分感受到那种柔和幽雅之美，这也正是14、15世纪以来大批艺术家寻求的一种“光影”模式。
西方绘画对光的运用主要体现在写实性艺术之中．大概从古希腊开始，一直延续到印象主义。在西方绘画史中，光的作用集中表现在两点：真实与理想。所谓“真实”，是指西方绘画对光的运用是对世界的“真实”的认识和“真实”的表达。所谓“理想”．是指在对光的运用中，西方绘画形成了对世界的一种“理想”的认识和“理想”的表达。“真实”与“理想”相对又相依，西方绘画史在一定程度上可以说是在不断探索真实性的历程。画家只有在对光的运用中才能实现对“真实性”的表达，这种表达离不开光，唯有光才是“真实性”的来源，写实的再现真实的描绘一直是一个最基本的准则，因此对光的运用也体现了画家的“真实性”的观念．但是，任何事物都是相对而存在的，贡布里希在《艺术与错觉》中指出“纯真之眼”是不可能有的。“真实性”必然会与“理想性”联系在一起，而对光的运用，也就是一种“理想性”的表现。在西方绘画史中，对光的运用大致可分为三个阶段：第一个阶段从古希腊罗马到文艺复兴。在这个时期，对光的运用是为了制造幻象来达到描述的作用。艺术从古埃及到古希腊的转变，正是古希腊人认识到光的重要，从而认识到明暗，认识到色彩，达到真实的表现。从古罗马绘画《庞贝和赫库兰尼姆》以及《法尤姆的死者肖像》中我们看不到太多的“光”，光被动地被接受，化为了形体．消解在阴影和明暗中。在中世纪，古希腊、古罗马的绘画传统在拜占庭帝国中得到了延续，对光的运用也得到继承．第二个阶段从文艺复兴到18世纪。这时艺术家们已经意识到光的独立表现力，开始强调一种人工性的设计。光不仅可以塑造形体的明暗，还能渲染气氛、营造环境，体现画家的思想。对光的设计大致有几种：一种是烛光效果，以尼德兰的托特．辛特．杨斯的《基督诞生》及法国的乔治．拉图尔的“夜间画”为代表。另一种影响最大的是明暗对比效果，从达．芬奇的“渐隐法”开始，到卡拉瓦乔的“酒窖光线法”，再到伦勃朗的“明暗法”，成为对光的运用的主流。总之，在这个设计光线的阶段，着重的是一种亮与暗的对比，在这种对比中既表现出形象，也传达出一种气氛一种思想。第三个阶段从18世纪一直到“印象主义”。在这个阶段，画家开始表现光线本身，表现真实之光，而不仅仅满足于把光作为物体的附庸。从17世纪开始，随着自然科学的发展，人们对光开始有了科学的认识。1666年牛顿发现了光谱，并认识到事物之所以呈现丰富的色彩是由于对光线折射的不同所致。到18世纪，这种科学的发现开始在视觉艺术上产生影响，绘画描绘的并不是物体本身，而是我们对物体的视知觉。进入19世纪，对表现真实的光线，尤其是外光的兴趣不断增长。19世纪70年代产生的“印象主义”追求对光、色、大气的表现，最终光在与物体的竞争中占据了上风，不是光服务于物体，而是物体服务于光。在西方绘画漫长的发展过程中，光影的应用始终贯穿其中，是影响其进程的主要因素，从忠实的模仿到主观的追求，艺术家们从依赖光影到运用光影，最终达到了对光的解放。
二、构图在绘画中的运用
在《辞海》中，“构图”指艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。“展纸作画章法第一”这个术语中包含着一个基本而概括的意义，那就是把构成整体的那些部分统一起来，在有限的空间或平面上对作者所表现的形象进行组织，形成画面的特定结构，借以实现作者的表现意图。总之，构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。常见的构图形式有以下四种。
1 黄金分割。
黄金分割又称黄金率、中外比，最早见于古希腊和古埃及。公元前4世纪，古希腊数学家欧多克索斯系统研究了黄金分割的问题，并建立起比例理论。公元前300年前后，著名几何学家欧几里得在撰写《几何原本》时，吸收了欧多克索斯的研究成果，进一步系统论述了黄金分割，成为最早的有关黄金分割的论著。把一条线段分割为两部分，使其中一部分与全长之比等于另一部分与这部分之比，取其比值前三位数字的近似值是0.618，这就是黄金分割比。这一比例正好符合人的视觉习惯，对人的视觉产生适度的刺激，使人感到舒适悦目。黄金分割被广泛地应用于建筑、设计、绘画等各方面。达．芬奇的《维特鲁威人》符合黄金矩形，《蒙娜丽莎》的脸也符合黄金矩形，《最后的晚餐》同样也应用了该比例布局。在摄影技术的发展过程中，曾不同程度地借鉴并融汇了其他艺术门类的精华，黄金分割也在摄影构图中广泛应用．在摄影中最简单的方法就是按照黄金分割率0.618排列出数列2、3、5、8、……并由此可得出2：3、3：5、5：8、等无数组比值，这些数的比值均为0.618的近似值，这些比值主要适用于：画面长宽比的确定(如135相机的底片幅面24mmx36mm就是由黄金比得来的)、地平线位置的选择、光影色调的分配、画面空间的分割以及画面视觉中心的确立。摄影构图的许多基本规律都是在黄金分割基础上演变而来的。
九宫格构图也称井字构图，属于黄金分割的一种演变形式。就是把长方形画面的长、宽各分成三等分，整个画面呈井字形分割，井字形分割的交叉点便是画面主体(视觉中心)的最佳位置。实际上这几个点都符合“黄金分割定律”，是最容易引导人们视觉兴趣的视觉美点。这种构图使画面富有活力，呈现出变化与动感，避免了把被摄物置于画面中央而造成的呆板。不是每幅照片都要完全按照黄金分割去构图，重要的是掌握它的规律后加以灵活运用。
2 对角线构图。
对角线构图是指影像在画面上呈对角的方向分布，线所形成的对角关系使画面产生了极强的动式，表现出纵深的效果，其透视也会使拍摄对象变成了斜线，引导人们的视线到画面深处。在摄影画面构图中，除明显的斜线外，还有人视觉感应的斜线，表现在形态的形状、影调、光线等产生的视觉抽象线，因此对线性的把握是摄影构图运用的关键。这种构图在绘画作品中经常见到，对角线构图避免了左右构图的呆板感觉，形成视觉上的均衡和空间上的纵深感。
3 对称式构图。
对称指沿画面中心轴两侧有等质、等量的相同物质、形态的构成形式。对称是一种自然现象，在自然界、生物界随处可见，是人们习惯的一种自然形式。从动植物的形态，如：树叶、雪花…到建筑艺术，都有对称存在。著名的故宫，从整体布局看．天安门、午门、太和殿直至御花园形成一个轴线．两侧严格的遵循了对称的原则。对称式构图分为左右和上下对称，上下对称多以地平线、海平面等为轴线，左右对称多以建筑物、道路、电线杆等为轴。轴线两侧保持着绝对平衡的关系．在人们心理感觉上偏于严谨、理性、有秩序、有一种庄重感。多运用正面拍摄角度，表现景物的正面形象，使画面端庄、肃穆。
4 曲线构图。
曲线构图所包含的曲线为规则形曲线和不规则曲线。曲线象征着柔和、浪漫、优雅，运用在构图中动感效果强，即动且稳，通用于各种片幅的画面。在摄影中曲线的应用非常的广泛，可以表现众多的人体、动物、物体的曲线排列变化以及各种自然、人工所形成的形态，如河流、道路、铁轨等物体自然的起伏变化。S字形构图一般的情况下，都是从画面的左下角向右上角延伸。一般以“S”的形状从前景向中景和后景延伸，画面构成纵深方向的空间视觉感，这种构图的特点是画面比较生动，富有空间感。
参考文献：
[1]达·芬奇．论绘画[M]．人民美术出版社，1979．
[2]穆家麒。西方美术史略[M]．河北美术出版社．1986．