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【摘要】高水准地演奏古典钢琴奏鸣曲取决于对细节的挖掘与合理的表达。新学一首古典钢琴奏鸣曲，需要从识谱阶段开始，秉持这些原则：选择权威的版本，仔细观察并分析谱面上的标记，寻找可发挥的空间，结合正确的指法。遵循这样的规律，不仅可以规范得弹奏古典主义风格作品，更能弹奏出细腻，精致，丰富，匀称的古典钢琴奏鸣曲。
【关键词】古典奏鸣曲；钢琴；细节
【中图分类号】J624 【文献标识码】A
前言
古典奏鸣曲是钢琴曲目中非常重要的一类，不论是升学考试或是国际比赛，古典奏鸣曲通常作为第一轮必弹曲目，考验演奏者的基本素养。演奏者对古典主义风格作品的把握和诠释非常关键，它不同于技巧性练习曲或浪漫派大型套曲，既没有炫技的机会也没有大起大落的煽情和修饰，既不能弹得过分夸张也不能弹得苍白乏味。新学一首古典奏鸣曲不难，但想要弹到非常吸引人的高度，需要花费很多的心思。不仅需要弹的细腻，精致，丰富，匀称，而且不能超越古典主义范畴。那么如何才能弹奏出高水准的古典钢琴奏鸣曲呢？本文以莫扎特D大调钢琴奏鸣曲K311为例，就笔者个人演奏经验，从版本，读谱，观察分析，指法等方面提出一些建议供大家参考。
一、选用权威的版本
莫扎特D大调钢琴奏鸣曲K311，笔者推荐两个版本。第一是由Ernst Herttrich编订，亨乐出版社出版，第二是由Wolfgang Plath/Wolfgang Rehm编订，骑熊士出版社出版。这两个版本的权威性体现在编订者非常尊重作曲家的原稿，对细节的标识非常专业、谨慎。换句话说，演奏者对谱上所有细节都需要认真思考并遵循。这些细节包括：修止，分句，重音，装饰音，跳音，顿音，带连线跳音，强弱记号等等，每一处细节决定了每一处音符的正确演奏方式。骑熊士原版谱，更是在某些乐句标注了两种处理方式供演奏者选择。这两个版本的区别在于，亨乐版的指法编订者Hans-Martin Theopold 给出了较多的指法建议，而骑熊士原版编者没有给出任何指法提示，完全让演奏者自行选择合适自己的指法。这里需要注意的是，亨乐版指法编订者Hans-Martin Theopold给出的指法并不是每一处都对所有人适用。每位演奏者手型不一样，演奏习惯也不一样，大家只需挑出自己合适的指法遵照即可。依据笔者的演奏经验，一般快速跑动段落，多用转指，以手指1-2-3为主，尽量避免弱手指4-5连续使用，这样可以保持乐句的平均，干净，连贯和统一。
二、熟悉并牢记所有标识细节
观察细节，谱面上的细节决定了音符的弹奏方式，乐句的气口，段落的划分等，是否规范得遵循细节可以体现出该演奏是否符合作曲家的要求。当我们在学习一首古典奏鸣曲时，不仅仅要认识音符，同时需要观察并掌握每一个音符所对应的演奏方式，也就是正确的触键，使手指产生肌肉记忆并养成好的习惯。比如1.第一乐章副部主题第17-23小节有大量的八分音符。如果不仔细看谱很容易习惯性的把所有音符全部連起来演奏。观察谱面，会发现右手第17小节E-A要断开，第18小节D-E要断开，第19小节B-#B要断开，17-18小节之间的E-#C以及18-19小节之间的B-#G也需要断开。第21小节起乐句虽然重复了之前的旋律，但是E增加了装饰音，A-#G-#F-E由连音变为跳音，这里体现出作曲家重复了旋律但改变了触键方式，使乐句性格形成对比，在演奏中值得注意。左手部分，每四个八分音符或每两个八分音符都有小分句，小分句里的音符需要连奏，不在小分句里的音符需要断开，但要注意分句里的最后一个音符不能弹的过于短促，否则会影响乐句的整体性。2.第一乐章第29小节，右手有四种不同的触键：#F-#G-#F-E-#F为一组短连音，#G是独立的顿音，B-A和#G-#F分别是小分句。同样，要当心小分句中A和#F收尾不能弹的太短或太草率。3.第三乐章第19-24小节，这里速度快，音程距离远，稍不注意就会把所有的音符连起来演奏。仔细观察：第19-20小节中B-D以及#C-D都必须断开，且20小节都是弹奏跳音，准确触键的同时还需弹出好听的音色，这无疑增加了演奏的难度。4.第二乐章第1-8小节，右手与左手的短连音时而同步（第4小节第1拍），时而错开（第1-2小节，左手有跨小节短连音，右手没有），这些都需要清楚得表现出来，要能够被听辩。类似乐句还包括第二乐章第27-36小节等。左右手短连音不同步会增加背谱的难度，也需要我们刻意得记忆。特别强调的是，我们准确得照原谱弹奏短连音（小分句）不是为了要割断乐句的气息，而是在保证乐句气息完整的同时，遵循古典主义时期特有的触键方式和乐句的处理模式。古典主义时期作曲家内心其实非常浪漫，只是他们所处的时代背景不同，无法像浪漫主义时期作曲家那样大胆得运用长句子表达情感。因此准确得区分出短连音（小分句）体现了古典主义风格最基本的演奏特征。
三、寻找演奏中可发挥的细节
瑞士钢琴家Frank Levy曾对笔者说，一本琴谱好比是地图，地图上画的公园，河流，桥梁，楼房，只有当我们设身处地来到这个特定的地方才看到其真实的模样。同样，演奏者把琴谱上所有标记还原成音乐，让听众感受到乐曲真实的音响效果。这时演奏者不仅需要弹奏准确的音符，节奏，更需要仔细观察并分析谱面，寻找多种可能性，使乐曲变的更丰富。
（一）挖掘声部，丰富层次
1.第一乐章第28小节，看似是左右手两个层次，仔细观察左手会发现低音部#C-B-A与高音部重复的A可以分成两层，加上右手旋律E-D-#C形成三个层次，制造声部立体化效果。2. 第三乐章是回旋曲式，主部主题多次反复，演奏者必须抓住每一个可以变化的细节让听众保持新鲜感。比如第三乐章第1-2小节左手，可以选择突出高声部#F-#G-A，在之后反复的第87-88小节，可以选择突出低声部D-B-A。再比如副部主题第41小节起，乐句可突出高音部#C-B-#C-B-A，第49小节起，乐句可突出中音部E-D-#C。3.第三乐章第143-144小节，通常会把注意力放在右手，弹奏精致的十六分音符，然而左手的根音容易被忽略，G-B-C-E如果能与右手的十六分音符通过节奏有机结合，看似简单的两小节会变的很有可听性。4.第三乐章第168-172小节左手高声部有半音阶下行A-#G-G-#F-E-D-#C，为该乐段终止式做了和声铺垫。 （二）一个动机如果重复多次，可根据其所在音区来模仿不同乐器的音色
1.第一乐章第24-28小节左手A-B-A-#G-E-A这个动机，可以想象成弦乐四重奏。中音区的两句（24-25小节）可以模仿成中提琴和大提琴，表达含蓄，尾音（A）弱收；高低音区的两句（26-28小节）可以模仿成小提琴和低音提琴，表达直接，尾音（A）果断。2.第二乐章第14-16小节，柱式和弦B-D-#G与A-E-#C强弱对比，可以想象是弦乐组与木管组在交响乐中交相呼应。
（三）小分句句尾的处理不易太弱
之前已经提到小分句要按照短连线准确得演奏，但要特别注意的是，小分句的最后一个音符不能弹得仓促，或音量减弱过多，否则会破坏乐句整体性，显得气息短。比如1.第二乐章第17-38小节中，第18小节，符点八分音符G，第20小节，符点八分音符#F，第29小节B，第30小节G，容易弹得懈怠，音量不自觉得减弱，然而这些音却不是真正的结尾，只是一种语气，必要的时候甚至需要加强语气，才能保证乐句完整畅通。
（四）根据节拍的强弱规则把动机弹奏得具有指向性
1.第一乐章第11-12小节左手部分，高音部A-A-A-B最后一个音符B是后一小节的强拍并且时值为四分音符，比前三个音更重要，演奏者可依据由弱拍到强拍这样的规律把这一类动机弹得有指向性，而不是四个音弹得都一样。
四、结合正确的指法
在观察谱面，寻找可发挥的细节后，如何才能有效的表达出来呢？指法尤为关键！正确的指法使演奏者与键盘始终保持亲密的关系，易于控制音色。正确的指法也关乎句子的连奏，断奏，触键的准确性等。比如1.第一乐章第7-10小节左手三度跳音D-#F，E-G，A-#C建议用1-3，虽然大指会弹在黑键上，但1-3组合比2-4更容易让手掌保持平衡，从而保持音色的统一。2.第一乐章第13-14小节，左手A-G-#F-D-#C-A-D-#F建议指法为1-2-3-1-3-5-3-2，目的是为了更自然地表达起承转合的语气，使左手声部形成独立的线条。3.第一乐章第28小节左手低音部#C-B-A分别用3-4-5，有利于勾勒出清晰的低音声部。4.第一乐章第38小节右手，每一组六度双音用#F-D 2-5加E-#C 1-4的指法组合，虽然有些键位会觉得拗手，但能够较好得表现出两个八分音符一组的小分句。5.第二乐章第7小节右手，十六分音E-#F-G是短连音，最后一个音符C独立分开，建议指法为3-4-5-3，这样可以避免把最后一个十六分音C符带入短连音当中。
五、结尾
以上是笔者就莫扎特D大调钢琴奏鸣曲K311列举的几处在演奏中容易被忽略的細节，类似片段及处理方式在该奏鸣曲中还有许多，文章篇幅有限，就不在此一一列举。大家从识谱阶段开始，秉持这几个原则：选用权威的原版谱，仔细观察并分析谱面上的标记，寻找可发挥的细节，结合正确的指法。想要精致，规范得演奏一首古典钢琴奏鸣曲其实并不难。
【关键词】古典奏鸣曲；钢琴；细节
【中图分类号】J624 【文献标识码】A
前言
古典奏鸣曲是钢琴曲目中非常重要的一类，不论是升学考试或是国际比赛，古典奏鸣曲通常作为第一轮必弹曲目，考验演奏者的基本素养。演奏者对古典主义风格作品的把握和诠释非常关键，它不同于技巧性练习曲或浪漫派大型套曲，既没有炫技的机会也没有大起大落的煽情和修饰，既不能弹得过分夸张也不能弹得苍白乏味。新学一首古典奏鸣曲不难，但想要弹到非常吸引人的高度，需要花费很多的心思。不仅需要弹的细腻，精致，丰富，匀称，而且不能超越古典主义范畴。那么如何才能弹奏出高水准的古典钢琴奏鸣曲呢？本文以莫扎特D大调钢琴奏鸣曲K311为例，就笔者个人演奏经验，从版本，读谱，观察分析，指法等方面提出一些建议供大家参考。
一、选用权威的版本
莫扎特D大调钢琴奏鸣曲K311，笔者推荐两个版本。第一是由Ernst Herttrich编订，亨乐出版社出版，第二是由Wolfgang Plath/Wolfgang Rehm编订，骑熊士出版社出版。这两个版本的权威性体现在编订者非常尊重作曲家的原稿，对细节的标识非常专业、谨慎。换句话说，演奏者对谱上所有细节都需要认真思考并遵循。这些细节包括：修止，分句，重音，装饰音，跳音，顿音，带连线跳音，强弱记号等等，每一处细节决定了每一处音符的正确演奏方式。骑熊士原版谱，更是在某些乐句标注了两种处理方式供演奏者选择。这两个版本的区别在于，亨乐版的指法编订者Hans-Martin Theopold 给出了较多的指法建议，而骑熊士原版编者没有给出任何指法提示，完全让演奏者自行选择合适自己的指法。这里需要注意的是，亨乐版指法编订者Hans-Martin Theopold给出的指法并不是每一处都对所有人适用。每位演奏者手型不一样，演奏习惯也不一样，大家只需挑出自己合适的指法遵照即可。依据笔者的演奏经验，一般快速跑动段落，多用转指，以手指1-2-3为主，尽量避免弱手指4-5连续使用，这样可以保持乐句的平均，干净，连贯和统一。
二、熟悉并牢记所有标识细节
观察细节，谱面上的细节决定了音符的弹奏方式，乐句的气口，段落的划分等，是否规范得遵循细节可以体现出该演奏是否符合作曲家的要求。当我们在学习一首古典奏鸣曲时，不仅仅要认识音符，同时需要观察并掌握每一个音符所对应的演奏方式，也就是正确的触键，使手指产生肌肉记忆并养成好的习惯。比如1.第一乐章副部主题第17-23小节有大量的八分音符。如果不仔细看谱很容易习惯性的把所有音符全部連起来演奏。观察谱面，会发现右手第17小节E-A要断开，第18小节D-E要断开，第19小节B-#B要断开，17-18小节之间的E-#C以及18-19小节之间的B-#G也需要断开。第21小节起乐句虽然重复了之前的旋律，但是E增加了装饰音，A-#G-#F-E由连音变为跳音，这里体现出作曲家重复了旋律但改变了触键方式，使乐句性格形成对比，在演奏中值得注意。左手部分，每四个八分音符或每两个八分音符都有小分句，小分句里的音符需要连奏，不在小分句里的音符需要断开，但要注意分句里的最后一个音符不能弹的过于短促，否则会影响乐句的整体性。2.第一乐章第29小节，右手有四种不同的触键：#F-#G-#F-E-#F为一组短连音，#G是独立的顿音，B-A和#G-#F分别是小分句。同样，要当心小分句中A和#F收尾不能弹的太短或太草率。3.第三乐章第19-24小节，这里速度快，音程距离远，稍不注意就会把所有的音符连起来演奏。仔细观察：第19-20小节中B-D以及#C-D都必须断开，且20小节都是弹奏跳音，准确触键的同时还需弹出好听的音色，这无疑增加了演奏的难度。4.第二乐章第1-8小节，右手与左手的短连音时而同步（第4小节第1拍），时而错开（第1-2小节，左手有跨小节短连音，右手没有），这些都需要清楚得表现出来，要能够被听辩。类似乐句还包括第二乐章第27-36小节等。左右手短连音不同步会增加背谱的难度，也需要我们刻意得记忆。特别强调的是，我们准确得照原谱弹奏短连音（小分句）不是为了要割断乐句的气息，而是在保证乐句气息完整的同时，遵循古典主义时期特有的触键方式和乐句的处理模式。古典主义时期作曲家内心其实非常浪漫，只是他们所处的时代背景不同，无法像浪漫主义时期作曲家那样大胆得运用长句子表达情感。因此准确得区分出短连音（小分句）体现了古典主义风格最基本的演奏特征。
三、寻找演奏中可发挥的细节
瑞士钢琴家Frank Levy曾对笔者说，一本琴谱好比是地图，地图上画的公园，河流，桥梁，楼房，只有当我们设身处地来到这个特定的地方才看到其真实的模样。同样，演奏者把琴谱上所有标记还原成音乐，让听众感受到乐曲真实的音响效果。这时演奏者不仅需要弹奏准确的音符，节奏，更需要仔细观察并分析谱面，寻找多种可能性，使乐曲变的更丰富。
（一）挖掘声部，丰富层次
1.第一乐章第28小节，看似是左右手两个层次，仔细观察左手会发现低音部#C-B-A与高音部重复的A可以分成两层，加上右手旋律E-D-#C形成三个层次，制造声部立体化效果。2. 第三乐章是回旋曲式，主部主题多次反复，演奏者必须抓住每一个可以变化的细节让听众保持新鲜感。比如第三乐章第1-2小节左手，可以选择突出高声部#F-#G-A，在之后反复的第87-88小节，可以选择突出低声部D-B-A。再比如副部主题第41小节起，乐句可突出高音部#C-B-#C-B-A，第49小节起，乐句可突出中音部E-D-#C。3.第三乐章第143-144小节，通常会把注意力放在右手，弹奏精致的十六分音符，然而左手的根音容易被忽略，G-B-C-E如果能与右手的十六分音符通过节奏有机结合，看似简单的两小节会变的很有可听性。4.第三乐章第168-172小节左手高声部有半音阶下行A-#G-G-#F-E-D-#C，为该乐段终止式做了和声铺垫。 （二）一个动机如果重复多次，可根据其所在音区来模仿不同乐器的音色
1.第一乐章第24-28小节左手A-B-A-#G-E-A这个动机，可以想象成弦乐四重奏。中音区的两句（24-25小节）可以模仿成中提琴和大提琴，表达含蓄，尾音（A）弱收；高低音区的两句（26-28小节）可以模仿成小提琴和低音提琴，表达直接，尾音（A）果断。2.第二乐章第14-16小节，柱式和弦B-D-#G与A-E-#C强弱对比，可以想象是弦乐组与木管组在交响乐中交相呼应。
（三）小分句句尾的处理不易太弱
之前已经提到小分句要按照短连线准确得演奏，但要特别注意的是，小分句的最后一个音符不能弹得仓促，或音量减弱过多，否则会破坏乐句整体性，显得气息短。比如1.第二乐章第17-38小节中，第18小节，符点八分音符G，第20小节，符点八分音符#F，第29小节B，第30小节G，容易弹得懈怠，音量不自觉得减弱，然而这些音却不是真正的结尾，只是一种语气，必要的时候甚至需要加强语气，才能保证乐句完整畅通。
（四）根据节拍的强弱规则把动机弹奏得具有指向性
1.第一乐章第11-12小节左手部分，高音部A-A-A-B最后一个音符B是后一小节的强拍并且时值为四分音符，比前三个音更重要，演奏者可依据由弱拍到强拍这样的规律把这一类动机弹得有指向性，而不是四个音弹得都一样。
四、结合正确的指法
在观察谱面，寻找可发挥的细节后，如何才能有效的表达出来呢？指法尤为关键！正确的指法使演奏者与键盘始终保持亲密的关系，易于控制音色。正确的指法也关乎句子的连奏，断奏，触键的准确性等。比如1.第一乐章第7-10小节左手三度跳音D-#F，E-G，A-#C建议用1-3，虽然大指会弹在黑键上，但1-3组合比2-4更容易让手掌保持平衡，从而保持音色的统一。2.第一乐章第13-14小节，左手A-G-#F-D-#C-A-D-#F建议指法为1-2-3-1-3-5-3-2，目的是为了更自然地表达起承转合的语气，使左手声部形成独立的线条。3.第一乐章第28小节左手低音部#C-B-A分别用3-4-5，有利于勾勒出清晰的低音声部。4.第一乐章第38小节右手，每一组六度双音用#F-D 2-5加E-#C 1-4的指法组合，虽然有些键位会觉得拗手，但能够较好得表现出两个八分音符一组的小分句。5.第二乐章第7小节右手，十六分音E-#F-G是短连音，最后一个音符C独立分开，建议指法为3-4-5-3，这样可以避免把最后一个十六分音C符带入短连音当中。
五、结尾
以上是笔者就莫扎特D大调钢琴奏鸣曲K311列举的几处在演奏中容易被忽略的細节，类似片段及处理方式在该奏鸣曲中还有许多，文章篇幅有限，就不在此一一列举。大家从识谱阶段开始，秉持这几个原则：选用权威的原版谱，仔细观察并分析谱面上的标记，寻找可发挥的细节，结合正确的指法。想要精致，规范得演奏一首古典钢琴奏鸣曲其实并不难。