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[摘要]本文以器乐艺术指导的西洋乐艺术指导为主要研究对象，建设性地对于高校钢琴伴奏课提出具体的实践方法。理论与实际相结合从西洋乐队编制，不同乐器特色及钢琴伴奏形式、准备工作与实践几方面来阐述高校教学下的器乐艺术指导的践行。
[关键词]西洋乐;艺术指导;钢琴伴奏
[中图分类号]G613.5[文献标识码]A[文章编号]1007-2233（2019）09-0073-02
钢琴伴奏这一课程早在20世纪初，西方国家院校已经专业化及系统化，不论在专业、学位的设置上还是学生的就业来说都比较成熟。相比之下，我国还处在探索阶段。自1998年，文化部教科教司主办，中国音乐学院和聊城师范学院承办“全国艺术院校（系）钢琴艺术指导学术研讨会”，专家们首次提出将“钢琴伴奏”改名为 “艺术指导”，到2000年由文化部科教司主办、天津音乐学院承办的“第二届全国艺术院校（系）钢琴艺术指導学术研讨会”上，“2013全国高等音乐院校钢琴艺术指导学科发展论坛”钢琴艺术指导学科的建设和发展是主要议题。[1]
作为“乐器之王”，钢琴除了拥有不同乐器的宽广音域，还可以扮演乐队的角色，与不同乐器进行交流合作。器乐艺术指导分为西洋乐艺术指导和民族器乐艺术指导。本文以西洋乐为例，探讨艺术指导的入手及如何渗透。要想与不同器乐良好配合，相辅相成，为了更系统地艺术指导，我们首先要了解乐队编制及各乐器特色。
一、乐队编制及各乐器音色
在交响乐团中，一般分为管乐组（铜管：圆号、小号、长号、大号）、木管组：（巴松管、单簧管、双簧管、萨克斯、长笛、短笛等）、弦乐组（低音提琴、大提琴、中提琴、小提琴）、打击乐（定音鼓、小军鼓、大鼓、马林巴、钢片琴、三角铁等）。双管制是近现代比较普及的乐队编制。
铜管乐器的音色：短号的尺寸短，声音尖锐，音调高;小号的声音高亢，音调低于短号，在乐队中起主奏地位;圆号的声音圆润，音调高昂，同占主奏地位;中音号的声音较浑厚，顾名思义，在中音区，一般用来补充乐曲和弦或强调主旋律演奏用;长号声音搞拉管控制音高，一般在乐队中承担低音铺垫的作用;大号声音低沉，在乐队中作为低音、根音铺垫的作用。
木管乐器的音色：作为重要的独奏乐器的木管乐器音域宽广，表现力强。单簧管音域宽广，声音富有张力，萨克斯声音饱满醇厚，常用于军乐队或爵士乐;双簧管具有田园风味的音色，音色甜美细致，常用于乐队中的中音铺垫;巴松管在乐队中担任最低音的声部，音色低沉浑厚。短笛音色明亮短促，是乐队的主奏乐器;长笛音色婉转悠扬，常作为主奏乐器在乐队。
弦乐器的音色：小提琴具有丰富的音乐表现力，声音悦耳动听、音调高、音质优雅，善于表达感情，是乐队中的主奏乐器;中提琴音色类似鼻音的咏叹，极少用于独奏，在乐队里承担中音声部烘托主旋律的角色;大提琴音色丰富，纯净高雅与热情洋溢共存，在乐队中作为低音声部出现;低音提琴同样极少用于独奏，声音雄厚，在乐队中属于最低音声部。
打击乐器中分有固定音高的如：定音鼓、马林巴、钟琴等，无固定音高的如三角铁、沙锤、小鼓、大鼓等。
了解不同类型乐器的音色特性，钢琴的配合尽量与该乐器保持同步，如铜管乐往往声音较厚实，高于钢琴音量，钢琴在演奏中要保持与铜管乐器的声音及气息的统一。触键的选择上可多用非连奏的指尖独立性的演奏方式，弦乐器的钢琴伴奏上，多用连奏达到与弦乐器细致的音色及弓法的统一。当然，还要根据协作曲目的不同背景，具体问题具体分析。那么我们了解了不同乐器的声音特性后要为协作打基础的又一重要方面就是了解曲目背景。不同时期的乐曲有不同时期的特性。[2]
二、不同时期的音乐特性
不同时期的作品有不同的音乐风格，了解不同音乐分期有助于器乐艺术指导的精准化。可以分为文艺复兴时期、巴洛克时期、古典时期、浪漫主义时期、近现代音乐。
文艺复兴时期（约1300—1600年）的音乐结构较自由且多样化，复调模仿曲式为主。
巴洛克时期（约1600—1750年）音乐旋律，气息较长，有很多的装饰音和模进音型，节奏上有持续律动的，有规律重音的，也有相对自由带有频繁缓急变化的，力度较平稳，既不太强也不太弱，平衡为主，强乐段后面往往紧跟柔和的乐段。情绪在乐章之间有对比，一个乐章常用一种情绪。
古典主义时期（约1750—1821年），主调音乐为主，精致优雅的“华丽风格”与复杂多变的节奏与旋律特性的“情感风格”并存。
浪漫主义时期（约1821年—20世纪）更富有情感化、个性化、综合性、民族性，社会的动荡背景下，作曲家们更倾向突出自己的情感。并产生了以肖邦、李斯特为代表的浪漫乐派、民族风格特征各放异彩的民族乐派（捷克、俄罗斯、芬兰、挪威等），以德彪西、拉威尔为代表的印象乐派。
近现代音乐（20世纪至今）逐渐趋于理性化和冷静的风格，并与现代技法相结合。如“法国六人团”的普朗克，在创作上技法上采用现代技法，音乐形式争对浪漫主义和印象主义音乐的过度表达上，更偏爱17至18世纪巴洛克和古典时期音乐相结合的方式。
三、器乐艺术指导的表现形式
在钢琴与器乐合作上，可分为三种表现形式：1.独奏。2.重奏。3.协奏。
独奏形式：突出主乐器的演奏，钢琴属于铺垫和陪衬的地位，衬托出“红花”的地位，作为“绿叶”的钢琴则不能像钢琴独奏一般突出音量，彰显个性。伴奏需弱于主乐器，聆听主乐器的声部加以弱一层音量的积极配合。
重奏形式：我们一般所说的室内乐，有三重奏、四重奏甚至更多乐器的重奏。钢琴的地位则不是单纯的伴奏了，每种乐器都有自己的旋律线，地位同等重要，技术难度上也更加复杂，锻炼钢琴演奏能力，除此之外要注意遵循乐曲主题的基础上，表达钢琴旋律的完整外还要注意各乐器间的声部平衡和谐。 协奏形式：协奏曲中，钢琴的地位既不像独奏中的伴奏陪衬，也不像室内乐的个性与共性的和谐共存，作为乐器之王的钢琴在这里充当的是整个乐队，需要宏大的气势及对不同乐器的模仿能力。音量上作为乐队的间奏部分要有音乐情景、有画面感，在充当不同乐器与主乐器的对话时，则运用对其音色的模仿达到“你问我答” “此起彼伏”的默契接应。
四、准备工作与舞台实践
除了本文提出的对乐队编制、乐器音色与演奏形式的了解外，对钢琴演奏者高校学生来讲，自身能力的锻炼与提高必不可少。
首先，钢琴技巧的练习不论在钢琴独奏上还是在器乐艺术指导方面都不容小觑，不能简单认为伴奏就敷衍，在认知上要保持一个积极的态度才能更好投入到艺术指导的合作交流中。那么我們经常遇到的双音技巧、三度、六度、八度的手指练习，教师们可以在曲目中提炼出技术难点，让学生有针对性地进行练习。装饰音及华彩的处理上，首先要清楚演奏曲目的时期风格，采用占时值的长倚音还是不占时值的短倚音，华彩的部分多用于指尖的支撑，保持好手掌支架的基础上，以贯通的臂力传递到指尖的匀速运动。不论怎样的技术技巧，都离不开反复的练习，才能融会贯通。此外，视奏能力的提升也有助于艺术指导的顺利进行。这就需要各种技巧的举一反三，以及大量新鲜乐谱的浏览练习。
其次，既然是艺术指导，就离不开艺术的二度创作。作曲家的创作意图是其本人的情绪表达，而钢琴演奏者和器乐演奏者相合作的状态又是一个艺术加工的二度创作的过程。二度创作的前提是钢琴演奏者和器乐演奏者都要在研读谱面信息后，及时捕捉到作者的表达意图，练习各自的技术技巧外，再相互磨合的过程。当然，聆听各种音响视频资料也是一个更直观的、有效的进入到艺术交流的途径。为了更加客观，可以聆听不同演奏者、不同版本的演奏，提取更适合自身演奏特点和方式来共同交流，共同进行“二度创作。”“一千个人心中有一千个哈姆雷特”，每个人对艺术的感知不可能完全相同，这就要彼此协作的两个甚至更多人达到让步和妥协，最后到彼此的平衡和谐。[3]
最后，在彼此适应和谐基础上，经过大量的练习与磨合后，最终是要呈现一部完整的作品，为登台做准备。或是期中期末的考试，抑或是小型的舞台实践演出、音乐会，大型的活动登台。人们常说“台上三分钟，台下十年功”，必然离不开心理素质的建设与锻炼。每次的舞台演出都是实时的“直播”，我们在平时练习中出了错，可以暂停下来，找到症结，多练习多磨合，而上台“实战”是个不容许“出错” “反复”和“中断”的严肃场合。台下的大量磨合准备就显得尤为重要，对于不同演奏者都是一种耐心和耐力的考验，台下的练习越充分，在台上就会更加自信自如。舞台的锻炼机会也是越多越好，与平时的琴房练习不同，舞台场地的空旷及灯光和观众的种种因素都会影响到演奏者。所以，在舞台上演奏的机会多了，自然陌生的感觉会减少，更加投入到音乐的交流中去。
结语
器乐艺术指导的高校践行是不断探索与发展和逐渐成熟的过程，笔者结合自身的教学经验，从乐队编制及乐器音色，不同时期的音乐特性及器乐艺术指导的表现形式几方面结合舞台实践来探讨高校的器乐艺术指导践行之路，希望能给读者启示。
注释：
[1]
高振崎，迂志勇.钢琴艺术指导专业课程设置研究——全国高等音乐院校钢琴艺术指导学科发展现状与设想[J].北方音乐，2014（06）：246.
[2]王袁.钢琴艺术指导的素质要求[J].大舞台，2015（04）：173—174.
[3]罗琪.对器乐钢琴艺术指导在教学中若干问题的再思考[J].艺术教育，2018（10）：114—115.
（责任编辑：崔晓光）
[关键词]西洋乐;艺术指导;钢琴伴奏
[中图分类号]G613.5[文献标识码]A[文章编号]1007-2233（2019）09-0073-02
钢琴伴奏这一课程早在20世纪初，西方国家院校已经专业化及系统化，不论在专业、学位的设置上还是学生的就业来说都比较成熟。相比之下，我国还处在探索阶段。自1998年，文化部教科教司主办，中国音乐学院和聊城师范学院承办“全国艺术院校（系）钢琴艺术指导学术研讨会”，专家们首次提出将“钢琴伴奏”改名为 “艺术指导”，到2000年由文化部科教司主办、天津音乐学院承办的“第二届全国艺术院校（系）钢琴艺术指導学术研讨会”上，“2013全国高等音乐院校钢琴艺术指导学科发展论坛”钢琴艺术指导学科的建设和发展是主要议题。[1]
作为“乐器之王”，钢琴除了拥有不同乐器的宽广音域，还可以扮演乐队的角色，与不同乐器进行交流合作。器乐艺术指导分为西洋乐艺术指导和民族器乐艺术指导。本文以西洋乐为例，探讨艺术指导的入手及如何渗透。要想与不同器乐良好配合，相辅相成，为了更系统地艺术指导，我们首先要了解乐队编制及各乐器特色。
一、乐队编制及各乐器音色
在交响乐团中，一般分为管乐组（铜管：圆号、小号、长号、大号）、木管组：（巴松管、单簧管、双簧管、萨克斯、长笛、短笛等）、弦乐组（低音提琴、大提琴、中提琴、小提琴）、打击乐（定音鼓、小军鼓、大鼓、马林巴、钢片琴、三角铁等）。双管制是近现代比较普及的乐队编制。
铜管乐器的音色：短号的尺寸短，声音尖锐，音调高;小号的声音高亢，音调低于短号，在乐队中起主奏地位;圆号的声音圆润，音调高昂，同占主奏地位;中音号的声音较浑厚，顾名思义，在中音区，一般用来补充乐曲和弦或强调主旋律演奏用;长号声音搞拉管控制音高，一般在乐队中承担低音铺垫的作用;大号声音低沉，在乐队中作为低音、根音铺垫的作用。
木管乐器的音色：作为重要的独奏乐器的木管乐器音域宽广，表现力强。单簧管音域宽广，声音富有张力，萨克斯声音饱满醇厚，常用于军乐队或爵士乐;双簧管具有田园风味的音色，音色甜美细致，常用于乐队中的中音铺垫;巴松管在乐队中担任最低音的声部，音色低沉浑厚。短笛音色明亮短促，是乐队的主奏乐器;长笛音色婉转悠扬，常作为主奏乐器在乐队。
弦乐器的音色：小提琴具有丰富的音乐表现力，声音悦耳动听、音调高、音质优雅，善于表达感情，是乐队中的主奏乐器;中提琴音色类似鼻音的咏叹，极少用于独奏，在乐队里承担中音声部烘托主旋律的角色;大提琴音色丰富，纯净高雅与热情洋溢共存，在乐队中作为低音声部出现;低音提琴同样极少用于独奏，声音雄厚，在乐队中属于最低音声部。
打击乐器中分有固定音高的如：定音鼓、马林巴、钟琴等，无固定音高的如三角铁、沙锤、小鼓、大鼓等。
了解不同类型乐器的音色特性，钢琴的配合尽量与该乐器保持同步，如铜管乐往往声音较厚实，高于钢琴音量，钢琴在演奏中要保持与铜管乐器的声音及气息的统一。触键的选择上可多用非连奏的指尖独立性的演奏方式，弦乐器的钢琴伴奏上，多用连奏达到与弦乐器细致的音色及弓法的统一。当然，还要根据协作曲目的不同背景，具体问题具体分析。那么我们了解了不同乐器的声音特性后要为协作打基础的又一重要方面就是了解曲目背景。不同时期的乐曲有不同时期的特性。[2]
二、不同时期的音乐特性
不同时期的作品有不同的音乐风格，了解不同音乐分期有助于器乐艺术指导的精准化。可以分为文艺复兴时期、巴洛克时期、古典时期、浪漫主义时期、近现代音乐。
文艺复兴时期（约1300—1600年）的音乐结构较自由且多样化，复调模仿曲式为主。
巴洛克时期（约1600—1750年）音乐旋律，气息较长，有很多的装饰音和模进音型，节奏上有持续律动的，有规律重音的，也有相对自由带有频繁缓急变化的，力度较平稳，既不太强也不太弱，平衡为主，强乐段后面往往紧跟柔和的乐段。情绪在乐章之间有对比，一个乐章常用一种情绪。
古典主义时期（约1750—1821年），主调音乐为主，精致优雅的“华丽风格”与复杂多变的节奏与旋律特性的“情感风格”并存。
浪漫主义时期（约1821年—20世纪）更富有情感化、个性化、综合性、民族性，社会的动荡背景下，作曲家们更倾向突出自己的情感。并产生了以肖邦、李斯特为代表的浪漫乐派、民族风格特征各放异彩的民族乐派（捷克、俄罗斯、芬兰、挪威等），以德彪西、拉威尔为代表的印象乐派。
近现代音乐（20世纪至今）逐渐趋于理性化和冷静的风格，并与现代技法相结合。如“法国六人团”的普朗克，在创作上技法上采用现代技法，音乐形式争对浪漫主义和印象主义音乐的过度表达上，更偏爱17至18世纪巴洛克和古典时期音乐相结合的方式。
三、器乐艺术指导的表现形式
在钢琴与器乐合作上，可分为三种表现形式：1.独奏。2.重奏。3.协奏。
独奏形式：突出主乐器的演奏，钢琴属于铺垫和陪衬的地位，衬托出“红花”的地位，作为“绿叶”的钢琴则不能像钢琴独奏一般突出音量，彰显个性。伴奏需弱于主乐器，聆听主乐器的声部加以弱一层音量的积极配合。
重奏形式：我们一般所说的室内乐，有三重奏、四重奏甚至更多乐器的重奏。钢琴的地位则不是单纯的伴奏了，每种乐器都有自己的旋律线，地位同等重要，技术难度上也更加复杂，锻炼钢琴演奏能力，除此之外要注意遵循乐曲主题的基础上，表达钢琴旋律的完整外还要注意各乐器间的声部平衡和谐。 协奏形式：协奏曲中，钢琴的地位既不像独奏中的伴奏陪衬，也不像室内乐的个性与共性的和谐共存，作为乐器之王的钢琴在这里充当的是整个乐队，需要宏大的气势及对不同乐器的模仿能力。音量上作为乐队的间奏部分要有音乐情景、有画面感，在充当不同乐器与主乐器的对话时，则运用对其音色的模仿达到“你问我答” “此起彼伏”的默契接应。
四、准备工作与舞台实践
除了本文提出的对乐队编制、乐器音色与演奏形式的了解外，对钢琴演奏者高校学生来讲，自身能力的锻炼与提高必不可少。
首先，钢琴技巧的练习不论在钢琴独奏上还是在器乐艺术指导方面都不容小觑，不能简单认为伴奏就敷衍，在认知上要保持一个积极的态度才能更好投入到艺术指导的合作交流中。那么我們经常遇到的双音技巧、三度、六度、八度的手指练习，教师们可以在曲目中提炼出技术难点，让学生有针对性地进行练习。装饰音及华彩的处理上，首先要清楚演奏曲目的时期风格，采用占时值的长倚音还是不占时值的短倚音，华彩的部分多用于指尖的支撑，保持好手掌支架的基础上，以贯通的臂力传递到指尖的匀速运动。不论怎样的技术技巧，都离不开反复的练习，才能融会贯通。此外，视奏能力的提升也有助于艺术指导的顺利进行。这就需要各种技巧的举一反三，以及大量新鲜乐谱的浏览练习。
其次，既然是艺术指导，就离不开艺术的二度创作。作曲家的创作意图是其本人的情绪表达，而钢琴演奏者和器乐演奏者相合作的状态又是一个艺术加工的二度创作的过程。二度创作的前提是钢琴演奏者和器乐演奏者都要在研读谱面信息后，及时捕捉到作者的表达意图，练习各自的技术技巧外，再相互磨合的过程。当然，聆听各种音响视频资料也是一个更直观的、有效的进入到艺术交流的途径。为了更加客观，可以聆听不同演奏者、不同版本的演奏，提取更适合自身演奏特点和方式来共同交流，共同进行“二度创作。”“一千个人心中有一千个哈姆雷特”，每个人对艺术的感知不可能完全相同，这就要彼此协作的两个甚至更多人达到让步和妥协，最后到彼此的平衡和谐。[3]
最后，在彼此适应和谐基础上，经过大量的练习与磨合后，最终是要呈现一部完整的作品，为登台做准备。或是期中期末的考试，抑或是小型的舞台实践演出、音乐会，大型的活动登台。人们常说“台上三分钟，台下十年功”，必然离不开心理素质的建设与锻炼。每次的舞台演出都是实时的“直播”，我们在平时练习中出了错，可以暂停下来，找到症结，多练习多磨合，而上台“实战”是个不容许“出错” “反复”和“中断”的严肃场合。台下的大量磨合准备就显得尤为重要，对于不同演奏者都是一种耐心和耐力的考验，台下的练习越充分，在台上就会更加自信自如。舞台的锻炼机会也是越多越好，与平时的琴房练习不同，舞台场地的空旷及灯光和观众的种种因素都会影响到演奏者。所以，在舞台上演奏的机会多了，自然陌生的感觉会减少，更加投入到音乐的交流中去。
结语
器乐艺术指导的高校践行是不断探索与发展和逐渐成熟的过程，笔者结合自身的教学经验，从乐队编制及乐器音色，不同时期的音乐特性及器乐艺术指导的表现形式几方面结合舞台实践来探讨高校的器乐艺术指导践行之路，希望能给读者启示。
注释：
[1]
高振崎，迂志勇.钢琴艺术指导专业课程设置研究——全国高等音乐院校钢琴艺术指导学科发展现状与设想[J].北方音乐，2014（06）：246.
[2]王袁.钢琴艺术指导的素质要求[J].大舞台，2015（04）：173—174.
[3]罗琪.对器乐钢琴艺术指导在教学中若干问题的再思考[J].艺术教育，2018（10）：114—115.
（责任编辑：崔晓光）