论文部分内容阅读
摘要美声唱法“Bel camto”意味着“美好的歌唱”，起源于意大利。在我国，美声唱法得到了迅速且健康的发展，如今，它在我国声乐艺术舞台上已占据了主流地位。本文尝试梳理及阐述美声唱法演唱风格的演变历程，同时进行相关的分析和探讨，以便使广大美声学习者在声乐练习中能借鉴其规律。
关键词：演唱风格 演变过程 美声唱法 借鉴
中图分类号：J69 文献标识码：A
美声唱法“Bel canto”用意大利语义理解，Bel是优美的意思，canto为歌或歌唱，意味着“美好的歌唱”，简称为“美歌”或“美唱”。《新格洛夫音乐字典》中则认为：“通常地理解它为18世纪和19世纪初优美、高雅的意大利的声音风格……”当然，它的演唱风格不是一蹴而就的，是随着时代、国家、语言、作曲家及声乐技巧等因素的变化而变化的。
一 美声唱法演唱风格的演变过程
美声唱法起源于16世纪末17世纪初的意大利佛罗伦萨城。早期的歌剧在那里诞生，它为美声唱法的诞生奠定了基础。因此，美声唱法演唱风格的演变主要反映在歌剧领域。
（一）古意大利美声唱法的演唱风格
歌剧产生前的声乐艺术有古希腊的独唱、中世纪古圣咏、游吟歌手的音乐、多声部的牧歌等。但是，它们的表现力很简单很有限。
歌剧产生后至17世纪40年代前，古意大利美声唱法形成了自如、放松、自然、优美、柔和的演唱风格，“要求是要有丰满、明亮、共鸣的、抒情的音质，要求唱得圆润连贯；起音要柔和、准确、轻巧；演唱中不得有强力重音和极强音量出现”。
（二）第一个“黄金时代”的演唱风格
17、18世纪阉人歌唱家盛极一时的时期被人们称为“美声唱法的黄金时代”。同时，更是阉人歌唱家独霸歌坛的时代。
1 阉人歌唱家
美声唱法最早的实践者是阉人歌唱家。1586年，在《哥林多书》中罗马圣保罗教皇发布了指令：“令妇女们在教堂中保持安静”，这使男童成为需女声时的代替者。但男童受若干年声乐训练后，无奈却变声了，所以他们的歌唱寿命不长。
1599年，罗马教廷公开聘用阉人歌手弗里尼亚托，从此，阉人歌手大大发展。1681年，最后一位唱女中音的名字叫拉弗埃利的西班牙歌手被阉人歌手代替，自此，阉人歌唱家成为独霸歌坛的鳌头。但物极必反，由于过于热衷于声音和花腔技巧的炫耀与竞争，阉人歌唱家的美声唱法开始走向了单纯炫耀声音和花腔技巧、毫无克制的哗众取宠的极端，这些加速了美声唱法的衰落。19世纪初，阉人歌唱家开始从歌剧舞台上淡出。1913年，最后一位阉人歌唱家亚历山德罗·莫雷斯基（1858-1922）从罗马教堂退休，1922年去世。至此，阉人歌唱家独霸歌坛的时代也结束了。
2 17、18世纪歌剧及其演唱风格
17、18世纪的歌剧作曲家有维瓦尔迪、吕利、拉莫、亨德尔、格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬等，他们的歌剧因时代的音乐风格影响、个人的创作风格的差异而有所不同。
吕利（1632-1687）的歌剧尤其要注意其法国特点的表演艺术：芭蕾舞、宫廷小调和豪华的舞台场面，古典悲剧的朗诵风格及美学理论。演唱时，不需要辉煌的声音，注重的是戏剧表演、语调贴切及吐字清晰。拉莫（1683-1764）法国著名的作曲家，50岁才走上戏剧音乐创作的道路，一生共创作了25部歌剧，作品充满了18世纪中叶法国艺术的情调——典雅、优美、纤细、精致。亨德尔（1685-1759），巴洛克时期的代表，一生共创作40多部歌剧。其作品应唱得庄严而富有英雄气概，但要保持声音的抒情性和灵活性，绝不可以用浓重的胸声。力度对比在乐段之间，这是巴洛克时期普遍的音乐风格。节拍有规律性重音，方方正正，具巴洛克音乐步伐的庄严风格，稳定进行直至曲终。格鲁克（1714-1787），歌剧改革的重要人物，一生共创作48部歌剧，他的歌剧改革打击了阉人歌唱家声音表演的风格。演唱时，不应 “俏”、“媚”、“丽”、“甜”，而应真实朴素，不可自加装饰音和华彩乐段。莫扎特（1756-1791），古典时期的代表，一生共创作24部歌剧。演唱时，首先应注意古典时期纵向音乐的和声，它与演唱时的音量、音色、语气等变化有很大的关系，这是莫扎特歌剧典型的演唱风格；其次，起音准确，杜绝滑音；最后，要注意其创作的阶段性风格及角色、剧种及性格特征的不同。总之，古典时期的音乐风格特征为典雅、流畅、秀丽、明朗，故应以中等音量优雅从容、柔和连贯地演唱。
17、18世纪总的唱风为：“元音纯正，吐字清晰，声区统一，音阶均匀，气息饱满，音调准确，音域宽广，强弱自如，连音流畅，句法完美和嗓音灵活。”
（三）19世纪“第二个黄金时代”的演唱风格
19世纪后半叶，声乐进入“第二个黄金时代”。歌剧舞台种类繁多，风格各异，有罗西尼、多尼采第、贝里尼的法国大歌剧，有古诺、托玛、马斯内等法国作曲家，更有威尔第的《阿依达》《奥赛罗》相继上演。最大的改变是歌剧的写作技法得到发展，适合男生声部的作品大量涌现。
在19世纪，浪漫主义风格发展到了顶峰，在声乐艺术方面艺术歌曲和歌剧取得令人瞩目的成就。
1 艺术歌曲
浪漫主义音乐会歌曲最突出的当数德奥艺术歌曲，作曲家有舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫、马勒和理查·斯特劳斯等。它的演唱风格不同于歌剧，主要体现在：演唱时要运用轻声、半声和在高声区上渐弱的表现手法来表现幽静、细腻、浪漫的格调和情感；不用乐队伴奏而用钢琴伴奏；其演唱具有室内乐的性质特点，音色多样，吐字清晰，语调细致，作曲家的创作风格各异。总之，音乐会艺术歌曲的演唱风格以含蓄为贵，以阴柔见长。
2 歌剧
德国浪漫主义歌剧作曲家有贝多芬、韦伯，意大利歌剧作曲家有罗西尼、唐尼采蒂、贝里尼，法国大歌剧的梅耶贝尔，俄国民族歌剧和格林卡，德国的瓦格纳，意大利的威尔第和“辉煌唱法”，法国的古诺和比才，真实主义歌剧的普契尼，德彪西的印象主义音乐等。
罗西尼（1792-1868），浪漫主义初期的代表。一生共创作39部歌剧，代表作有《塞维利亚的理发师》《威廉退尔》等。演唱时，要突出其曼海姆乐派式的渐强。多尼采蒂（1797-1846），一生共写过65部歌剧，代表作有《拉美莫尔的露契亚》《爱之甘醇》等。他的旋律优美动人，演唱时较为省力。贝里尼（1801-1835），一生共写过11部歌剧，代表作有《梦游女》《清教徒》等。他的作品中男高音的常用声区很高、很“吊”。威尔第（1813-1901），浪漫主义后期的代表人物，一生共创作27部歌剧，代表作有《茶花女》《阿依达》等。他诞生了“辉煌的唱法”，要求起音用很强的爆发力，需突出戏剧性激情；其附点音符要唱得更短促有力；在演唱中允许加上下滑音；要求声音有韧性，不仅连贯而且集中等。普契尼（1858-1924），真实主义歌剧的代表。一生共创作12部歌剧，代表作有《蝴碟夫人》《托斯卡》及《图兰朵》等。演唱时常运用随意板，但必须运用适度；也有“辉煌唱法”，但音乐较深沉、浓郁，混合胸声较多；力度和音乐的对比更突出戏剧性，更需饱满连贯的气息支持。瓦格纳（1813-1883），创造了乐剧。他要求戏剧男高音使用更多的胸声和接近男中音的音色，带有粗犷的武士气质；要求戏剧性女高音音量洪大。
（四）20世纪美声唱法的演唱风格
20世纪的音乐风格开始出现百家争鸣的局面，所以歌剧的演唱风格也竞相争艳，各不相同。理查·斯特劳斯（1864-1949），新浪漫主义歌剧的代表。他的歌剧旋律更富伸缩性，节拍接近古典主义的规整。音乐更热情，力度、色调对比幅度大，速度、节拍多用随意板。演唱时不需要混有太浓的胸声。勋伯格则首创了“说唱”风格：它要求把谱上作曲家“所记的节拍、音值、近似音高及音量变化等，用说话或近似说话的声音‘说’完一部作品”。德彪西的作品由于旋律飘忽不定、平铺直叙，感情游移闪烁、充满诗意和细腻，音色温柔、纤细、精致，唯美、淡雅，故演唱者必须掌握“半声”和轻声的技巧，避免硬起音，要运用软起音等。
总之，20世纪总的演唱风格基本上仍沿袭了19世纪的审美观点，虽然也有新的尝试，如“说唱式”的朗诵唱等，但较之19世纪，声乐无根本性的改变。
二 借鉴
综上所述，美声唱法的演唱风格的演变不是一成不变的，它随时代、国家、语言、作曲家及声乐技巧等的不同而变化。其规律是由简单到复杂，日益提高完善形成的。17世纪、18世纪甚至19世纪初，美声唱法的唱风为优美、轻松、自然、自如、高雅的，它强调的是呼吸，声音的纤巧、灵活和抒情性。而到了19世纪，发现了“关闭”唱法，男声唱法突飞猛进，19世纪中叶时，较重的有力的声音风格与大音量被推崇，它强调的是共鸣。到了20世纪，嗓音机制研究开始揭开声乐演唱的层层面纱，使原来神秘抽象的声乐艺术具象、明朗起来。这对广大年轻的美声学习者有很大的借鉴意义。
1 遵循演唱风格演变的规律循序渐进。应遵循唱风演变的规律，根据自身程度循序渐进地学习。如初学者要求唱得柔美、抒情、自然、自如些，应多演唱初级歌曲。因为它们曲式结构简单，篇幅短小；音域不宽，不超过十二度，音高不高且没有持续在高声区演唱的情况；句子短小，对气息的保持要求不高；情绪平稳，无大转折起落，不需要很强的戏剧性。如外国声乐曲目《我亲爱的》等。随着程度的逐渐提高，才可以尽可能地挖掘自身音质潜能充分利用共鸣，多唱浪漫派以前的声乐作品。而像威尔第、普契尼、瓦格纳及其以后的声乐作品，由于它们要求用较浓重的胸声，较大的音量，较难控制，故宁迟勿早接触。
2 准确把握美声唱法缤纷各异的风格。梳理美声唱法唱风的演变历程可知：不同时代不同作曲家的风格是不同的，故其演唱风格也各不相同。如17世纪、18世纪文艺复兴时期的声乐作品。这个时代音乐较简单、朴实，旋律变化音不太多，故演唱时就需稍稍直一些，要柔和、均匀，不需加过多的颤音，共鸣也不太多。而巴洛克时期的声乐作品，如巴赫、亨德尔的作品等，演唱时要求严整，不在音准节奏上随意自由，不可乱加滑音。而像威尔第、普契尼、瓦格纳及其以后的声乐作品，则需要更为浓重的戏剧性声音，混以更多的胸声和更浑厚、深沉及洪大的音，等等。所以，演唱者要忠诚于过去经典音乐的风格，准确把握作品的演唱风格。
3 史上阉人歌唱家的繁荣和衰落应引以为鉴。纵观阉人歌唱家的产生、发展及灭亡的过程，我们不得不有所思考。阉人歌手的歌唱技巧高超，是对美声唱法的一种丰富和发展，也正因为其一味地炫技，脱离音乐本体，而导致最终走向了灭亡。因此，我们既要学习他们声音上的灵活性，又要谨防陷入只注重“声音”、炫耀技巧的异变中；既要重视声音技巧，又要重视演唱风格，要声情并茂地演绎作品。第一，杜绝“炫技风”。过多地要求声音，过多地考虑声音，导致现实生活中出现异变——只讲究技巧。我们应引以为戒，防止“阉人歌唱家炫技精神”的复来。第二，谨防“高分波”。不管自身的程度有多高，拔苗助长、只追求高分数大曲目，结果累了自己又毁了嗓子。这是“阉人歌唱家式的炫技”虚荣心的体现，是一种异变，应予以杜绝。
总之，美声唱法演唱风格的演变是由简单到复杂、由单一到多元的，而声乐演唱技巧也是由简单至复杂，日益提高完善形成的。我们应遵循其循序渐进、不断变化的规律。
参考文献：
[1] 李维渤：《西洋声乐发展概略》，世界图书出版公司，1999年版。
[2] 刘新丛、刘正夫：《欧洲声乐史》，中国青年出版社，1999年版。
[3] 尚家骥：《欧洲声乐发展史》，华乐出版社，2003年版。
[4] 石惟正：《声乐教学法》，百花文艺出版社，1996年版。
[5] 肖云涛：《关于美声唱法演唱风格的发展变化》，《文史资料》，2006年第1期。
作者简介：李芙，女，1978—，浙江杭州人，硕士，讲师，研究方向：声乐教学，工作单位：浙江传媒学院音乐学院。
关键词：演唱风格 演变过程 美声唱法 借鉴
中图分类号：J69 文献标识码：A
美声唱法“Bel canto”用意大利语义理解，Bel是优美的意思，canto为歌或歌唱，意味着“美好的歌唱”，简称为“美歌”或“美唱”。《新格洛夫音乐字典》中则认为：“通常地理解它为18世纪和19世纪初优美、高雅的意大利的声音风格……”当然，它的演唱风格不是一蹴而就的，是随着时代、国家、语言、作曲家及声乐技巧等因素的变化而变化的。
一 美声唱法演唱风格的演变过程
美声唱法起源于16世纪末17世纪初的意大利佛罗伦萨城。早期的歌剧在那里诞生，它为美声唱法的诞生奠定了基础。因此，美声唱法演唱风格的演变主要反映在歌剧领域。
（一）古意大利美声唱法的演唱风格
歌剧产生前的声乐艺术有古希腊的独唱、中世纪古圣咏、游吟歌手的音乐、多声部的牧歌等。但是，它们的表现力很简单很有限。
歌剧产生后至17世纪40年代前，古意大利美声唱法形成了自如、放松、自然、优美、柔和的演唱风格，“要求是要有丰满、明亮、共鸣的、抒情的音质，要求唱得圆润连贯；起音要柔和、准确、轻巧；演唱中不得有强力重音和极强音量出现”。
（二）第一个“黄金时代”的演唱风格
17、18世纪阉人歌唱家盛极一时的时期被人们称为“美声唱法的黄金时代”。同时，更是阉人歌唱家独霸歌坛的时代。
1 阉人歌唱家
美声唱法最早的实践者是阉人歌唱家。1586年，在《哥林多书》中罗马圣保罗教皇发布了指令：“令妇女们在教堂中保持安静”，这使男童成为需女声时的代替者。但男童受若干年声乐训练后，无奈却变声了，所以他们的歌唱寿命不长。
1599年，罗马教廷公开聘用阉人歌手弗里尼亚托，从此，阉人歌手大大发展。1681年，最后一位唱女中音的名字叫拉弗埃利的西班牙歌手被阉人歌手代替，自此，阉人歌唱家成为独霸歌坛的鳌头。但物极必反，由于过于热衷于声音和花腔技巧的炫耀与竞争，阉人歌唱家的美声唱法开始走向了单纯炫耀声音和花腔技巧、毫无克制的哗众取宠的极端，这些加速了美声唱法的衰落。19世纪初，阉人歌唱家开始从歌剧舞台上淡出。1913年，最后一位阉人歌唱家亚历山德罗·莫雷斯基（1858-1922）从罗马教堂退休，1922年去世。至此，阉人歌唱家独霸歌坛的时代也结束了。
2 17、18世纪歌剧及其演唱风格
17、18世纪的歌剧作曲家有维瓦尔迪、吕利、拉莫、亨德尔、格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬等，他们的歌剧因时代的音乐风格影响、个人的创作风格的差异而有所不同。
吕利（1632-1687）的歌剧尤其要注意其法国特点的表演艺术：芭蕾舞、宫廷小调和豪华的舞台场面，古典悲剧的朗诵风格及美学理论。演唱时，不需要辉煌的声音，注重的是戏剧表演、语调贴切及吐字清晰。拉莫（1683-1764）法国著名的作曲家，50岁才走上戏剧音乐创作的道路，一生共创作了25部歌剧，作品充满了18世纪中叶法国艺术的情调——典雅、优美、纤细、精致。亨德尔（1685-1759），巴洛克时期的代表，一生共创作40多部歌剧。其作品应唱得庄严而富有英雄气概，但要保持声音的抒情性和灵活性，绝不可以用浓重的胸声。力度对比在乐段之间，这是巴洛克时期普遍的音乐风格。节拍有规律性重音，方方正正，具巴洛克音乐步伐的庄严风格，稳定进行直至曲终。格鲁克（1714-1787），歌剧改革的重要人物，一生共创作48部歌剧，他的歌剧改革打击了阉人歌唱家声音表演的风格。演唱时，不应 “俏”、“媚”、“丽”、“甜”，而应真实朴素，不可自加装饰音和华彩乐段。莫扎特（1756-1791），古典时期的代表，一生共创作24部歌剧。演唱时，首先应注意古典时期纵向音乐的和声，它与演唱时的音量、音色、语气等变化有很大的关系，这是莫扎特歌剧典型的演唱风格；其次，起音准确，杜绝滑音；最后，要注意其创作的阶段性风格及角色、剧种及性格特征的不同。总之，古典时期的音乐风格特征为典雅、流畅、秀丽、明朗，故应以中等音量优雅从容、柔和连贯地演唱。
17、18世纪总的唱风为：“元音纯正，吐字清晰，声区统一，音阶均匀，气息饱满，音调准确，音域宽广，强弱自如，连音流畅，句法完美和嗓音灵活。”
（三）19世纪“第二个黄金时代”的演唱风格
19世纪后半叶，声乐进入“第二个黄金时代”。歌剧舞台种类繁多，风格各异，有罗西尼、多尼采第、贝里尼的法国大歌剧，有古诺、托玛、马斯内等法国作曲家，更有威尔第的《阿依达》《奥赛罗》相继上演。最大的改变是歌剧的写作技法得到发展，适合男生声部的作品大量涌现。
在19世纪，浪漫主义风格发展到了顶峰，在声乐艺术方面艺术歌曲和歌剧取得令人瞩目的成就。
1 艺术歌曲
浪漫主义音乐会歌曲最突出的当数德奥艺术歌曲，作曲家有舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫、马勒和理查·斯特劳斯等。它的演唱风格不同于歌剧，主要体现在：演唱时要运用轻声、半声和在高声区上渐弱的表现手法来表现幽静、细腻、浪漫的格调和情感；不用乐队伴奏而用钢琴伴奏；其演唱具有室内乐的性质特点，音色多样，吐字清晰，语调细致，作曲家的创作风格各异。总之，音乐会艺术歌曲的演唱风格以含蓄为贵，以阴柔见长。
2 歌剧
德国浪漫主义歌剧作曲家有贝多芬、韦伯，意大利歌剧作曲家有罗西尼、唐尼采蒂、贝里尼，法国大歌剧的梅耶贝尔，俄国民族歌剧和格林卡，德国的瓦格纳，意大利的威尔第和“辉煌唱法”，法国的古诺和比才，真实主义歌剧的普契尼，德彪西的印象主义音乐等。
罗西尼（1792-1868），浪漫主义初期的代表。一生共创作39部歌剧，代表作有《塞维利亚的理发师》《威廉退尔》等。演唱时，要突出其曼海姆乐派式的渐强。多尼采蒂（1797-1846），一生共写过65部歌剧，代表作有《拉美莫尔的露契亚》《爱之甘醇》等。他的旋律优美动人，演唱时较为省力。贝里尼（1801-1835），一生共写过11部歌剧，代表作有《梦游女》《清教徒》等。他的作品中男高音的常用声区很高、很“吊”。威尔第（1813-1901），浪漫主义后期的代表人物，一生共创作27部歌剧，代表作有《茶花女》《阿依达》等。他诞生了“辉煌的唱法”，要求起音用很强的爆发力，需突出戏剧性激情；其附点音符要唱得更短促有力；在演唱中允许加上下滑音；要求声音有韧性，不仅连贯而且集中等。普契尼（1858-1924），真实主义歌剧的代表。一生共创作12部歌剧，代表作有《蝴碟夫人》《托斯卡》及《图兰朵》等。演唱时常运用随意板，但必须运用适度；也有“辉煌唱法”，但音乐较深沉、浓郁，混合胸声较多；力度和音乐的对比更突出戏剧性，更需饱满连贯的气息支持。瓦格纳（1813-1883），创造了乐剧。他要求戏剧男高音使用更多的胸声和接近男中音的音色，带有粗犷的武士气质；要求戏剧性女高音音量洪大。
（四）20世纪美声唱法的演唱风格
20世纪的音乐风格开始出现百家争鸣的局面，所以歌剧的演唱风格也竞相争艳，各不相同。理查·斯特劳斯（1864-1949），新浪漫主义歌剧的代表。他的歌剧旋律更富伸缩性，节拍接近古典主义的规整。音乐更热情，力度、色调对比幅度大，速度、节拍多用随意板。演唱时不需要混有太浓的胸声。勋伯格则首创了“说唱”风格：它要求把谱上作曲家“所记的节拍、音值、近似音高及音量变化等，用说话或近似说话的声音‘说’完一部作品”。德彪西的作品由于旋律飘忽不定、平铺直叙，感情游移闪烁、充满诗意和细腻，音色温柔、纤细、精致，唯美、淡雅，故演唱者必须掌握“半声”和轻声的技巧，避免硬起音，要运用软起音等。
总之，20世纪总的演唱风格基本上仍沿袭了19世纪的审美观点，虽然也有新的尝试，如“说唱式”的朗诵唱等，但较之19世纪，声乐无根本性的改变。
二 借鉴
综上所述，美声唱法的演唱风格的演变不是一成不变的，它随时代、国家、语言、作曲家及声乐技巧等的不同而变化。其规律是由简单到复杂，日益提高完善形成的。17世纪、18世纪甚至19世纪初，美声唱法的唱风为优美、轻松、自然、自如、高雅的，它强调的是呼吸，声音的纤巧、灵活和抒情性。而到了19世纪，发现了“关闭”唱法，男声唱法突飞猛进，19世纪中叶时，较重的有力的声音风格与大音量被推崇，它强调的是共鸣。到了20世纪，嗓音机制研究开始揭开声乐演唱的层层面纱，使原来神秘抽象的声乐艺术具象、明朗起来。这对广大年轻的美声学习者有很大的借鉴意义。
1 遵循演唱风格演变的规律循序渐进。应遵循唱风演变的规律，根据自身程度循序渐进地学习。如初学者要求唱得柔美、抒情、自然、自如些，应多演唱初级歌曲。因为它们曲式结构简单，篇幅短小；音域不宽，不超过十二度，音高不高且没有持续在高声区演唱的情况；句子短小，对气息的保持要求不高；情绪平稳，无大转折起落，不需要很强的戏剧性。如外国声乐曲目《我亲爱的》等。随着程度的逐渐提高，才可以尽可能地挖掘自身音质潜能充分利用共鸣，多唱浪漫派以前的声乐作品。而像威尔第、普契尼、瓦格纳及其以后的声乐作品，由于它们要求用较浓重的胸声，较大的音量，较难控制，故宁迟勿早接触。
2 准确把握美声唱法缤纷各异的风格。梳理美声唱法唱风的演变历程可知：不同时代不同作曲家的风格是不同的，故其演唱风格也各不相同。如17世纪、18世纪文艺复兴时期的声乐作品。这个时代音乐较简单、朴实，旋律变化音不太多，故演唱时就需稍稍直一些，要柔和、均匀，不需加过多的颤音，共鸣也不太多。而巴洛克时期的声乐作品，如巴赫、亨德尔的作品等，演唱时要求严整，不在音准节奏上随意自由，不可乱加滑音。而像威尔第、普契尼、瓦格纳及其以后的声乐作品，则需要更为浓重的戏剧性声音，混以更多的胸声和更浑厚、深沉及洪大的音，等等。所以，演唱者要忠诚于过去经典音乐的风格，准确把握作品的演唱风格。
3 史上阉人歌唱家的繁荣和衰落应引以为鉴。纵观阉人歌唱家的产生、发展及灭亡的过程，我们不得不有所思考。阉人歌手的歌唱技巧高超，是对美声唱法的一种丰富和发展，也正因为其一味地炫技，脱离音乐本体，而导致最终走向了灭亡。因此，我们既要学习他们声音上的灵活性，又要谨防陷入只注重“声音”、炫耀技巧的异变中；既要重视声音技巧，又要重视演唱风格，要声情并茂地演绎作品。第一，杜绝“炫技风”。过多地要求声音，过多地考虑声音，导致现实生活中出现异变——只讲究技巧。我们应引以为戒，防止“阉人歌唱家炫技精神”的复来。第二，谨防“高分波”。不管自身的程度有多高，拔苗助长、只追求高分数大曲目，结果累了自己又毁了嗓子。这是“阉人歌唱家式的炫技”虚荣心的体现，是一种异变，应予以杜绝。
总之，美声唱法演唱风格的演变是由简单到复杂、由单一到多元的，而声乐演唱技巧也是由简单至复杂，日益提高完善形成的。我们应遵循其循序渐进、不断变化的规律。
参考文献：
[1] 李维渤：《西洋声乐发展概略》，世界图书出版公司，1999年版。
[2] 刘新丛、刘正夫：《欧洲声乐史》，中国青年出版社，1999年版。
[3] 尚家骥：《欧洲声乐发展史》，华乐出版社，2003年版。
[4] 石惟正：《声乐教学法》，百花文艺出版社，1996年版。
[5] 肖云涛：《关于美声唱法演唱风格的发展变化》，《文史资料》，2006年第1期。
作者简介：李芙，女，1978—，浙江杭州人，硕士，讲师，研究方向：声乐教学，工作单位：浙江传媒学院音乐学院。