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当年，五位艺术家凭借其造诣创立了亚利桑那大学的创意摄影中心，摄影大师温·布洛克（1902.4.18—1975.11.16）就是其中之一。他的作品为世界各地超过90家主要的机构所收藏；作为一个向生命和宇宙提出最深奥问题，同时也是运用摄影作为象征语言记录并寻求答案意义的人，从作品给人的启发以及其技法的改变上，他留下了一笔丰富而生动的财富。他不仅把摄影当作一种光影的艺术形式，而且把它作为一个载体，让自己更好地向全世界表达创意。
早年布洛克一直在欧洲声乐界发展，在德国、意大利、巴黎等地举办过音乐会。在这段时间，巴黎浓厚的文化氛围激发了他对艺术创作的热情，他疯狂地迷上了印象派和后印象派。在曼·雷和拉兹洛莫霍·纳吉作品的影响下，他开始喜欢摄影，在巴黎买了自己的第一台相机。30年代初期，美国经济大萧条，布洛克回到洛杉矶，在洛杉矶艺术中心系统地学习摄影。1948年，他结识了美国摄影史上被称为最具创意和影响力的摄影师爱德华·韦斯顿，在韦斯顿作品的力量与美的启发下，他开始探索自己所谓的“直接”摄影（现场动作在不因相机介入而受到影响的情况下所进行的拍摄被称作直接摄影），并由此成为创作型摄影师。
印象派和后印象派绘画作品激发了布洛克内心潜在的对视觉艺术的兴趣。曼·雷和纳吉的摄影作品影响了布洛克早期的实验作品，当然艺术中心学院的爱德华·卡明斯基教授也影响着他。布洛克一直和爱德华·韦斯顿、伊莫金·坎宁安、安塞尔·亚当斯、鲁斯·伯恩哈德及其他著名的西海岸摄影师有着密切联系。50年代中期，美国著名策展人爱德华·斯泰肯选择了布洛克的两张作品，在他1955年于现代艺术博物馆策划的“人类大家庭”展览中展出，布洛克的艺术开始受到公众关注。在华盛顿科科伦画廊中，他的照片“让光存在”被选为最受欢迎的作品，“森林中的孩子”则成为展览中最令人难忘的形象之一。到70年代末期，布洛克的作品已在世界各地展出以及出版。
布洛克毕生对技术的使用，分为几个不同的时期（超长定时曝光、多重影像，倒置和负片冲洗）。寻找更多方法唤起事物的本质是他毕生追求的一个关键部分。
60年代初，布洛克从黑白图像转为创作他所说的“色光抽象”。对他来说，这些照片表现出他对光的运用进行了更为深入的探讨，表达了他的信仰，即光线是所有存在事物的中心：“也许这就是宇宙中最深奥的真理。”
60年代中期，由于彩色印刷技术的局限，布洛克返回到黑白照片的创作上，他从未停止发展自己深入感知和理解事物的才能，并继续扩大自己的视野，创作创新的图像，以求反映深刻的哲学本质——从可见与已知的“存在”中区分出 “真实的事物”，发掘事物背后隐藏的真理。他曾经说：“寻找就是一切——超越认识的极限。重要的不是你所认为的，而是这些事物如何拓展你的认知。”
70年代初，布洛克开始了新的创作方式，但却被无法治愈的癌症打断了。疾病促使他在那个时期的许多摄影作品中，展示出了深藏在事物内在的光芒、生命的成长和能量与活力的脉动。还有一部分照片或描绘或暗示普遍人性的本来面目，表现出了“深深植根”的人性及其与自然的重新统一。
纵观布洛克对摄影发展的贡献和技术成就，可以看到，布洛克在二十世纪40代末就获得了美国、加拿大授予的“制作线性图像的图片处理”专利。50年代再次凭借“照片胶片密度匹配的方法与途径”被美国授予专利。1957年荣获了国际摄影沙龙金奖。二十世纪60年代，他还获得了许多专业摄影组织颁发的奖项。1968年，布洛克成为加州卡梅尔“摄影之友”委员会理事和展览委员会主席。除了安塞尔·亚当斯、哈里·卡拉汉、阿龙·金德和冯索默之外，布洛克1975年也加入了他们成立的小组，这些摄影师共同创立了亚利桑那大学的创意摄影中心。布洛克在亚伦金德休假时，曾任教于芝加哥设计研究院高级摄影课程，又应约翰·古特曼的邀请，在旧金山州立大学教学。他是安塞尔·亚当斯的约塞米蒂工作坊的客座教授。60年代到70年代初，他广泛授课，主持摄影工作坊，并多次参加摄影方面各种主题和议题的研讨会和座谈会。
布洛克在摄影上的艺术成就始终离不开他对这个世界的探索和看法。终其一生，他都在学习哲学、物理学、普通语义学、心理学、神学、灵学和艺术。这些学科的知识也对布洛克的创作产生重要影响。在1948年开始的整整十年之间，他致力于拓展自己的视野，建立人与自然深厚而直接的联系，不断从中发掘自己创作过程的原则和概念的动力。他曾说：“科学家探索宇宙，哲学家寻求答案，画家如保罗·克利找到了人类对科学的想法与艺术的共通，这比其他摄影师对我的影响要大得多。”
芭芭拉·布洛克·威尔森在《追忆我的父亲温·布洛克》一文中，记录了布洛克这样的创作过程：“作为艺术家，爸爸从未把家人从他的艺术生活中孤立出去，许多他广为人知的作品都是在我们全家出游的时候拍摄的。在出游的过程中，爸爸有时也把我们家庭成员的其中一人作为创作的一部分。有时候我们会脱去衣服，供他进行裸体影像创作。在这个过程中，我知道脱去衣服代表着与大自然更加亲密，感受大地、树林、海岸、空气，还有生老病死的力量。尽管有时候我会抱怨我们所处的拍摄环境（会刺划我皮肤的干燥树枝；阴冷雾霾的天气；沙漠中的蜘蛛网和老破屋……），但为他当模特儿对我来说依然是一件轻松愉快的事情，每每我都非常期待。参与这样的创意活动让我感觉到自己在一个重要过程里的存在，不是作为具体的个人，而是作为整个宇宙的某种象征。
“60年代早期，他开始大量创作彩色抽象照，他会邀请我们到他的工作室‘观摩’。头戴爸爸的遮光黑布，我从相机望进去，一幅美妙的画面即呈现在眼前。有时候我觉得自己是时光中的旅行家，观天地之神奇；又有时候我觉得自己在用显微镜看世界，在次原子层面充满活力地穿梭。不管视角是宏观的还是微观的，最终打动我的是世间万事万物那超越宇宙般的存在感。”
早年布洛克一直在欧洲声乐界发展，在德国、意大利、巴黎等地举办过音乐会。在这段时间，巴黎浓厚的文化氛围激发了他对艺术创作的热情，他疯狂地迷上了印象派和后印象派。在曼·雷和拉兹洛莫霍·纳吉作品的影响下，他开始喜欢摄影，在巴黎买了自己的第一台相机。30年代初期，美国经济大萧条，布洛克回到洛杉矶，在洛杉矶艺术中心系统地学习摄影。1948年，他结识了美国摄影史上被称为最具创意和影响力的摄影师爱德华·韦斯顿，在韦斯顿作品的力量与美的启发下，他开始探索自己所谓的“直接”摄影（现场动作在不因相机介入而受到影响的情况下所进行的拍摄被称作直接摄影），并由此成为创作型摄影师。
印象派和后印象派绘画作品激发了布洛克内心潜在的对视觉艺术的兴趣。曼·雷和纳吉的摄影作品影响了布洛克早期的实验作品，当然艺术中心学院的爱德华·卡明斯基教授也影响着他。布洛克一直和爱德华·韦斯顿、伊莫金·坎宁安、安塞尔·亚当斯、鲁斯·伯恩哈德及其他著名的西海岸摄影师有着密切联系。50年代中期，美国著名策展人爱德华·斯泰肯选择了布洛克的两张作品，在他1955年于现代艺术博物馆策划的“人类大家庭”展览中展出，布洛克的艺术开始受到公众关注。在华盛顿科科伦画廊中，他的照片“让光存在”被选为最受欢迎的作品，“森林中的孩子”则成为展览中最令人难忘的形象之一。到70年代末期，布洛克的作品已在世界各地展出以及出版。
布洛克毕生对技术的使用，分为几个不同的时期（超长定时曝光、多重影像，倒置和负片冲洗）。寻找更多方法唤起事物的本质是他毕生追求的一个关键部分。
60年代初，布洛克从黑白图像转为创作他所说的“色光抽象”。对他来说，这些照片表现出他对光的运用进行了更为深入的探讨，表达了他的信仰，即光线是所有存在事物的中心：“也许这就是宇宙中最深奥的真理。”
60年代中期，由于彩色印刷技术的局限，布洛克返回到黑白照片的创作上，他从未停止发展自己深入感知和理解事物的才能，并继续扩大自己的视野，创作创新的图像，以求反映深刻的哲学本质——从可见与已知的“存在”中区分出 “真实的事物”，发掘事物背后隐藏的真理。他曾经说：“寻找就是一切——超越认识的极限。重要的不是你所认为的，而是这些事物如何拓展你的认知。”
70年代初，布洛克开始了新的创作方式，但却被无法治愈的癌症打断了。疾病促使他在那个时期的许多摄影作品中，展示出了深藏在事物内在的光芒、生命的成长和能量与活力的脉动。还有一部分照片或描绘或暗示普遍人性的本来面目，表现出了“深深植根”的人性及其与自然的重新统一。
纵观布洛克对摄影发展的贡献和技术成就，可以看到，布洛克在二十世纪40代末就获得了美国、加拿大授予的“制作线性图像的图片处理”专利。50年代再次凭借“照片胶片密度匹配的方法与途径”被美国授予专利。1957年荣获了国际摄影沙龙金奖。二十世纪60年代，他还获得了许多专业摄影组织颁发的奖项。1968年，布洛克成为加州卡梅尔“摄影之友”委员会理事和展览委员会主席。除了安塞尔·亚当斯、哈里·卡拉汉、阿龙·金德和冯索默之外，布洛克1975年也加入了他们成立的小组，这些摄影师共同创立了亚利桑那大学的创意摄影中心。布洛克在亚伦金德休假时，曾任教于芝加哥设计研究院高级摄影课程，又应约翰·古特曼的邀请，在旧金山州立大学教学。他是安塞尔·亚当斯的约塞米蒂工作坊的客座教授。60年代到70年代初，他广泛授课，主持摄影工作坊，并多次参加摄影方面各种主题和议题的研讨会和座谈会。
布洛克在摄影上的艺术成就始终离不开他对这个世界的探索和看法。终其一生，他都在学习哲学、物理学、普通语义学、心理学、神学、灵学和艺术。这些学科的知识也对布洛克的创作产生重要影响。在1948年开始的整整十年之间，他致力于拓展自己的视野，建立人与自然深厚而直接的联系，不断从中发掘自己创作过程的原则和概念的动力。他曾说：“科学家探索宇宙，哲学家寻求答案，画家如保罗·克利找到了人类对科学的想法与艺术的共通，这比其他摄影师对我的影响要大得多。”
芭芭拉·布洛克·威尔森在《追忆我的父亲温·布洛克》一文中，记录了布洛克这样的创作过程：“作为艺术家，爸爸从未把家人从他的艺术生活中孤立出去，许多他广为人知的作品都是在我们全家出游的时候拍摄的。在出游的过程中，爸爸有时也把我们家庭成员的其中一人作为创作的一部分。有时候我们会脱去衣服，供他进行裸体影像创作。在这个过程中，我知道脱去衣服代表着与大自然更加亲密，感受大地、树林、海岸、空气，还有生老病死的力量。尽管有时候我会抱怨我们所处的拍摄环境（会刺划我皮肤的干燥树枝；阴冷雾霾的天气；沙漠中的蜘蛛网和老破屋……），但为他当模特儿对我来说依然是一件轻松愉快的事情，每每我都非常期待。参与这样的创意活动让我感觉到自己在一个重要过程里的存在，不是作为具体的个人，而是作为整个宇宙的某种象征。
“60年代早期，他开始大量创作彩色抽象照，他会邀请我们到他的工作室‘观摩’。头戴爸爸的遮光黑布，我从相机望进去，一幅美妙的画面即呈现在眼前。有时候我觉得自己是时光中的旅行家，观天地之神奇；又有时候我觉得自己在用显微镜看世界，在次原子层面充满活力地穿梭。不管视角是宏观的还是微观的，最终打动我的是世间万事万物那超越宇宙般的存在感。”