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【摘 要】中国水彩画发展迅速，但是水彩画作为一个独立的艺术品类，如何呈现自身的面貌，显示艺术的品质，还有许多问题亟待探讨。水彩画要突破传统的即兴小品的面貌，必须有成熟的技术，和艺术家对于个人的情感的真实表达，对时代精神的理性思考。首先，以水彩画本体语言作艺术的表述，是水彩画创作的根本。如何做到既能保持本体语言的特征，又不断丰富水彩艺术新的语言内涵，这是水彩创作的一个突破口。此外，艺术应当具有时代的精神，和一个时代的价值判断，水彩画也应该是这样。水彩画要走向真正意义的艺术创作，应该体现时代的精神和文化的价值取向，并以个人的情感方式投射到作品之中，只有这样，才能完成艺术的突破。
【关键词】水彩画；创作；突破
水彩画作为一个艺术门类，如何呈现自身的面貌，显示艺术的品质，还有许多问题亟待探讨。水彩画技术性和艺术性的结合尚未达到一个高层次的状态，研究水彩画创作，是一个切入点。探讨水彩画如何表达对生活的认识，表达画家的感受、理解、评价和愿望。水彩画在艺术分类中属于基础学科，既是独立的艺术品类，也被广泛应运与美术传媒的各个方面。水彩画要突破传统的即兴小品的面貌，必须有成熟的技术，和艺术家对于个人的情感的真实表达，对时代精神的理性思考。
艺术家关注时代，也关注自身，在他生活的时代，以个人的视角，以艺术的语言，表达见解。中国水彩画艺术能够呈现今天的面貌，是因为水彩画融入了中国的性格和趣味。中国文化中诗意的趣味和浪漫的气质，中国水墨画的视觉形式成为中国水彩画的艺术特点。中国水彩画融合了我国文化的个性和西画绘画的技术，是文化、艺术、技术的很好的结合。中国水彩画抒情、洒脱、明快、自然、蕴藉，正所谓“诗中有画，画中有诗”。但是当今水彩画还是显得单薄，面临问题还很多，既成的格式如何突破，如何丰富，如何强化？如何理解当今时代的精神，如何将个人的情感投射到作品之中？
首先，以水彩画本体语言作艺术的表述，是水彩画创作的根本。如何做到既能保持本体语言的特征，又不断丰富水彩艺术新的语言内涵，这是水彩创作的一个突破口。
从技术层面看，创作研究的目标当然是水彩画的本体语言。康定斯基说：“同一道路上不同的出发点就是不同的艺术，它们可以畅所欲言，使用属于自己的语言”，技术的探索可以是纯技术的，也可以将个人情感为依据，选择艺术语言的技术性处理方法，而后者是符合艺术规律的。比如莫奈《草垛》的色彩与实体的疏离，进而形成色彩的旋律，通过色彩和光完成思想的交流，这是莫奈的艺术思想。于是我们看到《鲁昂大教堂》《睡莲》，莫奈不拘泥具体可视形状，而由色彩支配一切的杰作。库尔贝最重视的技巧是，保持颜料表面的饱满和丰富多彩。康定斯基以点线面画探索绘画和音乐的内在联系，以及色彩的独立性，成为抽象色彩画大师。高更的绘画像悲情激昂的诗歌，他舍去传统的表达方式，以叙述性和思考性的绘画语言走向更为深刻的精神领域，作品 《我们从哪里来？ 我们是谁？我们到哪里去？》对人生提出诘问。毕加索的立体主义，舍弃了更多的传统绘画的技巧和法则，更为直接地传达自己的情感，确保对事物纯粹、原始的印象，致使画面形式近于夸张和怪异，体现出艺术的创新精神。艺术发展到立体主义时期，情感的真实准确成为支配形、色、材料的依据，精神性在绘画的品质里比技术性更为重要。
可见，艺术对本体语言的选择性，构成艺术性的特质，创新来自对本体语言的创造性运用。
娴熟的技术，丰富多样的表现手段都是艺术中“术”的因素，但艺术的中的“艺”，当属首位。对于语言技法的取或舍，既是艺术探索的关键，也是艺术品质形成的关键。这其中包含艺术家对艺术的深层见解，艺术家的追求和主张，看似技术问题，实际是艺术家的观念，以及决定艺术观念的人格和精神。
水彩画的的本体语言由水、色、材质所形成的水彩韵味等因素组成。水彩的本体语言将各个因素推向极致，将色彩、水分、材料逐一实践，达到贴切的情感表达。水彩的探索有种种的做法，比如程式化的水彩画制作，降低了水彩画的画面控制的难度，却丢掉了水彩画新鲜、偶发、爽快等等最为吸引人的特质。或者为了增加画面的丰富性靠近其他绘画的表象形式，结果，却丧失了水彩画本体语言的特征和个性。这些做法削弱了水彩画艺术的精神感染力，显然，艺术要向前发展，仅有本体语言的因素是不够的。
法度和自由都为艺术所必须，法度不可以桎梏艺术的活力，保持的活力和不确定性正是通向艺术的道路，没有什么捷径可走。模式化、程序化会使水彩画走向表面的形式，失去艺术的真诚。
此外，艺术具有时代的精神和一个时代的价值判断，水彩画也应该是这样。
正如康定斯基所说：“艺术里的关系不必然是外部形式的关系，艺术里的关系是以内在意蕴的一致为基础的。”艺术家将人类的追求和困厄艺术地呈现出来，让后来人产生深刻的共鸣。意大利文艺复兴时期的画家，以人性的回归为主题，表现人的情感。米开朗基罗以神为题材，表现人的超自然力，《昼与夜》、《摩西》的象征主义表现，充分寄托了艺术家对人的赞美。那个时期的达·芬奇、安格尔，都是这一时代精神下的艺术实践者，他们的作品投射出文艺复兴时期昂扬的人性光辉。如果仅仅以技术而论，后来人在雕塑、油画的技术方面比他们更为成熟完善，但艺术的影响却远不能及这些作品。
一个人在一个时代中，生存的状态就属于这个时代。艺术，作为一个时代的印记和标志，必然地携带这时代的精神。透过艺术可以找寻人类文明的共性与个性。历史走过了一个一个的阶段，留下了一个一个风格迥异的艺术。工业革命促进了英国经济的迅速发展，也影响着人们的审美意识，这促成了英国风景画的出现。宋代的花鸟艺术，文雅精致纤细柔美，霍去病墓的雕塑，大刀阔斧雄强浑厚，明清山水画是文人写意画，表现了文人意趣。艺术无处不是商品经济发展在艺术上的反映。一个民族、一个国家、一种文化，都是艺术精神的内涵所在。艺术家，则将表现为时代精神的艺术，时代精神在艺术中则是最为有意义的。 水彩画要走向真正意义的艺术创作，应该体现时代的精神和价值的取向，将个人的情感投射到作品之中，只有这样，才能完成艺术的突破。一个画种的成熟需要一批成熟的画家，画家经过寻求表达自我而走向成熟。艺术家关注社会，关注人性，真诚面对艺术，艺术的创新和突破正是艺术家的自我完成的必然结果。马克思曾经说过： “形式是我精神的个性。”刘勰也说：“各师成心，其异如面。”艺术家的风格是他的思想性格。艺术家对所见事物和所想画的东西有着独特的感受和想法，他们的作品是表达其信息的明确和深度的证明，表达的内容决定了表达的方式和方法。水彩画必须寻找自己的精神指向，并以此来丰富水彩画的艺术语言。站在思想的高度思考艺术问题，摆脱技术的局限，准确真实地表达个人情感，深刻地体现时代精神，这样的探索将使水彩画艺术走向成熟。
正如别林斯基说：艺术家“根据他对事物的看法，以生活在其中的世界、时代和民族的态度来决定他那固有的理想，来再造生活” 。个人精神在作品的投射，贯穿绘画的整个过程，没有一个艺术家可以走捷径，辩明个人绘画语言的各种因素，将是一个长期的过程。具体来说，最棘手的问题是决定要在作品中用什么样的表现特征。尤其不能把精力仅放在水彩画技巧的展示，将创作寄希望于惊人的绝技，艺术需要技术，但技术不等于艺术。题材的选择是否注重思想性，或者凸显中国文化的诗意和浪漫？用什么画面形式表现，是否舍弃传统，只选则与个人精神的对应？
当然，绘画艺术有技术的方面，有其自身的规律，必须具备造型、色彩和绘画的理论，如造型的法则、趣味，色彩的情感。以为绘画无所谓技术的认识是错误的。水彩画要研究水彩画色彩的采用，对色彩是感觉式还是概念化的方法？是否坚持使用或限制某种色彩？造型是二维还是三维，绘画空间深远还是平面？造型是具象还是抽象，或者是在两者之间？色彩的情绪是否一致？对媒材的研究与选择是否符合情感的诉求？
同时，艺术是文化的载体，艺术包含着与艺术相关的许多内容，比如文学、音乐、诗歌、戏剧，比如宗教、哲学、社会学、心理学等，与绘画都有着千丝万镂的联系，水彩画也要关注文化的氛围的准确表达。对于水彩画家个人而言，成熟的艺术即是个性的归属。其中包含着艺术家的思想、秉性、技术和追求，他的知觉，表现的每一个观念，一切艺术的实践，一切艺术的修养，都依靠这种自然的演化，最后凝结成为艺术。
艺术形式所有的细节必须以一种综合的形式结合起来。水彩画坚持单纯的基本规律对获得艺术的和谐与平静很重要也很有效。就像素描、色彩作用于我们的空间知觉，构成艺术家的特别积累。积累既集中画家的天赋和才能，更自觉更系统地专注与艺术表现的基本技能，将才智、情感、性格、技能娴熟的糅合在一起创造水彩画。经常接受新的观察方法和新的水彩画表现方法，避免作品的重复。
学习和借鉴他人的方法是有助与水彩画发展的。学习新的观察方法、理解方法、思考方法，但是，技巧和风格容易模仿，而想象力、直觉、情感、知识、和经验是无法模仿的，艺术不仅仅是天赋、才能和手法，而是画家个人的存在发展积累而成，艺术创造并不是纯粹的创新，它要依赖于大量的实践、思考和情感的投入，水彩画的成熟是一个水到渠成的过程。
水彩画是色彩体系中的基础学科，又是一个独立的画种。水彩画在实际的艺术创作中，影响是多方面的：在形式上，它以画面中流畅清丽的视觉效果，强化了我们曾经笃定的审美标准；在内容上，它唯美的情绪状态游离现实层面转向画者的个体感受；它沟通了西画与中国画的内在关系，建立了中国审美情趣在西画艺术领域的真实体验。现在，水彩画艺术还不完善，还需要大量的实践以促使艺术品质的完成。艺术的演进是一个自然的过程，当水彩画一切绘画的、非绘画的因素都具备时，艺术品质就自然的提升。不能强求，不能刻意造作，必须真诚地从事艺术实践，潜心研究、辨析精华和糟粕，认真地、准确地表达自己。开始可能是幼稚的，可能有很多绘画基础的问题妨碍绘画语言的准确，但要去解决，要扬长避短，要寻找一个适合水彩画的艺术语言，表现出水彩画的本质特征。
参考文献：
[1]水彩画的艺术表现 王维新 人民美术出版社 1996年
[2]水彩里的色与光 [美] 克里斯托福.欣克 中国新年出版社 2001年
【关键词】水彩画；创作；突破
水彩画作为一个艺术门类，如何呈现自身的面貌，显示艺术的品质，还有许多问题亟待探讨。水彩画技术性和艺术性的结合尚未达到一个高层次的状态，研究水彩画创作，是一个切入点。探讨水彩画如何表达对生活的认识，表达画家的感受、理解、评价和愿望。水彩画在艺术分类中属于基础学科，既是独立的艺术品类，也被广泛应运与美术传媒的各个方面。水彩画要突破传统的即兴小品的面貌，必须有成熟的技术，和艺术家对于个人的情感的真实表达，对时代精神的理性思考。
艺术家关注时代，也关注自身，在他生活的时代，以个人的视角，以艺术的语言，表达见解。中国水彩画艺术能够呈现今天的面貌，是因为水彩画融入了中国的性格和趣味。中国文化中诗意的趣味和浪漫的气质，中国水墨画的视觉形式成为中国水彩画的艺术特点。中国水彩画融合了我国文化的个性和西画绘画的技术，是文化、艺术、技术的很好的结合。中国水彩画抒情、洒脱、明快、自然、蕴藉，正所谓“诗中有画，画中有诗”。但是当今水彩画还是显得单薄，面临问题还很多，既成的格式如何突破，如何丰富，如何强化？如何理解当今时代的精神，如何将个人的情感投射到作品之中？
首先，以水彩画本体语言作艺术的表述，是水彩画创作的根本。如何做到既能保持本体语言的特征，又不断丰富水彩艺术新的语言内涵，这是水彩创作的一个突破口。
从技术层面看，创作研究的目标当然是水彩画的本体语言。康定斯基说：“同一道路上不同的出发点就是不同的艺术，它们可以畅所欲言，使用属于自己的语言”，技术的探索可以是纯技术的，也可以将个人情感为依据，选择艺术语言的技术性处理方法，而后者是符合艺术规律的。比如莫奈《草垛》的色彩与实体的疏离，进而形成色彩的旋律，通过色彩和光完成思想的交流，这是莫奈的艺术思想。于是我们看到《鲁昂大教堂》《睡莲》，莫奈不拘泥具体可视形状，而由色彩支配一切的杰作。库尔贝最重视的技巧是，保持颜料表面的饱满和丰富多彩。康定斯基以点线面画探索绘画和音乐的内在联系，以及色彩的独立性，成为抽象色彩画大师。高更的绘画像悲情激昂的诗歌，他舍去传统的表达方式，以叙述性和思考性的绘画语言走向更为深刻的精神领域，作品 《我们从哪里来？ 我们是谁？我们到哪里去？》对人生提出诘问。毕加索的立体主义，舍弃了更多的传统绘画的技巧和法则，更为直接地传达自己的情感，确保对事物纯粹、原始的印象，致使画面形式近于夸张和怪异，体现出艺术的创新精神。艺术发展到立体主义时期，情感的真实准确成为支配形、色、材料的依据，精神性在绘画的品质里比技术性更为重要。
可见，艺术对本体语言的选择性，构成艺术性的特质，创新来自对本体语言的创造性运用。
娴熟的技术，丰富多样的表现手段都是艺术中“术”的因素，但艺术的中的“艺”，当属首位。对于语言技法的取或舍，既是艺术探索的关键，也是艺术品质形成的关键。这其中包含艺术家对艺术的深层见解，艺术家的追求和主张，看似技术问题，实际是艺术家的观念，以及决定艺术观念的人格和精神。
水彩画的的本体语言由水、色、材质所形成的水彩韵味等因素组成。水彩的本体语言将各个因素推向极致，将色彩、水分、材料逐一实践，达到贴切的情感表达。水彩的探索有种种的做法，比如程式化的水彩画制作，降低了水彩画的画面控制的难度，却丢掉了水彩画新鲜、偶发、爽快等等最为吸引人的特质。或者为了增加画面的丰富性靠近其他绘画的表象形式，结果，却丧失了水彩画本体语言的特征和个性。这些做法削弱了水彩画艺术的精神感染力，显然，艺术要向前发展，仅有本体语言的因素是不够的。
法度和自由都为艺术所必须，法度不可以桎梏艺术的活力，保持的活力和不确定性正是通向艺术的道路，没有什么捷径可走。模式化、程序化会使水彩画走向表面的形式，失去艺术的真诚。
此外，艺术具有时代的精神和一个时代的价值判断，水彩画也应该是这样。
正如康定斯基所说：“艺术里的关系不必然是外部形式的关系，艺术里的关系是以内在意蕴的一致为基础的。”艺术家将人类的追求和困厄艺术地呈现出来，让后来人产生深刻的共鸣。意大利文艺复兴时期的画家，以人性的回归为主题，表现人的情感。米开朗基罗以神为题材，表现人的超自然力，《昼与夜》、《摩西》的象征主义表现，充分寄托了艺术家对人的赞美。那个时期的达·芬奇、安格尔，都是这一时代精神下的艺术实践者，他们的作品投射出文艺复兴时期昂扬的人性光辉。如果仅仅以技术而论，后来人在雕塑、油画的技术方面比他们更为成熟完善，但艺术的影响却远不能及这些作品。
一个人在一个时代中，生存的状态就属于这个时代。艺术，作为一个时代的印记和标志，必然地携带这时代的精神。透过艺术可以找寻人类文明的共性与个性。历史走过了一个一个的阶段，留下了一个一个风格迥异的艺术。工业革命促进了英国经济的迅速发展，也影响着人们的审美意识，这促成了英国风景画的出现。宋代的花鸟艺术，文雅精致纤细柔美，霍去病墓的雕塑，大刀阔斧雄强浑厚，明清山水画是文人写意画，表现了文人意趣。艺术无处不是商品经济发展在艺术上的反映。一个民族、一个国家、一种文化，都是艺术精神的内涵所在。艺术家，则将表现为时代精神的艺术，时代精神在艺术中则是最为有意义的。 水彩画要走向真正意义的艺术创作，应该体现时代的精神和价值的取向，将个人的情感投射到作品之中，只有这样，才能完成艺术的突破。一个画种的成熟需要一批成熟的画家，画家经过寻求表达自我而走向成熟。艺术家关注社会，关注人性，真诚面对艺术，艺术的创新和突破正是艺术家的自我完成的必然结果。马克思曾经说过： “形式是我精神的个性。”刘勰也说：“各师成心，其异如面。”艺术家的风格是他的思想性格。艺术家对所见事物和所想画的东西有着独特的感受和想法，他们的作品是表达其信息的明确和深度的证明，表达的内容决定了表达的方式和方法。水彩画必须寻找自己的精神指向，并以此来丰富水彩画的艺术语言。站在思想的高度思考艺术问题，摆脱技术的局限，准确真实地表达个人情感，深刻地体现时代精神，这样的探索将使水彩画艺术走向成熟。
正如别林斯基说：艺术家“根据他对事物的看法，以生活在其中的世界、时代和民族的态度来决定他那固有的理想，来再造生活” 。个人精神在作品的投射，贯穿绘画的整个过程，没有一个艺术家可以走捷径，辩明个人绘画语言的各种因素，将是一个长期的过程。具体来说，最棘手的问题是决定要在作品中用什么样的表现特征。尤其不能把精力仅放在水彩画技巧的展示，将创作寄希望于惊人的绝技，艺术需要技术，但技术不等于艺术。题材的选择是否注重思想性，或者凸显中国文化的诗意和浪漫？用什么画面形式表现，是否舍弃传统，只选则与个人精神的对应？
当然，绘画艺术有技术的方面，有其自身的规律，必须具备造型、色彩和绘画的理论，如造型的法则、趣味，色彩的情感。以为绘画无所谓技术的认识是错误的。水彩画要研究水彩画色彩的采用，对色彩是感觉式还是概念化的方法？是否坚持使用或限制某种色彩？造型是二维还是三维，绘画空间深远还是平面？造型是具象还是抽象，或者是在两者之间？色彩的情绪是否一致？对媒材的研究与选择是否符合情感的诉求？
同时，艺术是文化的载体，艺术包含着与艺术相关的许多内容，比如文学、音乐、诗歌、戏剧，比如宗教、哲学、社会学、心理学等，与绘画都有着千丝万镂的联系，水彩画也要关注文化的氛围的准确表达。对于水彩画家个人而言，成熟的艺术即是个性的归属。其中包含着艺术家的思想、秉性、技术和追求，他的知觉，表现的每一个观念，一切艺术的实践，一切艺术的修养，都依靠这种自然的演化，最后凝结成为艺术。
艺术形式所有的细节必须以一种综合的形式结合起来。水彩画坚持单纯的基本规律对获得艺术的和谐与平静很重要也很有效。就像素描、色彩作用于我们的空间知觉，构成艺术家的特别积累。积累既集中画家的天赋和才能，更自觉更系统地专注与艺术表现的基本技能，将才智、情感、性格、技能娴熟的糅合在一起创造水彩画。经常接受新的观察方法和新的水彩画表现方法，避免作品的重复。
学习和借鉴他人的方法是有助与水彩画发展的。学习新的观察方法、理解方法、思考方法，但是，技巧和风格容易模仿，而想象力、直觉、情感、知识、和经验是无法模仿的，艺术不仅仅是天赋、才能和手法，而是画家个人的存在发展积累而成，艺术创造并不是纯粹的创新，它要依赖于大量的实践、思考和情感的投入，水彩画的成熟是一个水到渠成的过程。
水彩画是色彩体系中的基础学科，又是一个独立的画种。水彩画在实际的艺术创作中，影响是多方面的：在形式上，它以画面中流畅清丽的视觉效果，强化了我们曾经笃定的审美标准；在内容上，它唯美的情绪状态游离现实层面转向画者的个体感受；它沟通了西画与中国画的内在关系，建立了中国审美情趣在西画艺术领域的真实体验。现在，水彩画艺术还不完善，还需要大量的实践以促使艺术品质的完成。艺术的演进是一个自然的过程，当水彩画一切绘画的、非绘画的因素都具备时，艺术品质就自然的提升。不能强求，不能刻意造作，必须真诚地从事艺术实践，潜心研究、辨析精华和糟粕，认真地、准确地表达自己。开始可能是幼稚的，可能有很多绘画基础的问题妨碍绘画语言的准确，但要去解决，要扬长避短，要寻找一个适合水彩画的艺术语言，表现出水彩画的本质特征。
参考文献：
[1]水彩画的艺术表现 王维新 人民美术出版社 1996年
[2]水彩里的色与光 [美] 克里斯托福.欣克 中国新年出版社 2001年