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梅繁（以下简称“梅”）：你的作品从整体上来看似乎很容易解读：首先从题材上来看，你选取的是传统水彩画中最常见的一种题材——风景；再从表现手法上来看，也颇为中规中矩——以写实的手法细腻而真实地还原自然美景的客观面目。你是如何看待自己创作的风格取向的？
杨青（以下简称“杨”）：我比较喜欢写实风格的艺术，我想尽我的能力，画出一些能感染我的画面，仅此而已。在艺术表达上，我尽可能做到单纯，不受其他外界因素的影响。
我比较偏好古典主义艺术，这种兴趣在当今时代可能是不时髦的。现在的主流文化观念是艺术进化论，在大众文化和消费文化的冲击下，无形中将艺术分为先进的和落后的观念。其实这种提法有失偏颇，就像问盐和糖哪个更好吃一样。现在各个创作风格都有自己的圈子和收藏群体，兼容并存。我觉得从时代的发展来看，人的生活表面上发生了巨大的变化，人类内心世界的变化却很小，千百年来，审美取向仍有趋同之处。
梅：那么你認为古典艺术与现当代艺术之间最大的差异在哪里？
杨：我觉得古典艺术追求共性多一点，现当代艺术追求个性多一点。
古典艺术中有一种共同的美的原则，比如古希腊的帕麦农神庙，它就是宇宙的一个胳膊一条腿，它的美是永恒不变的，因此也和人们的生活产生了一定的距离。
现当代艺术更强调创意，强调实验性，其艺术形式多种多样。其中有些艺术形式可能朝生暮死，它们象水一样冲刷了社会，之后就没用了，可以扔掉，但是它们也是一种革命，给社会注入新鲜血液。当代艺术的美是在变化中产生的，很碰撞，侧重于打破和重建，和当代人的时尚生活咬合得很紧，是零距离的。
这有点像古典音乐和摇滚乐，古典音乐美在距离，摇滚乐美在零距离。变化与不变是互为转换的，距离与零距离也互为存在。
梅：水彩画历来是一个非常讲究本体语言特色的画种，其由绘画材质、工具、载体等带来的特殊的透明感、轻快感等在许多画家的创作中被有意地加以放大。以我们本地的另外几位水彩画家的创作为例，如王涌的水彩静物画整体上用色非常素雅，喜好对物象做平面化的处理，而突出肆意挥洒的笔触和水彩薄而透明的特性，以及色与色之间自然互渗的韵味；陈勇劲作品中的主体静物非常细腻写实，但其置物台和背景墙壁等的刻画却也相当写意，甚至有些画作中还有颜色自由流淌的痕迹。与这些画家们相比较而言，你画中的色彩更为厚重，如《山脚下的风景》《草》《雪山》等，看上去甚至有些油画的意味，你为什么很少像大多数水彩画家那样去凸显水彩画的特性呢？
杨：我比较喜欢美国的水彩画家怀斯，他最擅长的是干笔水彩画，我在学生时代第一次看到他的画册时很震惊——原来水彩也可以这样画，这么厚重。不过，我觉得作画的技法对画面来讲意义不大，有时可能还是一种束缚。只要画面需要，我也会用湿画法来处理画面。只有顺着感觉走的技法才是好技法，感觉不好的时候，技法是无能为力的。
梅：如你所说，你的绘画手法非常朴素，而从你所偏爱的题材上看来，你的创作动机也应该是非常朴素的，你画中的那些美景，带给观众的是一种非常自然、客观的美感，你似乎很少在画面中加入你的主观情绪。
杨：是的，我的绘画手法很朴素，而且很少加入我的主观情绪。我坚持这样画是受到了一些因素的影响。我曾经囫囵吞枣地将《圣经》看了一遍，它的文字风格引起了我极大的兴趣。它的文字是这样的：“你们祈求，就给你们；寻找，就找到了；敲门，就给你们开门。”很朴素很简洁，没有半点抒情的成分。这是一个很奇怪的现象，因为它绝对不是文学语言。为什么要用这样的风格？这个问题困扰了我很长时间。后来我的结论是文学渲染和抒情有讨好读者的成份，而圣经是神的智慧，至高无上，用不着讨好读者，所以这种很朴素的文字其实是一种境界的升华。通过这一点我联想到：在道家学说中大自然是“道的本体”，它恩泽万物，也是神圣和至高无上的。如果画家仅仅是通过画优美的风景来抒发个人的喜怒哀乐，那境界就小了。
在西画里面，乔托的画风很朴实，远没有后来的提香那样对人物形体描绘得细腻优美，也没有委拉斯贵支那样对人物性格剖析得细微深刻，但是他有一种纯净博大的意境，将圣坛画阐释得很纯正。这一点有点儿象中国画，认为意境比抒情更重要。抒情是个人情感占上风，意境美是被画的对象本身产生的美，是它的气场，有很大的精神力量，给你开阔的情感。
最近看了一本外国人写中国赏石文化的书，其中有一篇将石头写得有血有肉，很抒情。其实中国人重理念，欣赏的是石头本身美的气场，而不是与石头相关的美的故事，我们玩石头是喜欢石头本身，而不是借此抒情。从这一点上来说很像我的风景画，我喜欢那些风景，是因为它们本身具有美的意境，我不失真实地表现了它们。在这个过程中我只是参与了发现，并通过我的眼光过滤掉了杂质，留下了具有感染力的东西。
梅：不知道你说的这本书是不是《世界中的世界》。我恰好几个月前买了这本书。其实历代的人们对于石头的欣赏也是非常纯粹的，自然的，赏石的过程无需诉诸于人为附加其上的文化属性。对于其它物件的赏玩也是一样，历代有很多人着迷于收藏、把玩各种精致器物，多半也都是出于对器物本身美感的欣赏。你家先生对于古玩的鉴赏与收藏在圈内是非常有名的，那么每天身处于那些或精美，或古朴的器物之间，是否对你的创作有所影响呢？
杨：对，这本书就是《世界中的世界》。我先生的兴趣爱好对我的影响还是很大的。比如说一个黄花梨的小箱子，或是唐代的高古瓷，它们看上去太普通了，但其实朴素的后面藏有精神高度和技术含量，要品味它们需要一定的知识准备，因此也会越品越有味。 中国的很多艺术品都是没有时间观念的，它们不会告诉你它们描述的是清晨还是黄昏，是人生的青春期还是古稀之年。它们就是一个美的物件，就是一张美的画。中国的艺术品注重的是存在而不是表达。存在是恒古不变的，而表达是短促且有限的。
梅：你在自述中提到“反思和无思都是我喜欢的状态。反思可以使人正本清源，无思则可以让我淡出世外”，能同我们分享一下你“反思”与“无思”的心得么？
杨：反思后的作品就像葡萄酒，它需要酿造过程；无思时的作品就像葡萄汁，还是鲜榨的，它清爽可口。它们都是我生活中不可缺少的，只是适用的环境和心情不一样而已。
梅：我注意到你的一张照片中的背景是几幅油画，也是你的作品么？水彩与油画，尤其是现当代的水彩和油画，在创作方向上有很明显的区别，前者基于写生，多表现一些客观的静物、风景，如果画人物，也很少带有主观性的因素；而后者在近几十年间却越来越多元，且带有强烈主观意识的作品也越来越多。你怎样看待这两个画种在当下的创作性质上的差异？
杨：我在俄罗斯的时候，画的是油画，回国后还是主要画水彩。油画和水彩画由于材料性质区别很大，作画方向也各有不同，油画倾向当代艺术的占大多数。我觉得中国现在的当代艺术好像被资本架空了，泡沫太大，那些油画给人的兴奋点不再是审美高度，而是价格高度。这样就会造成人心浮躁，作品也越做越大，浪费也大，相对来说，水彩更环保一点。（笑）
梅：湖北美术学院水彩画系主任刘寿祥老师曾经在一次研讨会中说过：“文气、冷静、群体关系和谐，是湖北水彩画家的普遍特性，他们在精神上有共同的追求，常在一起交流新技法、新思路，从而也促进了水彩画在一种健康的环境中成长和发展。”你对此怎么看？
杨：武汉的艺术生态很好，特别是水彩这一块，很有环境。刘老师总对我们说：“热爱很重要，要对水彩画充满热爱、充满尊重，才可以画得更纯粹，也更纯净。”刘老师治学态度一贯严谨，他的每一幅作品都透着特有的真实和激情，于平淡之中波澜壮阔，势不可挡。刘老师在技法上从不保守，这样就更加促进了我们这个群体的相互学习和提高，他对我们年轻一辈都给予了厚望。
我想每一个画画的人都希望能成为大画家，但这不可强求。对于我来说只要自己努力了，自己对自己满意就可以，这种“心理收获”和大画家是一样的。
杨青，女，1971年生，武汉大学城市设计学院艺术设计系副教授，硕士生导师。1990年至1994年就读于湖北美术学院水彩画专业。1995年至今在武汉大学城市设计学院任教。2003年至2005年武汉大學城市设计学院硕士。2008年至2009年国家公派赴俄罗斯苏里科夫美术学院留学。
2015年水彩画《武汉印象.晨曦》《武汉印象.黄昏》入选“武汉印象美术作品展”
2014年水彩画作品《紫金岭.冬》入选“第十二届全国美术作品展”，并被武汉美术馆收藏；
2014年水彩画作品《晨曦》《暮色》入选“武汉印象美术作品展”
2012年水彩画作品《老墙》入选“全国第十届水彩粉画作品展”；
2012年水彩画作品《郊外的斜阳》获“湖北省高校第五届美术作品大展”银奖；
2011年十一月，在湖北省美术院美术馆举办《湖光山色——杨青个人画展》；
2010年在武汉大学举办“涂绘——杨青作品展”；
2010年水彩画《冷冬》《草》《雪山》入选“回顾与展望一一湖北省水彩二十年回顾展”，并被“湖北省美术馆”收藏；
2010年水彩画《山脊》入选“回顾与展望——湖北省水彩二十年回顾展”；
2010年8月《寂静》获“湖北高校第四届美术与设计大展”银奖；
2010年水彩画《寂静》被“湖北省美术院美术馆”收藏；
2007年水彩画《正午的工地》入选《全国第八届水彩粉画作品展》；
2006年水彩画《不远处的群山》入选《湖北省中国山水画油画水彩风景画作品展》；
2006年水彩画《极地风景ON1》在《第五届湖北省水彩粉画作品展》获优秀奖；
2006《极地风景ON3》入选《第五届湖北省水彩粉画作品展》；
2006《极地风景ON4》入选《第五届湖北省水彩粉画作品展》；
2005年水彩画《山脊》获《湖北省第二届高校美术作品展》金奖；
2004年水彩画《山脚下的风景》获《全国第十届美术作品展》铜奖《湖北省第十届美术作品展》银奖；并被《中国美术馆》收藏，发表于《美术》2004第十期；《美术观察》2004第十期；《水彩艺术》2004第十期；
2002年水彩画《休闲》入选《全国小幅水彩写生作品展》；
2002年水彩画《肖像》获《全国纪念延安文艺座谈会60周年画展》，优秀奖；
水彩画作品被收藏机构：“中国美术馆”、“湖北省美术馆”“湖北省美术院美术馆”“武汉美术馆”。
杨青（以下简称“杨”）：我比较喜欢写实风格的艺术，我想尽我的能力，画出一些能感染我的画面，仅此而已。在艺术表达上，我尽可能做到单纯，不受其他外界因素的影响。
我比较偏好古典主义艺术，这种兴趣在当今时代可能是不时髦的。现在的主流文化观念是艺术进化论，在大众文化和消费文化的冲击下，无形中将艺术分为先进的和落后的观念。其实这种提法有失偏颇，就像问盐和糖哪个更好吃一样。现在各个创作风格都有自己的圈子和收藏群体，兼容并存。我觉得从时代的发展来看，人的生活表面上发生了巨大的变化，人类内心世界的变化却很小，千百年来，审美取向仍有趋同之处。
梅：那么你認为古典艺术与现当代艺术之间最大的差异在哪里？
杨：我觉得古典艺术追求共性多一点，现当代艺术追求个性多一点。
古典艺术中有一种共同的美的原则，比如古希腊的帕麦农神庙，它就是宇宙的一个胳膊一条腿，它的美是永恒不变的，因此也和人们的生活产生了一定的距离。
现当代艺术更强调创意，强调实验性，其艺术形式多种多样。其中有些艺术形式可能朝生暮死，它们象水一样冲刷了社会，之后就没用了，可以扔掉，但是它们也是一种革命，给社会注入新鲜血液。当代艺术的美是在变化中产生的，很碰撞，侧重于打破和重建，和当代人的时尚生活咬合得很紧，是零距离的。
这有点像古典音乐和摇滚乐，古典音乐美在距离，摇滚乐美在零距离。变化与不变是互为转换的，距离与零距离也互为存在。
梅：水彩画历来是一个非常讲究本体语言特色的画种，其由绘画材质、工具、载体等带来的特殊的透明感、轻快感等在许多画家的创作中被有意地加以放大。以我们本地的另外几位水彩画家的创作为例，如王涌的水彩静物画整体上用色非常素雅，喜好对物象做平面化的处理，而突出肆意挥洒的笔触和水彩薄而透明的特性，以及色与色之间自然互渗的韵味；陈勇劲作品中的主体静物非常细腻写实，但其置物台和背景墙壁等的刻画却也相当写意，甚至有些画作中还有颜色自由流淌的痕迹。与这些画家们相比较而言，你画中的色彩更为厚重，如《山脚下的风景》《草》《雪山》等，看上去甚至有些油画的意味，你为什么很少像大多数水彩画家那样去凸显水彩画的特性呢？
杨：我比较喜欢美国的水彩画家怀斯，他最擅长的是干笔水彩画，我在学生时代第一次看到他的画册时很震惊——原来水彩也可以这样画，这么厚重。不过，我觉得作画的技法对画面来讲意义不大，有时可能还是一种束缚。只要画面需要，我也会用湿画法来处理画面。只有顺着感觉走的技法才是好技法，感觉不好的时候，技法是无能为力的。
梅：如你所说，你的绘画手法非常朴素，而从你所偏爱的题材上看来，你的创作动机也应该是非常朴素的，你画中的那些美景，带给观众的是一种非常自然、客观的美感，你似乎很少在画面中加入你的主观情绪。
杨：是的，我的绘画手法很朴素，而且很少加入我的主观情绪。我坚持这样画是受到了一些因素的影响。我曾经囫囵吞枣地将《圣经》看了一遍，它的文字风格引起了我极大的兴趣。它的文字是这样的：“你们祈求，就给你们；寻找，就找到了；敲门，就给你们开门。”很朴素很简洁，没有半点抒情的成分。这是一个很奇怪的现象，因为它绝对不是文学语言。为什么要用这样的风格？这个问题困扰了我很长时间。后来我的结论是文学渲染和抒情有讨好读者的成份，而圣经是神的智慧，至高无上，用不着讨好读者，所以这种很朴素的文字其实是一种境界的升华。通过这一点我联想到：在道家学说中大自然是“道的本体”，它恩泽万物，也是神圣和至高无上的。如果画家仅仅是通过画优美的风景来抒发个人的喜怒哀乐，那境界就小了。
在西画里面，乔托的画风很朴实，远没有后来的提香那样对人物形体描绘得细腻优美，也没有委拉斯贵支那样对人物性格剖析得细微深刻，但是他有一种纯净博大的意境，将圣坛画阐释得很纯正。这一点有点儿象中国画，认为意境比抒情更重要。抒情是个人情感占上风，意境美是被画的对象本身产生的美，是它的气场，有很大的精神力量，给你开阔的情感。
最近看了一本外国人写中国赏石文化的书，其中有一篇将石头写得有血有肉，很抒情。其实中国人重理念，欣赏的是石头本身美的气场，而不是与石头相关的美的故事，我们玩石头是喜欢石头本身，而不是借此抒情。从这一点上来说很像我的风景画，我喜欢那些风景，是因为它们本身具有美的意境，我不失真实地表现了它们。在这个过程中我只是参与了发现，并通过我的眼光过滤掉了杂质，留下了具有感染力的东西。
梅：不知道你说的这本书是不是《世界中的世界》。我恰好几个月前买了这本书。其实历代的人们对于石头的欣赏也是非常纯粹的，自然的，赏石的过程无需诉诸于人为附加其上的文化属性。对于其它物件的赏玩也是一样，历代有很多人着迷于收藏、把玩各种精致器物，多半也都是出于对器物本身美感的欣赏。你家先生对于古玩的鉴赏与收藏在圈内是非常有名的，那么每天身处于那些或精美，或古朴的器物之间，是否对你的创作有所影响呢？
杨：对，这本书就是《世界中的世界》。我先生的兴趣爱好对我的影响还是很大的。比如说一个黄花梨的小箱子，或是唐代的高古瓷，它们看上去太普通了，但其实朴素的后面藏有精神高度和技术含量，要品味它们需要一定的知识准备，因此也会越品越有味。 中国的很多艺术品都是没有时间观念的，它们不会告诉你它们描述的是清晨还是黄昏，是人生的青春期还是古稀之年。它们就是一个美的物件，就是一张美的画。中国的艺术品注重的是存在而不是表达。存在是恒古不变的，而表达是短促且有限的。
梅：你在自述中提到“反思和无思都是我喜欢的状态。反思可以使人正本清源，无思则可以让我淡出世外”，能同我们分享一下你“反思”与“无思”的心得么？
杨：反思后的作品就像葡萄酒，它需要酿造过程；无思时的作品就像葡萄汁，还是鲜榨的，它清爽可口。它们都是我生活中不可缺少的，只是适用的环境和心情不一样而已。
梅：我注意到你的一张照片中的背景是几幅油画，也是你的作品么？水彩与油画，尤其是现当代的水彩和油画，在创作方向上有很明显的区别，前者基于写生，多表现一些客观的静物、风景，如果画人物，也很少带有主观性的因素；而后者在近几十年间却越来越多元，且带有强烈主观意识的作品也越来越多。你怎样看待这两个画种在当下的创作性质上的差异？
杨：我在俄罗斯的时候，画的是油画，回国后还是主要画水彩。油画和水彩画由于材料性质区别很大，作画方向也各有不同，油画倾向当代艺术的占大多数。我觉得中国现在的当代艺术好像被资本架空了，泡沫太大，那些油画给人的兴奋点不再是审美高度，而是价格高度。这样就会造成人心浮躁，作品也越做越大，浪费也大，相对来说，水彩更环保一点。（笑）
梅：湖北美术学院水彩画系主任刘寿祥老师曾经在一次研讨会中说过：“文气、冷静、群体关系和谐，是湖北水彩画家的普遍特性，他们在精神上有共同的追求，常在一起交流新技法、新思路，从而也促进了水彩画在一种健康的环境中成长和发展。”你对此怎么看？
杨：武汉的艺术生态很好，特别是水彩这一块，很有环境。刘老师总对我们说：“热爱很重要，要对水彩画充满热爱、充满尊重，才可以画得更纯粹，也更纯净。”刘老师治学态度一贯严谨，他的每一幅作品都透着特有的真实和激情，于平淡之中波澜壮阔，势不可挡。刘老师在技法上从不保守，这样就更加促进了我们这个群体的相互学习和提高，他对我们年轻一辈都给予了厚望。
我想每一个画画的人都希望能成为大画家，但这不可强求。对于我来说只要自己努力了，自己对自己满意就可以，这种“心理收获”和大画家是一样的。
杨青，女，1971年生，武汉大学城市设计学院艺术设计系副教授，硕士生导师。1990年至1994年就读于湖北美术学院水彩画专业。1995年至今在武汉大学城市设计学院任教。2003年至2005年武汉大學城市设计学院硕士。2008年至2009年国家公派赴俄罗斯苏里科夫美术学院留学。
2015年水彩画《武汉印象.晨曦》《武汉印象.黄昏》入选“武汉印象美术作品展”
2014年水彩画作品《紫金岭.冬》入选“第十二届全国美术作品展”，并被武汉美术馆收藏；
2014年水彩画作品《晨曦》《暮色》入选“武汉印象美术作品展”
2012年水彩画作品《老墙》入选“全国第十届水彩粉画作品展”；
2012年水彩画作品《郊外的斜阳》获“湖北省高校第五届美术作品大展”银奖；
2011年十一月，在湖北省美术院美术馆举办《湖光山色——杨青个人画展》；
2010年在武汉大学举办“涂绘——杨青作品展”；
2010年水彩画《冷冬》《草》《雪山》入选“回顾与展望一一湖北省水彩二十年回顾展”，并被“湖北省美术馆”收藏；
2010年水彩画《山脊》入选“回顾与展望——湖北省水彩二十年回顾展”；
2010年8月《寂静》获“湖北高校第四届美术与设计大展”银奖；
2010年水彩画《寂静》被“湖北省美术院美术馆”收藏；
2007年水彩画《正午的工地》入选《全国第八届水彩粉画作品展》；
2006年水彩画《不远处的群山》入选《湖北省中国山水画油画水彩风景画作品展》；
2006年水彩画《极地风景ON1》在《第五届湖北省水彩粉画作品展》获优秀奖；
2006《极地风景ON3》入选《第五届湖北省水彩粉画作品展》；
2006《极地风景ON4》入选《第五届湖北省水彩粉画作品展》；
2005年水彩画《山脊》获《湖北省第二届高校美术作品展》金奖；
2004年水彩画《山脚下的风景》获《全国第十届美术作品展》铜奖《湖北省第十届美术作品展》银奖；并被《中国美术馆》收藏，发表于《美术》2004第十期；《美术观察》2004第十期；《水彩艺术》2004第十期；
2002年水彩画《休闲》入选《全国小幅水彩写生作品展》；
2002年水彩画《肖像》获《全国纪念延安文艺座谈会60周年画展》，优秀奖；
水彩画作品被收藏机构：“中国美术馆”、“湖北省美术馆”“湖北省美术院美术馆”“武汉美术馆”。