交响乐是人类音乐史上最早成体系的音乐形式，起源于古希腊，发展于欧洲文艺复兴期间，繁荣兴盛于18世纪初。其英文词汇（Symphony）原初含义是“共同的和谐”，表明交响乐的声音在多重复杂的基础上，保持着高度和谐的特性。
　　通常，我们所提到的交响乐多指管弦交响乐，即音乐主体通过管乐器与弦乐器，以复杂的逻辑和线条协作发声的音乐。它在不同时期具有不同风格，例如以贝多芬、莫扎特为代表的古典主义;以舒伯特、门德尔松为代表的浪漫主义;以柴可夫斯基为代表的民族主义。

　　现场交响乐演出的震撼程度，是其他任何媒介形式都无法传达的。

　　事实上，交响乐发展到后面，其对乐器种类和协作逻辑的限制已经没有那么明确;从更加广义的角度，只要是多声部協同运作，同时在一定程度上保持和谐，即可以称为交响乐。

绝非个人的成就

　　如前所言，交响乐的强大之处在于，多声部按照一定逻辑协同运作的同时还能保持稳定和谐。交响乐中每个单独的乐器都有其各自独立的旋律、节奏、音量，加上每种乐器之间的音色又各不相同，可想而知，想让它们混合在一起的整体效果保持和谐，并不容易。
　　首先，作曲家要有极强的编曲配器能力，也就是设定协同运作逻辑的能力。作曲家需要确定好每个乐器在各个时间点上的演奏音高、音量等，还要兼顾每种乐器的音色特点、发声原理、演奏限制等。
　　其次，各个乐器的演奏家需要同时拥有对乐器发声的掌握能力，对乐曲情感的表达能力，以及对乐器间相互配合的感知能力。
　　最后，交响乐指挥要成为连接前两者的桥梁。优秀的指挥家，应能理解作曲家想表达的音乐思想，用肢体动作和语言精准地传递给乐器演奏者，在对微观具体演奏技法进行指导的同时，不断把控着宏观呈现的总体效果。
　　作为一个以编曲为主要方向的现代音乐人，我对于交响乐的欣赏主要聚焦于乐器声部之间的精妙配合。对大师作品总谱的细致分析，能让我在日常编曲创作中获得源源不断的灵感。值得一提的是，学习和分析交响乐的总谱，是一种最快速了解作曲家思维的途径，也能以最直观的视角来解析音乐。
　　以贝多芬的《c小调第五交响曲（命运交响曲）》为例，其第一乐章的第25-32小节便体现出了弦乐组各个声部之间的完美配合。如果我们单纯聆听演奏出来的作品，其宏观呈现的是一段简单的单线条旋律。但实际上，若想达成这种效果，需要第一提琴、第二提琴、中提琴、大提琴这四个声部，以阶梯下行的排布方式，进行紧密的衔接配合。
　　这种编曲思维就好比是平面设计领域里，在作图时不同功能的画面元素被分成了不同的图层。电影《钢铁侠》中主角Tony在山洞中制造初代钢铁侠的时候，为了瞒过守卫，所画的分层草图正是采用了这种思维。
　　这种编曲思维被后人学习和借鉴，在现代音乐中有着非常广泛的应用，在我自己的作品中也经常会用到，例如2020年年初为抗击疫情所写的歌曲《烛火》中，最后一段副歌的打击乐声部，就是由多种不同的打击乐器在不同时间点发声，产生了相互配合的连续性效应;虽然是多声部共同协作，但实际的听感效果却只有一条打击乐的旋律线。

一幅声音的画作

　　拥有复杂运作逻辑支撑的同时，交响乐在音乐表现力方面绝对是顶尖的，因为它拥有最丰富、最庞大的乐器体系，包含了各种特点的声音。它们来自轻柔绵密的小提琴、深邃扎实的大提琴、激进昂扬的小号、铿锵有力的圆号、悠扬悦耳的长笛，以及空灵缥缈的竖琴等等。与此同时，不同的乐器又以不同的音量配比叠加在一起，会产生千变万化的音色，再加上多样的打击乐和色彩乐器（又称色彩风琴），这些音色就如同宝藏一般，让作曲家可以根据需求随意选用。
　　如果你想真切感受交响乐的表现力，听CD是远远不够的。现场交响乐演出的震撼程度，是其他任何媒介形式都无法传达的。人在交响乐现场所感受到的，不仅仅是乐器声音进入耳朵，在专业音乐厅返音板和吸音墙的精细布置下，声音可以渗透到你的身体中，在胸腔和头腔中形成复杂的物理反射和自然混响，最终传入大脑。
　　我在日常听交响乐时，经常会不自觉地给乐曲赋予一定的画面和情感。相反，在看到某些画面的时候，也会自然而然地想起某首曲子里的旋律。
　　记得有一次下暴雨，在路上开车时将雨刷器开到最大都无法看清路况，于是我临时找了个路边的加油站避雨。当时车里还有一位圆号乐手朋友，她观察窗外夹杂着电闪雷鸣的瓢泼大雨，说想起了一首特别适合这个场景的曲子，便拿出手机播放了柴可夫斯基的《第一钢琴协奏曲》。
　　气势磅礴的圆号前奏，配合着管弦声部突然变强的齐奏，确实是非常符合当时的场景。虽然老柴写这首曲子的时候并没有刻意地想要描绘暴雨，但音乐的魅力就在于，它可以包容人类的任何想象。一首好的作品可以承接不同人在不同境况下的情感寄托，这也是一个优秀作曲家的强大之处。
　　说到画面的刻画，我认为最成功的是舒伯特的《鳟鱼五重奏》（Trout Quintet A Major Op.114 Schubert）。整个作品的五个乐章，生动刻画了鳟鱼在水中的不同状态，甚至还戏剧性地刻画了渔夫捕鱼的场景。

　　音乐的魅力就在于，它可以包容人类的任何想象。

　　除此之外，一个最成功的细节就是，第四乐章结尾处钢琴声部灵动的伴奏旋律，非常形象地刻画出鳟鱼在水里的上下浮动，以及探出水面的轨迹。这段旋律被作曲家设计成了前密集、后稀疏的节奏型，加上钢琴家演奏时在每个音的长短上稍作调整，就达到一种开始时快速、到达旋律顶点就忽然慢下来的速度变化感，与鱼在水面跃出的抛物线轨迹相匹配。

　　类似的优秀作品实在太多。或许有些人觉得交响乐很抽象，很枯燥，不容易接受，但其实，当你了解了交响乐想表达的思想情感时，再仔细聆听不同的声部所扮演的角色，就会发现交响乐的世界满溢着无穷趣味。

经久不衰必将历久弥新

　　今年新冠疫情对整个现场演艺行业都带来了相当大的冲击，国内外知名乐团的现场交响乐演出也纷纷被迫推迟。原定于今年9月在伦敦举办的久石让交响音乐会也不得不取消，而我原本兴冲冲地在第一时间买了票，如今也只能以遗憾收场。
　　正如前文所提到的，交响乐一定要亲临现场听才最震撼，效果才最好，那种感觉是听CD无法体会到的。尽管如此，音乐工程师们还是在尽他们最大的努力，致力于将录音技术提升到极致。
　　交响乐的录制，所涉及的专业领域非常多，包括演奏家的摆位、麦克风的布置、不同功能麥克风的组合搭配、场地声学设计、录音系统调节、场地所带来的自然延迟消除、现场指挥与录音师同步交流等等。每一个方面都需要无数的专业知识支撑，需要工作人员不断的调整修正，才能打造出最好的录制环境。
　　同时，录音之后的后期处理也是一项极其庞大的工程。试想，几十人演奏复杂的多声部交响乐，每一个细微的声响都可能需要做出相应的后期处理和优化。
　　新冠疫情的到来，也倒逼演奏家们纷纷开展线上活动，包括线上教学、直播、云音乐会等。
　　虽然交响乐团的演奏家们损失了线下演出，但同时也开辟了很多创新性的工作方式，让原有的演奏模式发生跨时代的改变。许多乐团纷纷开始组织线上远程交响音乐会，这种形式对于观众和听众来说是非常喜闻乐见的。大家可以透过这种线上音乐会，看到音乐家们最自然的演奏状态，了解他们在生活中是什么样子。而远程的配合对于精准度的要求相当高，这对演奏家们来说也是一项全新的挑战。
　　尽管交响乐在目前面临着相当多的问题，但我始终相信，这样一种近乎完美的音乐呈现形式一定会经久不衰地被人们传承下去。作为音乐人的我，也会为我所喜爱的交响乐尽我所能地将其发扬光大，让更多的人了解、认识、接纳并喜欢上交响乐！
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